Visite du Musée + Exposition Trolls & Bestioles Best of

 

Cet été venez visiter la collection atypique du Musée d'Art Fantastique et découvrez également les nombreuses oeuvres réalisées dans le cadre des différentes éditions de l'exposition collective Trolls & Bestioles dans une édition estivale best-of. Un voyage fantasque au sein d'un univers étrange peuplé d'une faune magique et hors du commun. Un marché d'artistes sera organisé les dimanches 7 juillet et 1er septembre.

**** PIERRE DE PEET : 

"Pierre De Peet (1929-1999) est l’un des artistes phares des ateliers du Créahm Bruxelles, où il a œuvré pendant près de trente ans, d’août 1990 jusqu’à sa mort, survenue en novembre 2019. Issu d’un milieu relativement modeste, une grande fragilité psychique lui ferme très tôt les chemins de l’école. Il aide aux champs, comme il l’explique dans son autobiographie, puis rejoint son frère dans la boulangerie familiale, où il travaille comme ouvrier pendant plusieurs années. En 1988, il est accueilli dans le centre d’hébergement « Les Chataîgnes », à Woluwe-Saint-Pierre. Il y réside jusqu’à la fin de ses jours. En août 1990, à l’âge de 60 ans, il intègre les ateliers du Créahm. Il y développe peu à peu une œuvre plastique d’une bouleversante intensité, dessins, peintures et gravures. La sûreté parfaite du trait, l’intelligence des couleurs, le sens inné de la narration et une poétique incomparable de l’écart constituent les éléments principaux d’un langage pictural où l’expressionisme, en ses dimensions parfois les plus tragiques, ne cesse de dialoguer avec une manière de douceur et de tendresse à nulles autres pareilles. Pierre De Peet porte sur le monde un regard à la fois sans concession et d’une extrême bienveillance. Il feuillette magazines et livres d’art, constellations d’images, d’émotions et d’événements, la trame d’une chronique élective de la vie telle qu’elle va, pour le meilleur et parfois pour le pire, les gens et les corps comme saisis dans la nudité d’exister et qui renvoient, transparents, à nos propres douleurs et à nos propres espérances." (NDM)

" Lichen coloré, charpenterie espiègle, peinture rouge de Falun, sculptures et objets de design en cuir, verre et textile... Ces créations inspirées de la nature et des traditions suédoises autant que de regards et de technologies contemporaines, se mêlent à l’architecture 16e siècle de l’Institut suédois pour créer un macrocosme nordique intemporel.

L’exposition présente une vingtaine objets d’art et de design uniques crées par quatre artistes femmes renommées : Louise Hederström, Aia Jüdes, Malin Bobeck Tadaa et Hanna Hansdotter. Leurs œuvres, à la fois durables, riches et ludiques, se situent quelque part entre forêt enchantée et galaxie onirique. Elles mêlent des matériaux naturels insolites et des formes audacieuses : nœuds de bois, sculptures en lichen coloré et verre gonflé, textiles lumineux – tout cela avec des influences et des liens tant avec le baroque qu’avec le surréalisme.

Dans la cour, une installation pensée spécifiquement pour le lieu réinterprète le travail ancestral du bois et la peinture rouge de Falun. Ornant les maisons suédoises depuis des siècles, celle-ci est plus qu’une simple couleur, c’est un symbole de l’identité et de la culture suédoises. Outre son aspect esthétique et le statut social qu’il révélait, le rouge de Falun avait également des propriétés pratiques précieuses, car il permettait au bois des maisons de durer plus longtemps.

« Le design suédois est souvent associé à un style épuré, blond et minimaliste, mais historiquement, il existe aussi une autre facette plus flamboyante en Suède, car pendant plusieurs siècles, nous avons peint nos maisons en bois en rouge vif ! Nous nous appuyons sur cette tradition éclatante et en faisons ici une interprétation moderne et ludique. » – Aia Jüdes, curatrice et artiste

Pour l’occasion, la terrasse du café FIKA dépasse ses frontières habituelles et investit toute la cour. En son centre trône le Sommarkiosk, version contemporaine de la typique cabane rouge suédoise, qui devient à la fois lieu de ravitaillement et tendre souvenir de vacances. On savoure le temps long grâce à des horaires d’ouverture étirés, et on commande jusqu’au crépuscule mets, collations, apéros, et même recettes spéciales en résonance avec l’installation...

À propos des artistes présentées

Malin Bobeck Tadaa est une artiste textile primée installée à Stockholm. Avec sa méthode d’intégration de LED, de capteurs et d’électronique dans les textiles, elle crée des œuvres à la fois visuelles et tactiles qui invitent le visiteur à interagir avec elles. Dans l’exposition, elle présente des œuvres choisies de la série Andetag (« respiration »), sculptées à partir de textiles tissés sur mesure, illuminées de façon à illustrer le flux d’air à travers les poumons. L’animation invite le spectateur à unir sa respiration à celle de l’œuvre. Chaque pièce est synchronisée avec toutes les autres, créant un rythme global, rassemblant le monde en une respiration collective. Le rythme et le flux de la respiration sont créés à partir d’un échantillon de la respiration de l’artiste et changent lentement au fil du temps, selon un algorithme basé sur le mouvement du système solaire.

Hanna Hansdotter est artiste verrière. Que ce soit des lanternes opulentes, des œuvres en verre suspendues au mur ou une sculpture de cinq mètres de haut, l’art de Hanna Hansdotter renouvelle l’héritage de la tradition verrière suédoise. Ses œuvres sont souvent caractérisées par un style baroque punk, inspiré de l’architecture et de l’ornementation.

Aia Jüdes est curatrice et artiste. Son univers est un croisement ludique entre artisanat traditionnel et expressions innovantes. Elle présente des éléments de son projet The Return of the Burls (« Le retour des nœuds »), une série d’objets sculpturaux lumineux basés sur des vriles - des excroissances qui poussent sur certains arbres et qui, à travers un long processus, sont sculptées, poncées et polies à la main.

Louise Hederström est designer et travaille souvent avec des matériaux de récupération. Elle a utilisé du lichen provenant d’une entreprise suédoise qui fabrique des absorbeurs de son pour créer des sculptures et œuvres murales en lichen coloré. (NDLG)

 

Exposition du 5 au 15 septembre 2024.

**** IIIE EDITION DU FESTIVAL DES CABANES : 

**** Les six cabanes

Il Tiempetto, conçu par : ane architecture

7L, Cabane et Librairie, conçues par : Manuel Bouzas

Studiolo, conçu par : Campo & Diploma 20 Architectural Architectural Association

La Cahutte, conçue par : Huttopia

Fleximob, conçu par : LAMÉCOL

Le Forum des vestiges, conçu par : pratique architecture & fanum architecture

Tutto Sesto, conçu par : Aurel Design Urbain

 

A la villa Médicis se tient la troisième édition du Festival des Cabanes de la Villa Médicis, manifestation estivale qui transfome les jardins historiques de l'Académie de France à Rome en laboratoire d'expérimentation et de pratique architecturale. L'idée de cabane, qui donne son nom au Festival, est le point de départ d'un dialogue entre architectes, artistes, concepteurs et paysagistes autour de différentes préoccupations : comment proposer des formes architecturales non invasives ? Quelles solutions d'habitat durable pour demain ? 

Six cabanes éphémères en bois conçues par : ane architecture, Manuel Bouzas, Campo & Diploma 20 Archihtectural Association, Huttopia, LAMÉCOL et pratique architecture & fanum architecture

Six groupes ont été invités à investir les jardins historiques pour proposer des réponses aux formes multiples : une cabane perchée tutoie les pins parasols et invite à s'y réfugier pour lire, un pavillon d'inspiration classique romaine côtoie des vestiges antiques, un petit temple en hommage à Bramante entrelace bois et tissus, tandis qu'un studiolo renverse les codes du cabinet intimiste. Deux prototypes d'hbitat complètent l'ensemble : un habitat d'urgence qui se monte et se démonte en moins de 15 minutes, et un refuge autonome en énergie qui s'élève et dévoile de nouveaux points de vue. Deux des projets ont été sélectionnés en collaboration avec le Festival des cabanes des Sources du Lac d'Annecy, partenaire du Festival de la Villa Médicis. 

Une nouvelle expérience des jardins

Montées en quelques semaines, ces architectures éphémères rencontrent l'immuable tranquillité des jardins historiques. Conçues en bois ou avec des matériaux de réemploin certaines se fondent parfaitement dans la végétation là où d'autres déploient leurs coubres au-dessus des haies. La déambulation de cabane en cabane offre une nouvelle expérience des jardins de la Villa Médicis, tandis que les chaises longues, tables et bancs des collections françaises ermob disséminées dans les jardins sont autant d'invitations aux haltes contemplatives. 

Bâtie sur la Collis Hortulorum (« la colline des jardins »), la Villa Médicis est indissociable de ses jardins aménagés à la Renaissance qui ont inspiré de nombreux artistes tels que Jacopo Zucchi ou Diego Vélasquez. Son plan et son patrimoine arborescent sont les témoins de l'évolution historique de Rome et de sa silhouette : s'y trouvent notamment un échantillon remarquable d'agrumes inspirés des cultures de la Renaissance, des vignes et plantes historiques, ainsi que des pins parasols plantés en 1832 à l'initiative d'Ingres, alors directeur de l'Académie. 'NDM)

 

Exposition jusqu'au 29 septembre 2024.

**** LOUISE BOURGEOIS : "Unconscious memories"

 

"Figure artistique majeure du XXe siècle échappant à toute classification artistique,  Louise Bourgeois (1911, Paris - 2010, New York) a influencé de nombreux artistes avec une œuvre traversée par les thèmes de la mémoire, de l’enfance et de la métamorphose. Du 21 juin au 15 septembre à Rome, la Galerie Borghese lui consacre une exposition intitulée Louise Bourgeois. Unconscious memories, qui trouve son prolongement à la Villa Médicis avec l’installation, jusqu’au 5 septembre, de la pièce monumentale No Exit, spécialement présentée pour l’occasion dans les salons historiques. 

No Exit évoque la maison d’enfance où Louise Bourgeois avait l’habitude de se réfugier sous les escaliers pour espionner son père. L’escalier imaginé par l’artiste ne mène nulle part, il perd son aspect fonctionnel pour recouvrir une dimension presque spirituelle invitant à la réflexion et à l’introspection. Deux sphères en bois sont disposées de part et d’autre des marches, suggérant une forme phallique, tandis que deux cœurs en caoutchouc dissimulés sous l’escalier invoquent la place de l’amour dans les relations humaines.

L’installation No Exit (1989) entre en résonnance avec une autre œuvre de l’artiste franco-américaine exposée dans les salons historiques de la Villa Médicis, habitée par les réflexions sur le corps et la mémoire : la tapisserie Sainte Sébastienne (1997), appartenant aux collections du Mobilier national, en dépôt à la Villa Médicis depuis 2022. Cette tapisserie tissée par la Manufacture des Gobelins s’appuie sur une gravure en taille-douce réalisée par Louise Bourgeois en 1992. Elle met en scène une version féminine du martyr Saint Sébastien, représentée avec une grande économie de moyens : un corps aux courbes généreuses est criblé de flèches noires venant de toutes parts. Louise Bourgeois détourne l’iconographie traditionnelle du martyr chrétien pour évoquer ses souffrances personnelles. « Sainte Sébastienne est un autoportrait » déclarait-elle. 

Les deux œuvres de Louise Bourgeois sont présentées dans le Salon de lecture. Ce salon réaménagé en 2022 par Kim Jones et Silvia Venturini Fendi sera pour l’occasion exceptionnellement accessible au public." (NDM)

 

Exposition jusqu'au 15 septembre 2024

**** A PIU VOCI

 

"L’exposition se caractérise par la diversité des pratiques artistiques représentées, de la littérature à la création sonore en passant par la sculpture, la restauration du patrimoine, l’architecture, la photographie et la vidéo. Parmi la pluralité des projets émergent des thèmes récurrents : le monde végétal, le corps et ses transformations, les formes de résistance, la dialectique entre extérieur et intérieur, sans oublier la figure de Rome, ville réelle et fantasmée.

Durant leur année à Rome, les pensionnaires sont amenés à vivre la résidence comme un laboratoire d’expérimentation, offrant la possibilité de déployer des recherches au long cours, d’emprunter des voies nouvelles, de se laisser surprendre et entraîner par ce que produit la rencontre avec d’autres pratiques artistiques et d’autres géographies. L’exposition est le prolongement de cette expérience. Elle est aussi l’occasion d’interroger la mise en forme de projets qui échappent aux catégories conventionnelles d’exposition. Comment matérialiser une recherche en cours ? Comment articuler arts plastiques et arts vivants ? 

Dans le cadre de l’exposition, un programme de médiation multilingue est proposé en collaboration avec la NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, réalisé par les étudiants du Biennio Specialistico en arts visuels et études curatoriales et du MA Visual Arts and Curatorial Studies du campus de Rome.

**** RAOUL DUFY : Manifesto Expo : "Colourful symphony. Masterpieces from Edmond Henrard Collection"

 

"Passionné par l’œuvre de Raoul Dufy depuis plus de quarante ans, Edmond Henrard a constitué une collection désormais représentative de l’art de cet artiste phare du XXe siècle. Régulièrement enrichie de pièces nouvelles, la collection Henrard a déjà été exposée dans divers musées en France, aux Etats-Unis et au Japon.

 

Le commissaire de l’exposition, Eric Blanchegorge, actuellement directeur des Musées de Troyes, explore ici l’influence de la musique et de la mode sur les œuvres de Raoul Dufy, au début du XXe siècle. Une période dynamique où les domaines du design, de l’art et de la musique fusionnent pour la création d’une œuvre totale.

Imaginée en plusieurs chapitres, l’exposition présente la carrière composite de l’artiste à travers peintures, dessins et aquarelles inspirés de ses thèmes de prédilection : les paysages, les courses hippiques, les régates et la vie parisienne. L’exposition comprend aussi une importante sélection de pièces textiles (vêtements et accessoires) réalisées par Dufy pour - entres autres - le créateur français Paul Poiret, qui a révolutionné la scène de la haute couture à cette époque, et l’historique manufacture lyonnaise de soierie Bianchini-Férier.

Enfin, un chapitre est dédié aux « Grands Décors » qui présente un ensemble de dix lithographies originales gravées par Charles Sorlier, tirées de la fresque La Fée Electricité, complétée par l’artiste pour le Pavillon de l’Electricité et de la Lumière dans le cadre de l’Exposition internationale de 1937 à Paris, aujourd’hui conservée au Musée d’Art Moderne de Paris." (NDM)