"Durant toute l’année 2024, la Fondation Dubuffet va fêter ses 50 ans d’existence. 

"La Fondation présente en ses murs rue de Sèvres, une grande exposition retraçant ses 50 ans d’activités, mettant en lumière la dotation initiale de l’artiste et dévoilant des œuvres majeures de sa collection, axées sur le portrait et la figure. Du 20 au 25 mars 2024, la Fondation Dubuffet est l’invitée d’honneur du Salon du dessin au Palais Brongniart à Paris.

Pour célébrer son cinquantenaire, la Fondation Dubuffet présente du 15 mars au 20 décembre 2024 Fondation Dubuffet : chronique de 50 ans d’activités, une exposition anniversaire scénographiée en trois temps. Après une première salle chroniquant les 50 ans d’activités de la fondation, deux salles sont dédiées à des œuvres majeures de la collection, axées sur le portrait et la figure : dons de l’artiste, legs de sa fille et acquisitions plus récentes. Le parcours de l’exposition se termine par une dernière salle évoquant l’atelier de la Cartoucherie de Vincennes et offrant un coup de projecteur sur la dotation initiale, apport essentiel lors de la constitution de la Fondation. 

À propos de la fondation

La Fondation Dubuffet est sans doute l’une des rares et toutes premières institutions en France dont le fondateur est l’artiste lui-même. Jean Dubuffet a constitué sa propre fondation pour assurer le respect de son œuvre mais également pour maintenir groupé et accessible au public un ensemble significatif de ses travaux. Les statuts de la Fondation Dubuffet ont été signés le 9 août 1973 et elle a été reconnue Établissement d’utilité publique par décret en Conseil d’État le 22 novembre 1974. Jean Dubuffet en assurera lui-même la présidence jusqu’à son décès en mai 1985. Nommée, par testament de l’artiste, titulaire de son droit moral, la Fondation Dubuffet assure le respect du nom de Jean Dubuffet, de sa qualité et de son œuvre. La Fondation est également détentrice des droits patrimoniaux, par legs de la fille de l’artiste, Isalmina Dubuffet, décédée en 2003. La Fondation Dubuffet est établie sur deux sites : l’un à Périgny-sur-Yerres dans le département du Val-de-Marne et l’autre dans le VIe arrondissement de Paris. 

À propos de Jean Dubuffet

Peintre, graveur, sculpteur, architecte et écrivain, Dubuffet est un artiste prolifique. Rétif à toute catégorie, il invente un langage plastique nouveau libre de toute norme établie. Ce n'est qu'en 1942 qu'il se consacre définitivement à l'art. Après avoir célébré l'homme du commun dans une verve enfantine, il explore de nouveaux matériaux (bitume, sable, gravier, fibre végétale). Sa production est jalonnée d'expérimentations multiples regroupées en différents cycles dont le plus long est celui de l'Hourloupe (1962-1974), projection mentale et dématérialisée du monde. (NDM)

Exposition du 15 mars au 20 décembre 2024.

**** L'ESPRIT SINGULIER : 

COLLECTION TREGGER SAINT-SILVESTRE

Centro de Arte Oliva

vernissage me mardi 19 mars à 18h30.

Exôsition jusqu'au 14 août 2024.

(galerie du bas)

**** VICTOR SOREN : "Anatomie de la rupture"

Vernissage le 19 mars à 18h30.

Exposition jusqu'au 5 mai 2024.

**** « L’enfant Didi », itinéraire d’une œuvre spoliée de Chana Orloff, (1921-2023)

"Le 26 janvier 2023, la sculpture de L’enfant Didi, le fils de Chana Orloff, faisait son retour dans l’atelier de l’artiste, après une absence de près de 80 ans. Volée le 4 mars 1943 – avec l’ensemble du contenu de l’atelier-logement et cent-quarante autres sculptures –, l’œuvre est ensuite passée de main en main jusqu’à sa réapparition à New York en 2008 et sa restitution à la famille en 2022.

Exposition du 19 novembre 2023 au 29 septembre 2024

**** SALONIQUE "JERUSALEM DES BALKANS" 1870-1920. La donation Pierre de Gigord.

"Ville cosmopolite, comme d’autres grands ports du Levant, Salonique – la Thessalonique grecque sous l’Empire ottoman – fut longtemps une cite juive ou les commerçants, toutes confessions confondues, fermaient le samedi et durant les fêtes juives. Les 150 œuvres de l'exposition du mahJ restituent l’histoire de Salonique de la seconde moitié du XIXe siècle à la fin de la Première Guerre mondiale.

Le don de près de 400 photographies et documents au mahJ par Pierre de Gigord, grand collectionneur dévoué à l’histoire de l’Empire ottoman, à l’œil avisé et à l’admirable générosité, constituent un enrichissement majeur pour le mahJ, dont la collection est désormais une référence sur la « Jérusalem des Balkans ». Les tirages albuminés du premier photographe local, Paul Zepdji, les négatifs sur plaques de verre inédits d’Ali Eniss, drogman (interprète) au consulat d’Allemagne, amateur passionné auteur d’une vivante chronique photographique de la ville, font revivre un monde disparu. Ce sont aussi des autochromes, des albums de photographes amateurs, des documents du service photographique de l’armée d’Orient, des cartes postales, brochures et magazines qui racontent la vie de la cité."(NDM)

Exposition jusqu'au 21 avril 2024.

**** JOANN SFAR : "La vie dessinée"

Vernissage le mercredi 11 octobre à 16h.

Exposition du 12 octobre 2023 au 12 mai 2024.

**** Salonique, « Jérusalem des Balkans », 1870-1920. La donation Pierre de Gigord

"Ville cosmopolite, comme d’autres grands ports du Levant, Salonique – la Thessalonique grecque sous l’Empire ottoman – fut longtemps une cite juive où les commerçants, toutes confessions confondues, fermaient le samedi et durant les fêtes juives. Les 150 œuvres présentées dans l’exposition, issues du don exceptionnel de Pierre de Gigord, font revivre un monde disparu et restituent l’histoire de Salonique de la seconde moitié du XIXe siècle à la fin de la Première Guerre mondiale." (NDM)

Exposition jusqu'au 21 avril 2024

**** Revoir Van Eyck : "La Vierge du chancelier Rolin"

 C’est la première fois depuis son entrée au Louvre en 1800 que La Vierge du chancelier Rolin de Van Eyck est restaurée. Une redécouverte spectaculaire du tableau accompagnée d’autres œuvres de Van Eyck, mais aussi de Roger Van der Weyden, Robert Campin et des grands enlumineurs de l’époque. Au total, une soixantaine de panneaux peints, manuscrits, dessins, bas-reliefs sculptés et objets d’orfèvrerie seront exceptionnellement réunis." (NDM)

 Exposition du mercredi 20 mars au lundi 17 juin 2024

**** INGRES ET DELACROIX ; "Objets d'artistes" 

Découvrez la nouvelle exposition consacrée à deux figures artistiques majeures du 19e siècle, Ingres et Delacroix, et aux objets qui ont constitué, pour chacun, leur univers et leur intimité.

Le musée national Eugène-Delacroix présente une exposition originale consacrée à deux figures artistiques majeures du XIXe siècle, Ingres et Delacroix, et aux objets qui ont constitué, pour chacun, leur univers et leur intimité.

Un pot à tabac en forme de poisson ayant appartenu à Eugène Delacroix (1798-1863), une couronne de laurier dorée offerte à Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) par les Montalbanais heureux de célébrer son entrée au Sénat, un encrier d’enlumineur en faïence de Fès rapporté par Delacroix de son voyage au Maroc en 1832, des palettes chargées de couleurs, le fameux violon d’Ingres… Ces objets sont les témoins des goûts personnels et des processus de création des deux artistes. Que nous disent-ils de leurs célèbres propriétaires ? Quelle est la part de l’homme dans l’artiste ? Et la part de l’artiste dans l’homme ?

Exposition organisée par le musée national Eugène-Delacroix - Etablissement Public du musée du Louvre et par le musée Ingres Bourdelle - Ville de Montauban Cette exposition sera présentée successivement, dans une version adaptée, au musée Ingres Bourdelle de Montauban, du 11 juillet au 10 novembre 2024. (NDM)

Exposition Jusqu’au au 10 juin 2024

**** Hans Hartung, Anna-Eva Bergman et Terry Haass : « Le partage du sensible »

" À Bergman et Hartung, voilà que s’ajoute pour la première fois au sein d’une exposition de la Fondation un troisième nom dont seuls quelques rares spécialistes et amateurs seront familiers  : celui de Terry Haass. Cette femme, née Thérésa Goldman en 1923 en Tchécoslovaquie, a produit une œuvre riche, très diverse, dominée par une remarquable pratique de l’estampe et de la sculpture, et par un langage abstractisant qui ne se coupe jamais complètement des motifs. On peut mentionner en particulier ceux des sciences physiques, des grands ailleurs géographiques et des mythes fondateurs, ce qui, d’emblée, la place dans la même famille artistique que celle de Hans Hartung et, plus encore, d’Anna-Eva Bergman qu’elle rencontre en Norvège en 1951.

Mais, à ce premier apparentement, s’en ajoute bien d’autres, d’ordres biographique et, pourrait-on dire, moral. Terry a connu, elle aussi, les drames de l’Histoire. Elle est juive, fuit les nazis qui assassineront son père, pâtit de son genre dans un milieu très masculin, travaille comme archéologue, se consacre à sa création sans avoir de descendance, s’installe en France alors qu’elle est étrangère jusqu’à sa mort en 2016.

Et puis, malgré les épreuves et les souffrances, elle ne sacrifie pas sa curiosité, ni son humour, ni ses engagements caritatifs. Surtout, stoïque et obstinée, elle ne cède rien de sa foi en la création, à laquelle elle se consacre résolument, avec abnégation et la conviction qu’elle offre une lumière, si fragile soit-elle, pour s’y retrouver dans le chaos de l’univers, et peut-être même pour réordonner un peu celui-ci.

Dans ces affinités électives qui unirent Terry, Anna-Eva et Hans, il y eut une grande complicité nimbée de respect, et certainement aussi une circulation du regard, des halos d’influences. Il faut par ailleurs souligner que Bergman, tellement reconsidérée depuis quelques années, n’a pas eu de son vivant suffisamment d’artistes qui aient manifesté leur admiration à son endroit. Excepté Hans, Terry Haass fut la seule à mener explicitement des hommages à Anna-Eva Bergman, sous les formes d’un portfolio composé de collages lithographiés et d’un sublime monument. Ce dernier est au Centre d’art Henie-Onstad d’Høvikodden  ; on en découvrira ici les origines dans d’émouvantes archives. Car, en plus d’un foisonnement d’œuvres, le « partage du sensible » (expression empruntée au philosophe Jacques Rancière) entre ces trois amis est restitué dans la présente exposition par d’innombrables documents – lettres, photographies, catalogues…

Enfin, cet événement bénéficie de deux apports cardinaux. Le premier, c’est une donation dont la Fondation fut l’heureuse destinataire, issue de la succession de Terry Haass. Nous l’avions certes déjà évoquée publiquement et en avions montré des fragments en 2023 mais grande est aujourd’hui la satisfaction de la faire pleinement vivre parmi notre fonds originel. Le second apport cardinal, c’est celui du binôme qui a orchestré tout ce travail de recherche et de monstration : Christian Manuel, médecin et exécuteur testamentaire de Terry Haass et Christine Lamothe, experte de Bergman à la Fondation. L’un et l’autre furent des intimes deTerry. Ils ont donc pu mettre leur connaissance au service de sa mémoire et de son aura posthume. C’est ainsi que la matière sensible de son œuvre et la sensibilité immatérielle qui en émane sont désormais en partage." (NDM)

Exposition du 15 avril au 27 septembre 2024

La LUCARNE : 3 rue Beyssac, Bordeaux)

**** LA PLUIE QUI CACHE SON JEU : 

Vernissage mardi 9 avril à 18h30.

Exposition du 10 avril au 26 mai 2024.

**** BARBARA NAVI : Ces portes de corne et d'ivoire

" Le Suquet des Artistes de Cannes présente Ces portes de corne et d’ivoire, une exposition consacrée à l’artiste Barbara Navi. La photographie, le collage, la maquette, la vidéo participent à l’élaboration des matériaux iconographiques dont la peintre fait usage pour réaliser ses œuvres. Ses tableaux convoquent les strates de la mémoire et de l’archaïque immémorial à travers des scènes s’apparentant à des anamnèses, des souvenirs-songe. Des linéaments improbables de paysages s’y télescopent dans un univers disloqué où les archives familiales entrent en collision avec des documents historiques et des fragments iconographiques issus de l’histoire de l’art. Ancienne élève de l’École Boulle et diplômée de philosophie, Barbara Navi vit et travaille à Paris.

Contempler une peinture de Barbara Navi c’est plonger dans les confins de royaumes inconnus. Situées entre réalité et fantastique, ses toiles semblent être suspendues dans un entre-deux que le visiteur peine à définir. L’esprit cartésien qui s’y confronte réussit à se raccrocher à des éléments tangibles. Ici, un visage, là, un sommet enneigé, ici encore, des détails iconographiques qui renvoient à une mémoire collective : une tour de Babel, une ronde de danseurs, une descente de croix,... Cependant, ces éléments, aussi familiers soient-ils, sont plongés dans un espace indéfini où les règles qui régissent le monde connu ne paraissent pas s’appliquer. En premier lieu, dans ces contrées, semblables au pays de Lilliput, des personnages d’échelles différentes cohabitent dans un même paysage. En second lieu, les espaces – temps s’entremêlent sur la surface de la toile. Barbara Navi se libère, en effet, des codification temporelles. Il en est ainsi de ses paysages qui semblent tout à la fois contemporains et s’extraire de tableaux du XVIe siècle. En cela, ses peintures rappellent ces instants délicats et éphémères où nous émergeons du sommeil. Ces quelques secondes où l’esprit n’est plus tout à fait endormi mais pas encore complètement éveillé, lorsque l’environnement qui nous entoure semble se recomposer progressivement devant nos yeux. Juste le temps que la réalité prenne de nouveau forme et que nous retrouvions nos repères rassurants. C’est ce monde flottant, entre rêve et réalité, entre sommeil et éveil, entre imagination et lucidité, que façonne Barbara Navi. Elle bâtit des univers en construction où paysages et corps se confondent. La palette qu’elle utilise renforce cette impression d’irréalité.

Ces portes de corne et d’ivoire, le titre de l’exposition souligne l’importance de ce processus de décryptage. Objets homériques, ces portes encadrent le sommeil chez le poète antique. Elles teintent les songes d’ombres de réalité ou de mensonge. Si le rêve passe par la corne d’ivoire il ne sera que mystification, mais, si son chemin traverse la porte de corne, il se transforme en un message primordial pour le dormeur. Celui-ci se doit, alors, de le décrypter car le rêve prend, ici, une fonction prophétique. Il devient le porteur d’une missive sibylline dont l’interprétation se fait nécessité.

Le lieu d’exposition, ancienne morgue municipale, participe à donner un aspect mélancolique aux toiles de Barbara Navi. En effet, le sommeil, considéré comme un lien entre l’occulte et la réalité, est aussi un territoire de rencontre entre vivants et morts. Loin d’être un lieu de repos, le rêve est une seconde vie1, qui permet au dormeur de rejoindre ses proches défunts. L’endormissement conserve tout un pan secret. Celui qui s’abandonne au bras de Morphée accepte de s’engager sur un chemin ténébreux dont les voies demeurent hermétiques. Plusieurs toiles tentent de percer le mystère impénétrable du sommeil. Les personnages, en gros plans, sont plongés dans l’endormissement. Ils paraissent d’une vulnérabilité extrême et, dans les profondeurs du Suquet, un doute nous saisit. Sont-ils seulement endormis ou ont-ils franchi le Styx ? Et qu’en est-il de ces mondes merveilleux qui se déploient autour de leurs corps inertes, seraient-ils le reflet de ce qui se passe dans leur esprit ? Hanna Baudet' (NDM)

Exposition du 3 février au 28 avril 2024

**** JULIEN DES MONSTIERS : "Dessus/Dessous"

Une aura d’étrangeté imprègne les toiles de Julien des Monstiers. Paysages altérés, motifs, déchirés, les peintures semblent à la fois contemporaines et s’extraire d’un passé lointain. Cette sensation tient, sans doute, à la superposition de strates de matière qui interroge et perturbe le regard du visiteur. L’artiste semble se jouer des certitudes trop rapidement acquises. Car, si de prime abord, celui qui se confronte à son travail, peut avoir l’impression que le peintre creuse dans les différentes couches qui recouvrent la toile, en observant attentivement les surfaces peintes, il apparaît que c’est le processus inverse qui est à l’oeuvre. L’artiste devient illusionniste et le spectateur victime de son mensonge. Son œuvre rappelle que les sens sont faillibles et peuvent entrainer sur une fausse route celui qui s’y fie sans discernement. L’impression de duperie est renforcée par l’idée qu’une partie de l’image est cachée et ne sera jamais accessible à celui qui la contemple. Le peintre, en choisissant ce qui sera dévoilé dans la construction de son tableau, convoque l’imagination car on ne peut rêver que ce qui est absent. Jouant, ainsi, avec la frustration des visiteurs, il les plonge au coeur de la magie de la création et leur permet de retrouver, pour un instant, un émerveillement enfantin.

La construction minutieuse des œuvres mise au point par l’artiste, lui permet de faire coexister différentes temporalités dans un même espace. Il parvient à associer passé et présent, renversant, par cela, l’ordre établi. Ce qui apparaît en premier est, en réalité, ce qui a été réalisé à la fin. Ainsi, suivant la voie ouverte par Marcel Proust, le peintre parvient à faire coexister des périodes distinctes dans un même temps. L’artiste imagine une œuvre où passé et présent se confrontent et se mélangent, nous rappelant que la vision d’une histoire linéaire est un mythe voué à rassurer les hommes. En effet, il est possible que différentes versions de nous même se superposent et cohabitent au même moment. Il suffit d’une odeur, d’une image ou d’un son, pour que, pendant un instant, nous retrouvions la personne que nous avons été autrefois. Pendant ces quelques secondes, les versions anciennes et actuelles de notre être coïncident grâce au souvenir qui s’est imposé. Julien des Monstiers réussi à fixer sur la toile cette impression éphémère. Sa peinture, si elle ne décrit pas les choses visibles du monde contemporain, permet d’ouvrir une porte sur le moi profond et l’expression de cette fragile sensation ancre son œuvre dans la réalité.

Cependant, cette recherche, minutieuse et conceptuelle, ne débouche pas sur un discours pontifiant et abscons. L’aspect ludique de son œuvre, apparaît très vite. Le hasard, la délégation du geste, la construction par strates, on devine, sous bien des aspects, le plaisir de créer et la liberté du peintre. Ses différentes expérimentations témoignent d’une créativité renouvelée et attestent de la vitalité de la peinture contemporaine. Sa pratique, va de pair avec un refus des cadres et conventions traditionnelles. Explorant les marges de son art, il brouille les séparations établies entre les différentes techniques et navigue dans un univers situé entre peinture, sculpture et gravure. Pour se faire, il se libère du pinceau et imagine de nouveaux outils. Dans le même temps, il imagine des formes de monstration singulières. Investir un lieu n’est jamais chose aisé pour un artiste. Les œuvres y acquièrent une nouvelle vibration, et, il n’est pas rare que toiles et espace entrent en dissonance. Est-ce pour cela que Julien des Monstiers s’attache à occuper les interstices des endroits dans lesquels il expose ? L’artiste se libère des carcans imposés par les hiérarchies artistiques et les accrochages institutionnels classiques. En présentant une œuvre au sol, un tableau sortant du mur, son travail se confond à l’espace et incite le visiteur à interroger ses habitudes et son regard.

Les rares figures qui parcourent les toiles de Julien des Monstiers révèlent, elles aussi, par d’étonnantes associations, son goût pour la fantaisie. Les inspirations du peintre trouvent racine tant dans l’Histoire de la peinture que dans la littérature ou la pop culture. La figure de Fantômas semble avoir une place particulière dans son oeuvre. Ce personnage témoigne du coté obsessionnel de l’artiste. Le peintre ne s’est pas contenté de le convier sur une toile. C’est toute une série qui est consacrée à ce maître du crime. La muse est reconnaissable, il s’agit de Jean Marais, incarnation cinématographique du criminel. Les portraits se superposent dans une accumulation qui tend vers l’absurde. Comme lorsque que l’on cherche à se libérer d’une mélodie entêtante en la répétant. Julien des Monstier réussi à briser le sortilège en rendant le monstre saugrenu grâce à une confrontation sérielle.

Au-delà de Fantômas, licornes, drones ou encore chevaux se croisent dans les différents tableaux empêchant, ici encore, toute classification temporelle précise. Cette confusion d’époques tient également à l’obsession du peintre pour le motif. Tapis, papiers peints, peintures murales, les formes qui parsèment les toiles font appel à une mémoire collective construite qui renvoie à des périodes temporelles diverses. Car l’artiste ne tend pas à se détacher complètement de ce qui est advenu avant lui. Perché sur les épaules des géants, il s’approprie de façon personnel ce qui a été édifié avant lui. Son œuvre contient, ainsi, des signes d’un passé à la fois intime et universel. Cependant, il s’amuse à mixer ces traces avec des réminiscences inventées. Les toiles faussement abimées, comme soumise aux affres du temps deviennent, alors, des témoins d’existences fantasmées. Par cette réappropriation de l’histoire de l’art, la peinture de Julien des Monstiers devient exo-fiction." Hanna Baudet, Janvier 2024

Exposition du 11 mai au 22 septembre 2024 

**** TERESA LANCETA ; "La mémoire tissée"

"L’exposition Teresa Lanceta, la mémoire tissée est la première monographie en France consacrée à l'une des plus grandes artistes espagnoles contemporaines.

Née à Barcelone en 1951, Teresa Lanceta adopte dès les années 1970 le tissage comme principal moyen d’expression. Pratiquant également la peinture, le dessin, la céramique, la vidéo et l’écriture, son travail protéiforme offre un regard multiculturel et sensible sur le monde. Ses œuvres tissées, naviguant entre abstraction et figuration, nous transmettent autant de mémoires individuelles que collectives.

Si la tapisserie connaît ses lettres de noblesse au Moyen-Âge et à la Renaissance, elle est par la suite considérée comme un art décoratif mineur, avant de bénéficier d’un regain d’intérêt au XXe siècle. Du mouvement Arts and Crafts au Néo-Craft récemment, en passant par les créations du Bauhaus, l’avènement de la Nouvelle Tapisserie et les revendications féministes de mouvements comme Pattern and Decoration, les artistes usent tout au long du siècle des multiples potentialités du textile.

Teresa Lanceta occupe une place singulière dans cette histoire du tissage dans l’art. Son travail polarise les préoccupations artistiques et sociales qui traversent les XXe et XXIe siècles, comme celles de relier l’art et la vie, d’abolir la frontière entre les arts dits mineurs et majeurs, ou de repenser la notion traditionnelle d’auteur. Ses œuvres textiles mettent également en lumière des savoir-faire hérités des communautés du Moyen Atlas, auprès desquelles elle apprend les techniques de tissage et la variété des motifs.

À travers ses expériences au Maroc ou auprès des communautés gitanes en Espagne, Teresa Lanceta se construit un répertoire de formes à la portée universelle. Ses lignes vibrantes et les signes qui en résultent, d’une grande richesse plastique, créent un véritable langage. Elles sont la voix d’un engagement social, politique et écologique qui anime l’artiste depuis plus de cinq décennies, autour de la durabilité et de la reconsidération de techniques et de voix marginalisées.

L’exposition présentée au musée d’art moderne de Céret dresse un vaste panorama de ses créations des années 1980 à nos jours, dont certaines sont dévoilées pour la première fois au public. Elle explore la notion de mémoire collective et individuelle à travers plus de 70 œuvres majeures. » Jean-Roch Dumont Saint Priest et Gwendoline Corthier-Hardoin  Commissaires de l’exposition (NDM)

Exposition du 2 mars au 2 juin 2024

**** JULIEN DES MOUSTIERS : "Dehors dedans"

" les œuvres de Julien des Monstiers animent les murs de Chambord de motifs contemporains issus d’un passé lointain. La construction minutieuse des œuvres à travers la superposition d’aplats de couches de peinture fait coexister différentes temporalités dans un même espace. Des images brouillées se recomposent en un entrelacs de motifs et de couleurs dominées par le couple complémentaire orange et bleu.

La démarche consiste en un travail autour de la peinture, Julien des Monstiers adopte des formes et des gestes empruntés aux grands récits, mais aussi à l’histoire de ses motifs : scènes de chasse, décors floraux, tapisseries, avec une certaine prédilection pour les scènes animalières. L’artiste travaille ses tableaux avec la technique du report : il peint ses dessins sur une plaque de plexiglas puis, via un premier transfert de la peinture encore fraîche sur un papier cristal, reporte le motif obtenu sur la toile par pression dans d’incessants allers-retours.

Grâce à son approche virtuose et novatrice de la peinture à l’huile, Julien des Monstiers est aujourd’hui considéré comme une figure montante de l’art contemporain.

« Avec Julien des Monstiers, c’est l’un des peintres les plus doués de sa (jeune) génération que le Domaine national de Chambord invite à exposer sous les voûtes à caissons et dans les salles adjacentes du second étage du château. Un peintre dont les motifs rencontrent très évidemment l’esprit des lieux : que ce soient ses tableaux animaliers, ses scènes de chasse, parfois empruntées à de grands artistes du passé comme Oudry, ou encore ses tapis ou tapisseries, les œuvres de Julien des Monstiers résonnent de façon très étroite avec les murs du château, sa décoration ou son activité cynégétique. 

C’est à cette rencontre qu’invite l’exposition. Elle permet aux visiteurs de se familiariser avec une technique particulière, faite d’ajouts de différentes couches de peinture, pour donner à voir le travail d’un coloriste hors pair. Colorés, balafrés, denses et énigmatiques, les tableaux de Julien des Monstiers donnent à voir une joie de peindre communicative, mais aussi une manière d’interroger les images qui nous submergent aujourd’hui. » Pierre Dubreuil Directeur général du Domaine national de Chambord

Exposition du 26 mai au 3 novembre 2024.

**** OLA MIRECKA : SO GREEK ! 

" Lumière sur la collection de vases grecs d’Antoine Vivenel », organisée dans la salle dédiée du Centre Antoine Vivenel (CAV), met en lumière le fleuron des collections du musée Antoine Vivenel rassemblant la deuxième plus importante collection de vases grecs après celle du musée du Louvre. Adressée à tous les publics, celle-ci est programmée avec l’intention de rendre une partie de cette riche collection accessible dans l’attente de la réouverture, dans le parcours permanent du musée, de la salle des Antiquités méditerranéennes fermée pour rénovation. Immersive mais sans artifice, l’exposition fait la part belle aux dieux, héros et monstres visibles sur les vases : un voyage dans le temps guidé par la voix des peintres qui les ont exécutés avec talent et minutie. La scénographie, sensible et originale, nous invite dans l’univers de l’illustratrice Manon Mahdavi, qui a également réalisé un diorama en 3D du Banquet présenté à l’Office du tourisme en écho à l’exposition, ainsi qu’une illustration des Jeux d’Athènes. Ces derniers sont évoqués à travers la présentation des vases panathénaïques que le musée conserve. Ces amphores remplies d’huile provenant des oliviers sacrés d’Athéna étaient jadis remises aux vainqueurs. Elles sont ornées de scènes illustrant certaines épreuves représentées sur l’une des faces, l’autre face présentant Athéna, la déesse tutélaire de la cité. Au fil du parcours, le visiteur est plongé dans l’atmosphère du Banquet annonçant la présence du dieu Dionysos et reconstitué pour proposer une expérience plus immersive ; puis dans celui du demi-dieu Héraclès, le héros favori des potiers d’Athènes. Un peu plus loin, le voici invité à la découverte d’autres thèmes (le quotidien des Grecs, la guerre…) développés à travers les scènes peintes sur les vases, dont l’étude est actuellement renouvelée par une équipe de chercheurs de l’Institut National de l’Histoire de l’Art (INHA) objectivant la réactualisation des connaissances que nous en avons. Les résultats de leurs travaux seront présentés à l’occasion d’une journée d’études prévue en octobre 2024 et nourriront le nouveau catalogue en projet." (NDM)

Exposition du 15 juin au 29 décembre 2024.

**** GERARD DUCHENE : "L'appel du large".

" « Comme une trace de la présence de l’absence1 »

Depuis sa participation à des collectifs d’artistes tels que TEXTRUCTION jusqu’à ses dernières séries d’œuvres, l'exposition « L'Appel du large » revient sur les rencontres qui ont façonné l’artiste. Au travers de pièces rares ou inédites issues du fonds d’atelier et d’œuvres de collections privées et publiques régionales, elle révèle le lien intime entre le poète et le peintre, transformant les mots et les textes en matière picturale par des gestes de destruction et d’effacement.Commissariat de David Ritzinger, commissaire d’exposition indépendant et ancien assistant de l’artiste, en partenariat avec les équipes du musée." (NDM)

Exposition du 17 février au 13 octobre 2024

**** ERIC DOUÉ ET STÉPHANE CÉRUTTI : "Terre en marche et tourne bois"

VOIR AUSSI : 

CERUTTI STEPHANE : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "STEPHANE CERUTTI OU LE REVE D'ICARE" : N° 72 Tome 2 DU BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA. Et ART SINGULIER. ET FESTIVALS RETOUR SUR BANNE 2002. Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : FESTIVALS RETOUR SUR BANNE 2003

DOUE ERIC : TEXTES DE JEANINE RIVAIS : "Vivent les petits peuples de la terre" ou les P'tits cons d'Eric Doué. N° 63 d'octobre 1998 du BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA.

TEXTE DE JEANINE RIVAIS :  N° 71 de Janvier 2002, DU BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA, dans le cadre du Ve festival de Praz-sur-Arly. Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ FESTIVALS RETOUR SUR PRAZ-SYR-ARLY 2001 Et " ERIC DOUE ET LA SAGA DES P'TITS CONS" : Art singulier. Et TEXTE DE JEANINE RIVAIS : FESTIVALS RETOUR SUR BANNE 2003.

Vernissage le 5 mai de 15h à 18h.

Expositions du 5 mai au 30 juin 2024

**** M"AN JEANNE invite TIM

VOIR AUSSI : 

M'an Jeanne : TEXTE DE JEANINE RIVAIS 'HOMMAGE A M'AN JEANNE QUI AURAIT EU CENT ANS EN L'AN 2000" et TEXTE "LE MONDE FABULEUR DE M'AN JEANNE" : http://jeaninerivais.jimdo.com/

TIM : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "TIM, OMBRE ET LUMIERE" : Rubrique ART BRUT

Vernissage le 5 mai de 15h à 18h.

Expositions du 5 mai au 30 juin 2024