**** LISE HALLER BAGGESEN : « ChomAlour : Une métamorphose ».

 

Vue de l’exposition Apocalypstick, Le Confort Moderne, 2023.  Lise Haller Baggesen, Ensemble d’huiles sur toile et huiles sur polyester, 2020-2023.

© Le Confort Moderne. Photo : Pierre Antoine

« ChromAmour : une métamorphose » est la deuxième exposition personnelle en France de Lise Haller Baggesen après « Apocalypstick » au Confort Moderne à Poitiers en 2023. Le titre de l’exposition « ChromAmour » appelle à la fin d’une chromophobie collective, d’un rejet permanent de la couleur, pour imaginer de nouveaux futurs communs. L’artiste nous invite à changer notre perception du monde pour nous amener à percevoir les «choses telles qu’elles pourraient être» plutôt que de se limiter à ce qu’elles sont. «Nous en avons assez d’être malades, nous sommes fatigué.e.s d’être fatigué.e.s, nous avons soif du contact humain, du geste peint, du tactile plutôt que du numérique. Nous sommes prêts à ce que la couleur revienne sur nos joues et dans nos rues». 

L’artiste s’inspire de la pensée du philosophe Emanuele Coccia qui suggère que tout vivant est en soi une pluralité de formes - une idée développée dans son essai Métamorphose, édition Rivages 2020. 

Les œuvres présentées puisent leur origine en 2020, durant la pandémie : Lise Haller Baggesen, confinée dans son atelier à Chicago (où elle vit depuis une quinzaine d’années), imagine des scénarios spéculatifs de mondes nouveaux. Elle utilise les matériaux à sa disposition : des vêtements et des tissus par la suite trouvés dans des friperies, et de la peinture. De ces premiers essais résultera un corpus d’œuvres textiles aux couleurs vibrantes mêlant parfois la peinture aux motifs des tissus. Ces œuvres sont portables et sont performatives au sens où elles sont susceptibles de faire l’objet de différents agencements, d’évoluer. «  (NDM)

 

Exposition du 7 février au 30 mars 2025.

**** Lise Haller Baggesen : « ChromAmour : une métamorphose »

 

«  ChromAmour : une métamorphose » est la deuxième exposition personnelle en France de Lise Haller Baggesen après « Apocalypstick » au Confort Moderne à Poitiers en 2023. Le titre de l’exposition « ChromAmour » appelle à la fin d’une chromophobie collective, d’un rejet permanent de la couleur, pour imaginer de nouveaux futurs communs. L’artiste nous invite à changer notre perception du monde pour nous amener à percevoir les «choses telles qu’elles pourraient être» plutôt que de se limiter à ce qu’elles sont. «Nous en avons assez d’être malades, nous sommes fatigué.e.s d’être fatigué.e.s, nous avons soif du contact humain, du geste peint, du tactile plutôt que du numérique. Nous sommes prêts à ce que la couleur revienne sur nos joues et dans nos rues». 

L’artiste s’inspire de la pensée du philosophe Emanuele Coccia qui suggère que tout vivant est en soi une pluralité de formes - une idée développée dans son essai Métamorphose, édition Rivages 2020. 

Les œuvres présentées puisent leur origine en 2020, durant la pandémie : Lise Haller Baggesen, confinée dans son atelier à Chicago (où elle vit depuis une quinzaine d’années), imagine des scénarios spéculatifs de mondes nouveaux. Elle utilise les matériaux à sa disposition : des vêtements et des tissus par la suite trouvés dans des friperies, et de la peinture. De ces premiers essais résultera un corpus d’œuvres textiles aux couleurs vibrantes mêlant parfois la peinture aux motifs des tissus. Ces œuvres sont portables et sont performatives au sens où elles sont susceptibles de faire l’objet de différents agencements, d’évoluer. 

Dans l’exposition « Apocalypstick » (Confort Moderne, 2023), l’artiste posait déjà les prémisses pour des mondes nouveaux, revendiquant une nécessaire frivolité, même en temps d’apocalypse. À travers divers médiums (sculptures, installations, sons), elle élaborait à grande échelle un véritable paysage presque habité incarnant les possibles manières d’accueillir les mondes à venir : des robes de débutantes de couleur et aux formes bariolées auxquelles répondaient des slogans pop encapsulés dans des tableaux. Elle proposait une nouvelle manière de penser la place politique et sociale, d’ouvrir à toutes et tous les stéréotypes attribués au genre féminin dans un paysage réunissant les forces et les éléments naturels. » (NDM)

 

 Exposition jusqu’au 30 mars 2025

**** BARBRO ÖSTLIHN

 

L'Institut Suédois présente l'artiste Barbro Östlihn. Au carrefour des avant-gardes américaines et européennes, Barbro Östlihn a développé un langage pictural unique, hors de tout courant artistique. Mais il aura fallu changer de millénaire pour que l’œuvre de cette peintre prolifique, mariée à un célèbre artiste, nous apparaisse dans toute sa force. Cette exposition est la première rétrospective de Barbro Östlihn en France.

En 1961, Barbro Östlihn débarque à New York avec son mari, Öyvind Fahlström, artiste visuel, critique d’art et auteur reconnu. Ils emménagent dans l’ancien loft de Robert Rauschenberg au sud de Manhattan, qui leur servira à la fois d’appartement et d’atelier commun. Impressionnée par l’architecture imposante autant que par la valse des constructions, destructions et réhabilitations de cette partie de New York, Östlihn développe son propre langage pictural, en marge du pop art et du néo-réalisme alors en vogue. Elle parcourt l’île de jour, appareil photo à la main, et peint la nuit. Ce n’est pas le bouillonnement de la rue qui l’intéresse, mais les façades qui en forment les coulisses et qu’elle traduit sur de grandes toiles par des mosaïques et des macroformes géométriques. Ses tableaux portent souvent les noms des adresses ou des édifices qu’ils représentent.

À partir de 1963, elle expose régulièrement dans des galeries telles que la Galerie Cordier & Ekstrom, Tibor de Nagy Gallery, Marian Goodman Gallery, et remporte l’adhésion de critiques renommés comme Barbara Rose et Donald Judd. Elle collabore aussi avec Fahlström autour de nombreux événements – la Biennale de Venise en 1966, des expositions, des soirées – où se côtoient les avant-gardes de tous champs et de tous horizons. Malgré sa place dans cette communauté et la finesse de son œuvre picturale, ce n’est que récemment que son art a reçu la pleine reconnaissance qu’il mérite.

Le couple se sépare en 1975 et Östlihn s’installe l’année suivante à Paris avec l’artiste français Charles Dreyfus. Elle y demeurera jusqu’à sa mort en 1995. À nouveau, les murs et les sols constituent des sujets pour sa peinture, qui évolue vers un langage encore plus abstrait. Barbro Östlihn est alors représentée par la galerie baudoin lebon.

Son œuvre puissante et singulière devra attendre la grande exposition de Moderna Museet en 1984 pour se faire connaître en Suède. C’est à partir des années 2000, après le décès de l’artiste, qu’une série d’expositions viendra consacrer sa place dans l’histoire de l’art suédois d’après-guerre. Après une première présentation de sa période new-yorkaise en 1997, l’Institut suédois offre ce printemps la première rétrospective de Barbro Östlihn en France. Comme un clin d’œil à l’éternelle fascination de l’artiste pour les transformations architecturales, cette exposition inaugure une série d’espaces nouvellement rénovés de l’Hôtel de Marle. 

L’exposition montre une vingtaine d’œuvres, pour la plupart en très grand format, emblématiques de l’ensemble de sa carrière, ainsi que des reproductions de photographies et des esquisses servant de base à son travail. La sélection est complétée par des documents d’archives et des clichés du célèbre photographe Christer Strömholm, témoignant des relations entre artistes suédois.es et français.es à Paris dans les années 1960 et du rôle d’Östlihn dans ces échanges ». (NDM)

 

Exposition du 28 mars au 20 juillet 2025.

**** A PIU VOCI

 

"L’exposition se caractérise par la diversité des pratiques artistiques représentées, de la littérature à la création sonore en passant par la sculpture, la restauration du patrimoine, l’architecture, la photographie et la vidéo. Parmi la pluralité des projets émergent des thèmes récurrents : le monde végétal, le corps et ses transformations, les formes de résistance, la dialectique entre extérieur et intérieur, sans oublier la figure de Rome, ville réelle et fantasmée.

Durant leur année à Rome, les pensionnaires sont amenés à vivre la résidence comme un laboratoire d’expérimentation, offrant la possibilité de déployer des recherches au long cours, d’emprunter des voies nouvelles, de se laisser surprendre et entraîner par ce que produit la rencontre avec d’autres pratiques artistiques et d’autres géographies. L’exposition est le prolongement de cette expérience. Elle est aussi l’occasion d’interroger la mise en forme de projets qui échappent aux catégories conventionnelles d’exposition. Comment matérialiser une recherche en cours ? Comment articuler arts plastiques et arts vivants ? 

Dans le cadre de l’exposition, un programme de médiation multilingue est proposé en collaboration avec la NABA, Nuova Accademia di Belle Arti, réalisé par les étudiants du Biennio Specialistico en arts visuels et études curatoriales et du MA Visual Arts and Curatorial Studies du campus de Rome.

**** Miles Aldridge, Erwin Blumenfeld, Guy Bourdin, Juno Calypso, Walter Chandoha, Harold Edgerton, Hassan Hajjaj, Hiro, Ouka Leele, Yevonde Middleton, Arnold Odermatt, Ruth Ossai, Martin Parr, Pierre e Gilles, Alex Prager, Adrienne Raquel, Sandy Skoglund, Toiletpaper, William Wegman : « Chromothérapia ».

 

« Jaune citron, bleu saturé, rouge vif et orange soleil : la couleur comme thérapie, c’est le programme vitaminé de la nouvelle exposition de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis, CHROMOTHERAPIA. La photographie couleur qui vous fait du bien. Présentée du 28 février au 9 juin 2025 sous le commissariat de Maurizio Cattelan et Sam Stourdzé, l’exposition invite à parcourir l’histoire de la photographie couleur tout au long du XXe siècle à travers le regard acidulé de 19 artistes. Le parcours composé en 7 chapitres nous entraîne dans des mondes vibrants et saturés où la couleur percute la rétine et engage l’esprit.

L’exposition en 7 chapitres

EARLY BIRDS : Erwin Blumenfeld, Harold Edgerton, Yevonde Middleton et Toiletpaper

COMME CHIEN ET CHAT : Walter Chandoha, William Wegman et Toiletpaper

PAPIER GLACÉ : Guy Bourdin, Hiro et Toiletpaper

FEMME FATALE : Adrienne Raquel, Miles Aldridge, Juno Calypso, Alex Prager et Toiletpaper

STRANGER THINGS : Arnold Odermatt, Sandy Skoglund

FOODORAMA : Martin Parr et Toiletpaper

MAKE A FACE : Hassan Hajjaj, Ouka Leele, Pierre et Gilles, Ruth Ossai et Toiletpaper

Toutes ces innovations du quotidien révèlent une image surréelle, hyperréelle, qu réinvente les genres - de la nature morte au portrait - donnant une image du monde joyeuse et colorée. Parmi les artistes de l’exposition, William Wegman (1943, Holyoke, USA) immortalise avec tendresse ses chiens, transformant ses compagnons à quatre pattes en icônes artistiques, Juno Calypso (1989, Londres, UK) détourne les conventions visuelles du cinéma et de la publicité pour interroger les injonctions sur la féminité, tandis qu’Arnold Odermatt (1925, Oberdorf – 2021, Stans, CH), policier-photographe, documente des accidents de la route dans des compositions minutieuses où la poésie se substitue au drame et Walter Chandoha (1920, Bayonne – 2019, Annandale, USA), surnommé « The Cat Photographer », révèle une qualité humaine chez les chats qu’il photographie sur fond saturé et transforme ces animaux de compagnie en icônes photographiques. Ouka Leele (1957-2022, Madrid), quant à elle, utilise les tons vibrants pour capturer la libération des corps dans le contexte de la révolution culturelle et sociétale de la Movida, et Martin Parr (1952, Epsom, UK), grand témoin de nos paradoxes contemporains, dirige son objectif sur des barquettes de frites suggérant avec ironie l’indigestion du monde moderne. Dans les années 2010, Toiletpaper, le magazine co-créé par Maurizio Cattelan (1960, Padoue, IT) et Pierpaolo Ferrari (1971, Milan), à la fois héritier et précurseur, digne descendant de ces artistes et transgresseur absolu, dialogue et parasite cette petite histoire flamboyante et chromatisée.

Qu’il s’agisse de magnifier les détails d’une scène quotidienne, de redéfinir les codes de beauté des magazines ou de capturer des sujets engagés, la photographie couleur offre une vision intensément chromatique du monde. Cette diversité de regards et de pratiques témoigne d’un fil conducteur : la volonté de donner à voir autrement, en insufflant aux images la vie et l’émotion que seule la couleur peut transmettre. (NDM)

 

Exposition du 28 février au 9 juin 2025.

**** RAOUL DUFY : Manifesto Expo : "Colourful symphony. Masterpieces from Edmond Henrard Collection"

 

"Passionné par l’œuvre de Raoul Dufy depuis plus de quarante ans, Edmond Henrard a constitué une collection désormais représentative de l’art de cet artiste phare du XXe siècle. Régulièrement enrichie de pièces nouvelles, la collection Henrard a déjà été exposée dans divers musées en France, aux Etats-Unis et au Japon.

 

Le commissaire de l’exposition, Eric Blanchegorge, actuellement directeur des Musées de Troyes, explore ici l’influence de la musique et de la mode sur les œuvres de Raoul Dufy, au début du XXe siècle. Une période dynamique où les domaines du design, de l’art et de la musique fusionnent pour la création d’une œuvre totale.

Imaginée en plusieurs chapitres, l’exposition présente la carrière composite de l’artiste à travers peintures, dessins et aquarelles inspirés de ses thèmes de prédilection : les paysages, les courses hippiques, les régates et la vie parisienne. L’exposition comprend aussi une importante sélection de pièces textiles (vêtements et accessoires) réalisées par Dufy pour - entres autres - le créateur français Paul Poiret, qui a révolutionné la scène de la haute couture à cette époque, et l’historique manufacture lyonnaise de soierie Bianchini-Férier.

Enfin, un chapitre est dédié aux « Grands Décors » qui présente un ensemble de dix lithographies originales gravées par Charles Sorlier, tirées de la fresque La Fée Electricité, complétée par l’artiste pour le Pavillon de l’Electricité et de la Lumière dans le cadre de l’Exposition internationale de 1937 à Paris, aujourd’hui conservée au Musée d’Art Moderne de Paris." (NDM)