**** YLVA SNÖFRID » : « Cosmos et Vanitas »

l'Institut Suédois présente l'exposition Cosmos et Vanitas, entrelacement pictural et métaphysique de cosmos, d'art et de vie par Ylva Snöfrid. Ylva Snöfrid est l’une des artistes suédoises les plus remarquées de sa génération. Elle développe depuis plus de trente ans une œuvre cohérente autour de la peinture figurative et d’objets sculpturaux, qu’elle utilise dans la scénographie de ses performances. Elle a présenté des expositions, rituels et performances dans des galeries et institutions de premier plan en Europe, aux États-Unis et en Asie. Cosmos et Vanitas est sa première exposition personnelle à Paris.

Enfant, Ylva (née Ogland) partagait sa vie avec Snöfrid, son double miroir. Devenue artiste, elle l’a introduite dans la réalité par des rituels et des cérémonies, des objets et des publications, de la nourriture et des élixirs, en la peignant encore et encore et encore et encore… Jusqu’à ce qu’elles finissent par ne faire plus qu’une. Le rituel de transmutation a eu lieu dans le cadre de l’exposition Retour sur Mulholland Drive, commissariée par Nicolas Bourriaud à La Panacée, à Montpellier en 2017. C’est à ce moment-là que l’artiste devient Ylva Snöfrid (snö signifiant « neige » et frid, « paix »).

« Pour Ylva Snöfrid, la vie quotidienne et la création artistique ne sont pas deux domaines distincts, mais cohabitent et dépendent l’une de l’autre. » – Sara Arrhenius, directrice de l’Institut suédois et commissaire de l’exposition. 

Cette approche intégrée de l’art et de la vie prend toute son ampleur dans l’œuvre holistique The Painter’s Studio in the Shadow World, créée entre 2016 et 2021 à Athènes. Cet espace de vie se composait de plus de 100 peintures, divers objets, une école à domicile, des dessins, des meubles, parmi lesquels Ylva, son mari et ses enfants mangeaient, dormaient, évoluaient.

« Je pense que rien n’est nécessaire si ce n’est pas de l’art ; j’essaie de tout transformer en art – les reçus, la famille, l’économie – tout doit faire partie de mon art.» – Ylva Snöfrid.

L’exposition Cosmos et Vanitas s’inscrit dans une réflexion philosophique et existentielle autour de l’univers et de la place de l’être humain en son sein. Elle présente notamment un journal de bord tenu par l’artiste entre le solstice d’hiver 2020 et le solstice d’hiver 2023, entremêlant pensées, réflexions, connaissances scientifiques, vie quotidienne, rêves. 1 200 dessins sont ainsi répartis en trois volumes consacrés respectivement à la naissance, la vie et la mort. 

L’exposition comprend aussi 24 peintures à l’huile – une pour chaque heure de la journée – résultant de deux voyages à Jungfraujoch, dans les Alpes suisses, où se trouve la station de recherche la plus élevée d’Europe et la plus haute au monde accessible en train. Ylva a choisi cet endroit comme lieu de pèlerinage métaphysique, entre masse et atmosphère, dans l’idée d’accomplir deux rituels : celui de peindre dans un premier temps, puis d’exposer ses peintures à l’univers. « Cela a été à la fois une fin et le début d’une nouvelle étape dans mon art. Connecter le Cosmos avec la Vanité, la Terre avec l’Espace, l’atmosphère avec la masse, le petit avec le grand. », raconte-t-elle. Atteinte d’un mal des montagnes aigu, elle a produit des oeuvres qui rendent compte de ses visions et hallucinations. « L’atmosphère devenait de plus en plus vibrante, presque rampante, comme des millions de serpents parmi les étoiles, et les étoiles ont disparu et je ne voyais plus que la texture mouvante de l’atmosphère et la masse des montagnes. »

L’exposition est complétée par des espaces d’échanges avec le public, des rituels, performances et une série de rencontres, notamment avec le commissaire d’exposition, historien de l’art et critique d’art Nicolas Bourriaud, et avec l’écrivaine Marie Darrieussecq. L’exposition est curatée par Sara Arrhenius, directrice de l’Institut suédois. (NDM)

Exposition du 15 octobre 2024 au 23 février 2025

**** « FIGURATION NARRATIVE , un autre langage pop »

Exposition du 13 septembre au 15 décembre 2024

**** A PIU VOCI

"L’exposition se caractérise par la diversité des pratiques artistiques représentées, de la littérature à la création sonore en passant par la sculpture, la restauration du patrimoine, l’architecture, la photographie et la vidéo. Parmi la pluralité des projets émergent des thèmes récurrents : le monde végétal, le corps et ses transformations, les formes de résistance, la dialectique entre extérieur et intérieur, sans oublier la figure de Rome, ville réelle et fantasmée.

Durant leur année à Rome, les pensionnaires sont amenés à vivre la résidence comme un laboratoire d’expérimentation, offrant la possibilité de déployer des recherches au long cours, d’emprunter des voies nouvelles, de se laisser surprendre et entraîner par ce que produit la rencontre avec d’autres pratiques artistiques et d’autres géographies. L’exposition est le prolongement de cette expérience. Elle est aussi l’occasion d’interroger la mise en forme de projets qui échappent aux catégories conventionnelles d’exposition. Comment matérialiser une recherche en cours ? Comment articuler arts plastiques et arts vivants ? 

Dans le cadre de l’exposition, un programme de médiation multilingue est proposé en collaboration avec la NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, réalisé par les étudiants du Biennio Specialistico en arts visuels et études curatoriales et du MA Visual Arts and Curatorial Studies du campus de Rome.

**** Monira Al Qadiri, Mounir Ayache, Younes Ben Slimane, Alix Boillot, Bianca Bondi, Hera Büyüktaşcıyan, Madison Bycroft, Alex Cecchetti, Gaëlle Choisne, Jumana Emil Abboud, Klodin Erb, Simone Fattal, Rose-Lynn Fisher, Estrid Lutz, Yiannis Maniatakos, Lou Masduraud, Raffaela Naldi Rossano, Dala Nasser, Valentin Noujaïm, Ariana Papademetropoulos, Laure Prouvost, Pamela Rosenkranz, LaToya Ruby Frazier, Bassem Saad, Chiyuki Sakagami, Himali Singh Soin, Emilija Škarnulytė, Aïcha Snoussi, Kusukazu Uraguchi.

" Après l’exposition « Histoires de pierres » présentée en 2023, la Villa Médicis poursuit son exploration des éléments avec l’exposition « Le chant des sirènes. L’eau racontée par les artistes. Depuis Rome, où l’eau semble éternelle, l’exposition rassemble les œuvres de près de 30 artistes contemporains internationaux, dont 10 pièces commissionnées spécialement pour l’occasion.

Sur terre et dans l’atmosphère, à la fois élément et ressource, l’eau nous constitue et déborde le monde. Protéiforme – pluies, mers, perles, rosée, ruisseaux, nuages, brouillard et larmes –, elle est la source essentielle de toute vie. Aujourd’hui détournée, puisée et polluée, l’eau est devenue un enjeu vital de la crise écologique en cours. Mais si l’eau fait l’objet d’une conquête, les abysses restent encore aujourd’hui plus mystérieux que la Lune, territoires rêvés, peuplés de monstres fantastiques.

L’exposition suit le cycle de l’eau, des civilisations englouties aux pratiques rituelles en passant par les eaux troubles des routes commerciales. La figure hybride de la sirène, tour à tour maléfique et protectrice, moitié femme, moitié animal, joue le rôle de guide pour naviguer entre ces mondes, des profondeurs à la surface. Son ambivalence résonne avec celle de l’eau, espace de métamorphoses, entre eaux de jouvence et eaux funestes. 

L’exposition invite à traverser les différents états de l’eau par le regard des artistes, de sa représentation à ses enjeux politiques, du bien transformé en ressource à la quête métaphorique de sa source. La plongée dans ce monde liquide ouvre un univers de contradictions à l’heure où les récits sur les origines de l’eau se mêlent à ceux qui conjurent les temps futurs où elle menace par son déluge et son manque, et où le niveau des mers monte en même temps que les rivières s’assèchent.

L’eau est en crise, nous rappellent les artistes qui naviguent depuis les eaux polluées des villes jusqu’aux détroits des espaces naturels, sonnant le glas, tacitement ou non, de son utilisation déraisonnée et engageant une conversation critique sur notre responsabilité collective à sa préservation. Reprendre du terrain, ruisseler et reconvoquer les propriétés magiques de l’eau pour penser notre monde, tel est le fil qu’invite à suivre « Le chant des sirènes. L'eau racontée par les artistes ».(NDM)

Exposition du 4 octobre 2024 au 13 janvier 2025

**** Monira Al Qadiri, Mounir Ayache, Younes Ben Slimane, Alix Boillot, Bianca Bondi, Hera Büyüktaşcıyan, Madison Bycroft, Alex Cecchetti, Gaëlle Choisne, Jumana Emil Abboud, Klodin Erb, Simone Fattal, Rose-Lynn Fisher, Estrid Lutz, Yiannis Maniatakos, Lou Masduraud, Raffaela Naldi Rossano, Dala Nasser, Valentin Noujaïm, Ariana Papademetropoulos, Laure Prouvost, Pamela Rosenkranz, LaToya Ruby Frazier, Bassem Saad, Chiyuki Sakagami, Himali Singh Soin, Emilija Škarnulytė, Aïcha Snoussi, Kusukazu Uraguchi.LE CHANT DES SIRENES. L’EAU RACONTEE PAR LES ARTISTES

Après l’exposition « Histoires de pierres » présentée en 2023, la Villa Médicis poursuit son exploration des éléments avec l’exposition « Le chant des sirènes. L’eau racontée par les artistes », jusqu'au 13 janvier 2025. Depuis Rome, où l’eau semble éternelle, l’exposition rassemble les œuvres de près de 30 artistes contemporains internationaux, dont 10 pièces commissionnées spécialement pour l’occasion.

Sur terre et dans l’atmosphère, à la fois élément et ressource, l’eau nous constitue et déborde le monde. Protéiforme – pluies, mers, perles, rosée, ruisseaux, nuages, brouillard et larmes –, elle est la source essentielle de toute vie. Aujourd’hui détournée, puisée et polluée, l’eau est devenue un enjeu vital de la crise écologique en cours. Mais si l’eau fait l’objet d’une conquête, les abysses restent encore aujourd’hui plus mystérieux que la Lune, territoires rêvés, peuplés de monstres fantastiques.

L’exposition suit le cycle de l’eau, des civilisations englouties aux pratiques rituelles en passant par les eaux troubles des routes commerciales. La figure hybride de la sirène, tour à tour maléfique et protectrice, moitié femme, moitié animal, joue le rôle de guide pour naviguer entre ces mondes, des profondeurs à la surface. Son ambivalence résonne avec celle de l’eau, espace de métamorphoses, entre eaux de jouvence et eaux funestes. 

L’exposition invite à traverser les différents états de l’eau par le regard des artistes, de sa représentation à ses enjeux politiques, du bien transformé en ressource à la quête métaphorique de sa source. La plongée dans ce monde liquide ouvre un univers de contradictions à l’heure où les récits sur les origines de l’eau se mêlent à ceux qui conjurent les temps futurs où elle menace par son déluge et son manque, et où le niveau des mers monte en même temps que les rivières s’assèchent.

L’eau est en crise, nous rappellent les artistes qui naviguent depuis les eaux polluées des villes jusqu’aux détroits des espaces naturels, sonnant le glas, tacitement ou non, de son utilisation déraisonnée et engageant une conversation critique sur notre responsabilité collective à sa préservation. Reprendre du terrain, ruisseler et reconvoquer les propriétés magiques de l’eau pour penser notre monde, tel est le fil qu’invite à suivre « Le chant des sirènes. L'eau racontée par les artistes ».

**** RAOUL DUFY : Manifesto Expo : "Colourful symphony. Masterpieces from Edmond Henrard Collection"

"Passionné par l’œuvre de Raoul Dufy depuis plus de quarante ans, Edmond Henrard a constitué une collection désormais représentative de l’art de cet artiste phare du XXe siècle. Régulièrement enrichie de pièces nouvelles, la collection Henrard a déjà été exposée dans divers musées en France, aux Etats-Unis et au Japon.

Le commissaire de l’exposition, Eric Blanchegorge, actuellement directeur des Musées de Troyes, explore ici l’influence de la musique et de la mode sur les œuvres de Raoul Dufy, au début du XXe siècle. Une période dynamique où les domaines du design, de l’art et de la musique fusionnent pour la création d’une œuvre totale.

Imaginée en plusieurs chapitres, l’exposition présente la carrière composite de l’artiste à travers peintures, dessins et aquarelles inspirés de ses thèmes de prédilection : les paysages, les courses hippiques, les régates et la vie parisienne. L’exposition comprend aussi une importante sélection de pièces textiles (vêtements et accessoires) réalisées par Dufy pour - entres autres - le créateur français Paul Poiret, qui a révolutionné la scène de la haute couture à cette époque, et l’historique manufacture lyonnaise de soierie Bianchini-Férier.

Enfin, un chapitre est dédié aux « Grands Décors » qui présente un ensemble de dix lithographies originales gravées par Charles Sorlier, tirées de la fresque La Fée Electricité, complétée par l’artiste pour le Pavillon de l’Electricité et de la Lumière dans le cadre de l’Exposition internationale de 1937 à Paris, aujourd’hui conservée au Musée d’Art Moderne de Paris." (NDM)