ABU DHABI : 

MUSEE DU LOUVRE : 

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AIGLE (Suisse)

CHATEAU D'AIGLE. MUSEE DE LA VIGNE ET DU VIN : Place du Château , 1860 Aigle. Tél. +41 (0)24 466 21 30.

Janvier à mars, novembre & décembre : Mardi/Dimanche, 10h/16h // Avril à juin, septembre & octobre : Mardi/Dimanche, 10h/18h // Juillet & Août : TLJ. : 10h/18h

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AMSTERDAM :

EYE : IJ promenade 1, 1031 KT Amsterdam, the Netherlands (street address) P.O. Box 37767, 1030 BJ Amsterdam, the Netherlands (postal address). Tél : 31 (0) 20 5891 1400. TLJ. : 10h/18h.

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BARCELONE : 

FONDATION JUAN MIRO : 

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BARCELONE (Espagne) :

MUSEU NACIONAL D'ART DE CATALUNYA : Parc de Montjuic, Barcelone. Tél : 34 936220360.

BERRIEDALE TASMANIE (Australie) : 

 

WHAT      The Museum of Everything

WHERE     Museum of Old and New Art [MAP] 

                           655 Main Rd, Berriedale 

                           Tasmania 7011, Australia

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BILBAO (Espagne) :

MUSEE GUGGENHEIM BILBAO : Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao Teléfono: 944 35 90 00 Email: informacion@guggenheim-bilbao.es

**** SOTO : "The fourth dimension"

Organisée par le Musée Guggenheim Bilbao en collaboration avec l’Atelier Soto de Paris. L’exposition rassemble plus de 60 œuvres, dont plusieurs sculptures participatives de grand format que l’artiste vénézuélien a dénommées Pénétrables et qui constituent l’une de ses contributions les plus importantes et iconiques à l’histoire récente de l’art. Elle présente par ailleurs un nombre important de tableaux et de pièces murales historiques qui nous permettent de comprendre le rôle fondamental joué par Soto dans l’évolution de l’art cinétique du début des années cinquante à la fin des années soixante, et nous donnent l’occasion d’apprécier le développement du travail de l’artiste jusqu’à la première décennie du XXIe siècle. L’exposition comprend également des éléments représentant les grandes séries conçues par l’artiste, telles que ses Volumes virtuels – œuvres verticales évoquant de grandes figures géométriques suspendues en l’air –, Extensions – pièces posées au sol d’où émerge une masse chromatique parfois opaque et parfois aussi subtile qu’un halo, et Progressions – objets dont les formes aériennes jaillissent autant du sol que du plafond pour se rejoindre dans ce qui s’apparente à une séquence cinétique ou à un jeu de tensions interrompu. À toutes les œuvres rassemblées à l’intérieur vient s’ajouter, dans l’un des espaces extérieurs du musée, l’installation de la spectaculaire Sphère Lutétia (1996), qui sera présentée à côté de l’étang du musée pendant les quatre mois de l’exposition, ou presque. Jesús Soto a joué un rôle fondamental dans la redéfinition de la portée et de la fonction sociale de l’œuvre d’art pendant ses cinquante ans de carrière. Rompant avec la séparation conventionnelle entre peinture et sculpture dans les années 1950, la pratique de Soto va progressivement évoluer au-delà du visuel et exercer une fonction majeure dans le virage radical opéré par l’objet artistique les années suivantes. Ainsi, après la recherche optique de ses débuts, il entre dans le premier groupe d’artistes cinétiques de Paris —aux côtés de Jean Tinguely, Iacov Agam et Victor Vasarely— et s’associe également à d’importants groupes internationaux tels que Zero et au cercle de la galerie Signals de Londres. À compter de 1967, Soto commence à développer la série des Pénétrables – constituée de grandes structures cubiques en filaments de plastique ou de métal suspendus – sur laquelle il ne cessera jamais de travailler. Parallèlement, il continue à produire des séries picturales et architecturales dont le potentiel participatif se développe sans faire entrer complètement le spectateur dans l’œuvre, mais en nécessitant cependant toujours sa participation et les mouvements de celui-ci. Jusqu’à sa mort, survenue en 2005, Soto continue d’honorer des commandes d’envergure pour des espaces publics et des institutions. Plusieurs musées – le Stedelijk d’Amsterdam en 1967, le Solomon R. Guggenheim de New York en 1974, le Palacio de Velázquez de Madrid en 1982 et le Jeu de Paume de Paris en 1997 —lui consacreront d’importantes expositions rétrospectives et anthologiques. Appréhendant l’expérience en termes de temporalité, d’intensité et de participation du spectateur, l’exposition Soto. La quatrième dimension offre la rare occasion de réexaminer la trajectoire visionnaire et transformatrice de l’artiste. L’idée d’une « quatrième dimension » évoque l’unité d’espace et de durée, la forme plastique et l’expérience dans le temps. C’est l’un des concepts fondamentaux que la période de spiritualité presque utopique de l’avant-garde a légué aux artistes du milieu du XXe siècle. Pour Soto, l’artiste doit travailler dans un domaine de recherche commun avec la science et la philosophie. Du point de vue de l’expérience esthétique, la quatrième dimension se fraye un chemin dans toutes les œuvres abstraites et dynamiques de Soto et se manifeste de façon superlative dans ses iconiques Pénétrables. Avec eux, Soto anticipe les nouvelles orientations contextuelles et relationnelles que prendra l’œuvre d’art contemporaine à partir des années 1970. Pour l’artiste, « dans les Pénétrables, le spectateur avance au milieu de fils verticaux ou de tiges qui emplissent tout l’espace disponible et constituent l’œuvre en soi. Dès lors, spectateur et œuvre sont physiquement et inextricablement entremêlés ». Outre les œuvres de Soto rassemblées dans l’exposition, le musée Guggenheim Bilbao présente un choix important d’éléments d’archives qui permettent de contextualiser et de comprendre la pratique de cet artiste vénézuélien qui a vécu en France et dont l’œuvre a connu un formidable essor en Europe au cours de ses cinquante ans de travail plastique. L’exposition Soto. La quatrième dimension est organisée par le Musée Guggenheim Bilbao en collaboration avec l’Atelier Soto de Paris. Elle a par ailleurs bénéficié de prêts importants de collections publiques et privées, venus d’Europe et des États-Unis." (NDM)

Exposition du 18 octobre 2019 au 9 février 2020.

 

****MASTERPIECES OF THE KUNSTHALLE BREMEN

FROM DELACROIX TO BECKMANN

- L’exposition révèle les liens étroits qui existent entre l’art allemand et l’art français du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècle, deux courants artistiques parallèles qui ont contribué à ouvrir la voie à l’art moderne. - Les chefs-d’œuvre que détient la Kunsthalle de Brême, et le discours historique qui sous-tend la collection, sont présentés dans un parcours qui va du néo-classicisme à l’expressionnisme allemand en passant par le romantisme, l’impressionnisme, le post-impressionnisme et la colonie d’artistes de Worpswede. - Le premier directeur scientifique de la Kunsthalle, Gustav Pauli, a rehaussé le profil de la collection avec une politique d’achat basée sur le dialogue dynamique entre l’art français et l’art allemand, et construit une histoire de chefs de file et d’acolytes, de concurrence et de solidarité, d’admiration et de rébellion et, en dernier ressort, une identité propre au Musée. - L’achat de Champ de coquelicots (1889) de Van Gogh par la Kunsthalle de Brême divise à l’époque les critiques et les artistes allemands en deux factions : tandis que l’une considère que l’admiration de l’avant-garde française en Allemagne constitue une attaque à son identité artistique nationale, pour l’autre la question nationale est secondaire, puisque ce qui l’intéresse dans l’art est justement sa capacité à transcender les frontières." (NDM)

Exposition jusqu'au 16 février 2020.

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BRUXELLES (Belgique) : 

MUSEE D'ART FANTASTIQUE : 7 rue Américaine, 1060 Bruxelles. 14h à 17h (fermé lundi et mardi).  Lien : Labyrinthe de Jules Verne

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BRUXELLES (Belgique)

KARL WALDMANN MUSEUM : 108 Chemin de Charleroi, 1060 Bruxelles. Tél : 00.32.2.538.41.08.

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DAKAR (Afrique)

INSTITUT FRANÇAIS DE DAKAR: Yataal Art

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GENEVE :

ONU PALAIS DES NATIONS : Bâtiment E Porte 40 Mezzanine 2e étage.

(et Galerie Jacob Paris)

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HAARLEM (Pays-Bas) :

FRANS HALS MUSEUM : Groot Heiligland 62, Haarlem. Téléphone 00 31 [0]23 511 57 75. Mardi/Samedi : 11h/17h.

Dimanche et jours fériés : 12h/ 17h.

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FRANCFORT-SUR-LE-MAIN :

MMK MUSEUM FÜR MODERN KUNST : Domstraße 10, 60311 Frankfurt am Main, Allemagne. Tél : +49 69 21230447. TLJ. : 10h/18h.

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GENEVE (Suisse) :

PALAIS DES NATIONS : Mezzanine, Bâtiment E, Porte 10 : 8/14 Avenue de la Paix, Genève 10.

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LA HAYE  (Pays-Bas) : 

GEMEENTEMUSEUM Stadhouderslaan 41, 2517 HV La Haye, Pays-Bas

+31 70 338 1111

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LAUSANNE :

COLLECTION D'ART BRUT : Avenue Bergières 11, 1004 Lausanne, Suisse. Tél : +41 21 315 25 70.

Mardi/Dimanche : 11h/18h, y compris les jours fériés, ainsi que les lundis de Pâques, de Pentecôte et du Jeûne.

Fermé le 25 décembre, ainsi que le 1er janvier. / Les 24 et 31 décembre ouvert de 11h à 17h / Ouvert le lundi en juillet et août. / Premier samedi du mois, entrée gratuite.

**** 4e BIENNALE D'ART BRUT : Théâtres.

" La IVe biennale de l’Art Brut invite le public à poursuivre sa découverte des riches fonds du musée lausannois en révélant la présence du théâtre dans l’Art Brut. Les œuvres des vingthuit auteurs sélectionnés sont aussi bien des costumes, sculptures, dessins, peintures, photographies ou découpages. Elles décrivent des univers théâtraux, qui peuvent être parfois formels, comme chez Victorien Sardou, mais aussi contextuels, comme dans le cas d’Helga Goetze. La documentation tirée des fonds d’archives de la Collection de l’Art Brut – films, son et images – offre une dimension supplémentaire aux œuvres choisies et favorise la compréhension du mode de création des travaux exposés. Les auteurs présentés dans cette exposition s’approprient les codes du théâtre dans l’intention de construire un projet dont ils sont les premiers bénéficiaires. Pour cela, certains s’aventurent à l’extérieur, se confrontant à des passants intrigués ou indifférents, et se lancent dans des « performances » intuitives. Giovanni Battista Podestà, Vahan Poladian, Dunya Hirschter ou encore Martial Richoz mêlent espace théâtral et espace public. Ils utilisent leur propre corps comme outil d’expression et se parent de tenues et d’accessoires fabriqués par leurs soins. Lors de leurs mises en scène, ils se donnent le droit d’être dans la lumière et revendiquent une part de leur vie dont ils ont été privés par l’enfermement, l’emprisonnement ou la stigmatisation. Cette quatrième édition des biennales permet aussi d’appréhender certains auteurs déjà bien connus du public, tels qu’Aloïse Corbaz, Adolf Wölfli ou Eugen Gabritschevsky, à travers une approche inédite. Auteurs et metteurs en scène de leurs univers, ces créateurs définissent le contexte, les personnages, les caractères, les mouvements, le décor, la lumière et le jeu théâtral dans leurs œuvres. De manière plus explicite, leurs dessins ou peintures contiennent salles de théâtre, scène, rideaux, loges ou gradins. Si le théâtre est présent dans l’Art Brut par de multiples facettes, comme le montrent les œuvres de cette exposition, la pratique artistique des auteurs d’Art Brut se confond avec leur quotidien. Aloïse Corbaz vit aux côtés des protagonistes imaginaires de ses dessins ; Guy Brunet considère ses figures en carton comme ses propres enfants et ne peut s’imaginer en être séparé ; Morton Bartlett crée une famille fantasmée sous la forme d’un théâtre de marionnettes intime qu’il protège farouchement des intrus." (NDM)

Exposition du 29 novembre 2019 au 26 avril 2020.

 

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LIEGE(Belgique)  : 

CREAHM : Quai St Léonard 6, 4000 Liège. Tél :  : +32 4 227 01 55

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LISBONNE (Portugal) : 

CALOUSTE GULBENKIAN MUSEUM : Musée islamique : Bâtiment principal, galerie principale : Avenue de Berna, 45A, Lisbonne. Lundi, Mercredi, Jeudi, Samedi, Dimanche : 10h/18h. // Vendredi : 10h/21h. Fermé le mardi. 

50e ANNIVERSAIRE DU MUSEE.

**** ART ON DISPLAY 1949-69.

Exposition du 8 novembre 2019 au 2 Mars 2020.

 

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LIVERPOOL : 

TATE LIVERPOOL : Albert Dock, Liverpool L3 4BB, Royaume Uni. Tél : +44 151 702 7400. Lundi/Dimanche : 10h/17h50.

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LONDRES (Royaume Uni) :

NATIONAL GALLERY : Trafalgar Square, Londres WC2, Angleterre, Tél : 442077472885

Horaires et ouverture : Ouverture : 10h - 18h (21h le vendredi)

Aile Sainsbury. Entrée payante

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LONDRES (Angleterre) :

ROYAL ACADEMY OF ARTS : Burlington House, Picadilly, Londres W1J OBD ; Tél. +44 20 7300 8000 ou www.royalacademy.org.uk. Galeries Sackler

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LONDRES (Angleterre)

TATE BRITAIN : Adresse : Millbank, London SW1P 4RG, Royaume-Uni. Téléphone :+44 20 7887 8888

Horaires d'ouverture :10h/18h.

**** WILLIAM BLAKE (1757-1827).

" Peintre, graveur et poète visionnaire, William Blake (1757 – 1827) créa parmi les œuvres les plus emblématiques de l'histoire de l'art britannique et il reste aujourd’hui encore une source d'inspiration pour de très nombreux artistes, écrivains, interprètes et musiciens du monde entier. L’exposition que présente à l’automne 2019 la Tate Britain est la première de cette ampleur en Grande-Bretagne depuis une génération, elle réunira une sélection d’environ 300 œuvres majeures, pour certaines rarement exposées, permettant de mettre en lumière l’importance de Blake au 21ème siècle. L’exposition de la Tate Britain revisitera l’art de Blake tel qu’il souhaitait qu’il soit présenté au public. L’œuvre de Blake fut le fruit d’une époque de grands bouleversements, de révolutions, de guerres ainsi que de son engagement progressiste, creuset de son imagination si personnelle. Cependant il eut à lutter toute sa vie pour être compris et reconnu. Aujourd’hui célébré en tant que poète, Blake avait aussi de très grandes ambitions en tant que peintre, souhaitant notamment réaliser des fresques de très grandes dimensions qui ne purent jamais voir le jour. Pour la première fois, deux de ses œuvres emblématiques The Spiritual Form of Nelson Guiding Leviathan (c.1805-9) et The Spiritual Form of Pitt Guiding Behemoth (c.1805) seront ainsi agrandies numériquement et projetées sur les murs de la Tate Britain à l'échelle monumentale qu’il avait souhaité. Les œuvres originales seront présentées non loin de là dans le cadre d'une reconstitution de l’exposition de 1809 qui représente l’unique et infructueuse tentative de Blake en vue d’obtenir une reconnaissance publique en tant que peintre. À cet égard, la Tate Britain recréera la pièce domestique au-dessus de la boutique de bonneterie familiale dans laquelle l’exposition se déroulera, permettant ainsi aux visiteurs de 2019 de voir ces œuvres dans des mêmes conditions que ceux de 1809. L'exposition présentera également un recadrage biographique sur la vie et de l'œuvre de Blake. L'accent sera mis sur Londres, sa ville natale, où il vécut la majeure partie de son existence. Cette métropole en plein essor fut une source d'inspiration constante pour Blake, lui offrant un environnement dans lequel dures réalités quotidiennes et imagination pure s’enchevêtraient. Sa liberté de création dépendait également du soutien indéfectible de ses proches, de ses amis, de sa famille et de ses mécènes. L’exposition mettra particulièrement en lumière le rôle essentiel que joua son épouse Catherine à la fois en tant qu’assistante mais aussi dans la production directe de ses gravures et de ses livres enluminés. L'exposition présentera ainsi une série d'illustrations du Pilgrim's Progress (1824-27) et un exemplaire de son ouvrage The complaint, and the consolation Night Thoughts (1797) dont la coloration est aujourd’hui attribuée à la main de Catherine. Blake fut un ardent défenseur du rôle fondamental de l'art dans la société et de l'importance de la liberté artistique. Marquées par ses engagements personnels dans une période de terreur et d'oppression politique, son innovation technique et ses luttes politiques, ses convictions inspirèrent les générations suivantes et gardent toute leur valeur aujourd'hui. À cet égard, l'exposition de la Tate Britain débutera avec Albion Rose (v.1793), une exubérante interprétation du mythe de la fondation de la Grande-Bretagne, créée en réponse au mercantilisme, à l'austérité et au populisme de son époque. Une section de l'exposition sera également consacrée à ses livres enluminés dont Songs of Innocence and of Experience (1794), son œuvre maitresse de poète engagé. (NDM)

Exposition du 11 septembre 2018 au 2 février 2020.

**** LYNETTE YIADOM BOAKYE : Peintures.

Exposition du 19 mai au 31 août 2020.

 

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LONDRES :

TATE MODERN : Bankside, Londres, SE1 9TG. TLJ : 10h/18het jusqu’à 22h les vendredis et samedis. Tél : 44(0)20 7887 888. Site : www.tate.org.uk

**** NAM JUNE PAIK : installations

Exposition du 17 octobre 2019 au 9 février 2020

 

**** DORA MAAR : Photographies et photomontages.

Exposition du 20 novembre 2019 au 15 mars 2020.

 

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LIVERPOOL : 

TATE LIVERPOOL : Albert Dock, Liverpool L3 4BB, Royaume-Uni. Téléphone : +44 151 702 7400. TLJ. : 10h/18h

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MARCHIN : 

CREAHM : CENTRE CULTUREL DE MARCHIN: place de Grand-Marchin, 4 Marchin : Vendredis, samedis et dimanches, de 14h à 17h ou sur rdv.

**** Géraldine Beaupère, Alexandre Bernardi, Laura Body, Sylvie Canonne, Samuel Cariaux, Brigitte Corbisier, Nicole Daiwaille, Emilie Danchin, Laurent Danloy, Eric Deprez, Héléna Devos, Liliane Labuchère, Patricia Lambinet, Sophie Langhor, Alain Meert, Benjamin Monti, Rémi Muller, Guillaume Paps, Michel Petiniot, Pascale Rouffart, Pascal Tassini, Blanche Wera, Marie Zolamian.

"Exposition qui fait suite à la rencontre entre 2 équipages : les musiciens et chanteurs du groupe Icare et les artistes plasticiens du Créahm, invités à illustrer le premier album du groupe.

Les uns vont sélectionner des oeuvres qui font écho à leur musique, à leurs chansons, les autres vont créer des images originales en relation directe avec la musique entendue, avec les textes des chansons, sur des thématiques qui évoquent Icare, les rêves et leurs limites.

Des artistes contemporains s'associent à cette rencontre et apportent une vision complémentaire de l'envol dans une communion diversifiée de langages et d'expressions artistiques." (NDM)

: Vernissage le dimanche 26 janvier de 11h à 17h (+ dîner au « Bistro »)

Concert de "Icare": 16h

Exposition du 26 janvier au 16 février 2020. 

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MONACO :

GRIMALDI FORUM : 10, avenue Princesse Grace - MC 98000 Monaco. Tel : + 377 9999 3000. TLJ. : 10h/20h. Nocturne le jeudi jusqu’à 22h.

Visites commentées les jeudis et dimanches à 14h30 et 16h30.

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MONACO :

NOUVEAU MUSEE NATIONAL,VILLA PALOMA : Boulevard du Jardin exotique,98000 Monaco. Ouvert tous les jours en périodes d'exposition de 10h à 18h. Fermeture les 1er janvier, 1er mai, 4 jours du Grand Prix, 19 novembre et 25 décembre. 

**** VARIATIONS : LES DECORS LUMINEUX D'EUGENE FREY PAR JOAO MARIA GUSMAO

" L’exposition Variations est consacrée à l’art méconnu des Décors lumineux, une technique scénographique élaborée en 1900 dans la lignée des théâtres d’ombres et des représentations de lanternes magiques, et développée sur la scène de l’Opéra de MonteCarlo jusque dans les années 1930. Cette exposition proposée par Célia Bernasconi, Conservateur en chef du Nouveau Musée National de Monaco rassemble pour la première fois 300 œuvres sur papier et plus de 100 plaques de verre de l'artiste Eugène Frey (1864 - 1942), qui inventa un système complexe de projections lumineuses combinant techniques photographique, picturale et cinématographique, lui permettant de conférer aux décors de scène de multiples variations de couleurs, de lumières et de formes mais aussi d’y intégrer des images en mouvement. Plus qu'une monographie consacrée à l’inventeur des Décors lumineux, l'exposition entend révéler les interactions entre la technique développée par Frey pour la scène et les créations expérimentales de nombreux artistes, chorégraphes et réalisateurs, des premières années du XXe siècle jusqu’à nos jours. Elle présente ainsi des créations aussi diverses que les pièces d’ombres d’Henri Rivière et de Caran d’Ache pour le cabaret du Chat noir ; le théâtre mécanique de l’artisan Emmanuel Cottier ; le théâtre d’ombres de l’artiste Hans-Peter Feldmann et les performances de Lourdes Castro ; les films de silhouettes créés par Lotte Reiniger ou Michel Ocelot ; les expériences fantasmagoriques de Georges Méliès, Alexandre Alexeïeff et Claire Parker ou encore Jean Hugo ; les chorégraphies lumineuses de Loïe Fuller ; ainsi que les installations de lanternes magiques imaginées par les artistes João Maria Gusmão et Pedro Paiva. Pour cette redécouverte des Décors lumineux, qui contribuèrent à la renommée de l'Opéra de Monte-Carlo dans le premier quart du XXe siècle, Célia Bernasconi a souhaité associer à la perspective historique le regard contemporain de l’artiste João Maria Gusmão qui, au fil de son travail littéraire, plastique et filmique, a pensé et réinterprété différentes techniques de projections. En réponse à l’invitation du NMNM, João Maria Gusmão propose une production scénographique spécifique intitulée Traveling without motion, un « micro-cinéma en lumière continue » produisant des images en mouvement, sans film et sans opérateur. Ce sont ainsi neuf projections mécanisées, dispersées dans le parcours de l’exposition et jouant avec l’architecture de la Villa Paloma, qui réactivent la technique des lanternes magiques tout en offrant un contrepoint iconographique et conceptuel aux œuvres de Frey.(NDM)

Exposition du 7 février au 20 mai 2020.

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PHILADELPHIE (USA) :

PHILADELPHIA MUSEUM OF ART : 2600 Benjamin Franklin Parkway / 26th Street

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SAINT-YVES (Cornouaille, Angleterre) :

TATE SAINT YVES : Porthmeor Beach, St Ives, Cornwall, TR26 1TG

Mars/Octobre : Lundi/Dimanche : 10h/17h20.

Novembre/Février : Mardi/Dimanche : 10h/16h20. 

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SCHAERBEEK :

MAISON DES ARTS : 147 chaussée de Haecht à 1030 Schaerbeek. Semaine : 10h/17h. Samedis 19 et 26 juillet : 14h/18h.

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SCHAERBECK (Belgique) :

MUSEE D’ART SPONTANE : 27 rue de la Constitution. 1030 Schaerbeek. Tél. : +32 (0) 2 426 84 04 ou +32 (0) 2 426 84 04 Mardi/Samedi : 13h/ 17h.

Vernissage le mercredi 15 janvier à 18h30.

Exposition du 16 janvier au 2 février 2020.

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VENISE (Italie) : 

PALAZZO VENIER DEI LEONI DORSODURO : 701 30123 Venise. Tél ! (Guggenheim) : (39) 041 2405 415.

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VIENNE (Autriche) :

ALBERTINA : Albertinaplatz 1 1010 Vienne. Tél : +43 (0)1 534 83-0. TLJ : 10h/18h. Mercredi : 10h/21h.

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VIENNE (Autriche) : 

BANK AUSTRIA KUNSTFORUM WIEN : Freyung 8, 1010 Wien. Tél : +43 1 537 33 26. Lundi/Jeudi et samedi/dimanche  : 10h/19h. Vendredi :  10h/21h.

**** THE CINDY SHERMAN EFFECT : Identity and transformation in Contemporary Art

"L’identité, sa construction, ses transformations et ses dimensions fictionnelles sont au cœur de la pratique artistique de la photographe américaine Cindy Sherman (née en 1955). Cette exposition met en lumière certaines des questions fondamentales qui parcourent le travail de Sherman au regard du thème central de l’identité dans un monde marqué par la mondialisation, l’innovation technologique, les manipulations génétiques et le clonage. Elle confrontera également le travail de Sherman avec celui d’autres artistes contemporains afin de réévaluer certains de ses aspects clefs tels que la déconstruction du portrait, les stéréotypes culturels, sexuels et de genre ainsi que la construction et la fiction des identités. La pratique photographique de Cindy Sherman s’est développée à partir de l’art de la performance des années 70 sur la base d’un intérêt spécifique pour l’identité en permanente redéfinition. Depuis sa première et importante série, Untitled Film Stills (1977-1980), son travail n'a jamais cessé de s’imposer en tant que référence stylistique de première importance, utilisant la caméra comme miroir ou scène pour mise en scène du moi - de son représentant ou de son substitut." (NDM)

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