**** EMILIE HIRAYAMA : "Fantaisie de la contrainte" et FANETTE BARESCH : "Quand la mémoire brûle, le brouillard se dissipe".

" Au jour le jour, gestes et procédés se croisent afin que je témoigne de ce qui reste comme une archive du présent, une mémoire du futur. Les supports que j’utilise, le papier évidemment, le textile, et la pierre plus curieusement, absorbent les mouvements et les motifs des couleurs que je forme à la surface de l’eau – par un procédé qu’on appelle la marbrure.

C’est ce même mouvement qui m’amène à ramasser par terre des artefacts dérisoires en plastique." E.H

Fanette Baresch engage un dialogue intime et collectif sur la mémoire traumatique pour visibiliser le caractère systémique et structurel des violences au sein de la famille et particulièrement de l’inceste. Masquée par l’amnésie et les mythes autour de l’enfance et du foyer familial protecteur, la violence indicible est occultée.

L’artiste conçoit ses processus artistiques comme des actes de langage permettant de créer des espaces de résistance et de visibilité face au déni et à l’oubli." (NDLG)

Vernissage le 27 avril du 14h à 18h.

Exposition du 27 avril au 16 juin 2024.

**** JOSIANE BENZI-ANIA

Vernissage le vendredi 3 mai à 18h.

Exposition du 3 au 29 mai 2024

**** MASTERPIECES

**** HR GIGER : surréaliste noir

"Peu de créateurs contemporains suscitent la même fascination que celle exercée par H.R. Giger (1940-2014), figure mythique du monde cinématographique et du design. Cet artiste suisse protéiforme a mené une intense carrière depuis les années 1960 jusqu’à sa mort et il a créé une œuvre graphique qui est l’expression d’un univers personnel, dans lequel Giger s’érige en créateur de formes impossibles et de mondes fantastiques. Son univers se situe dans la zone obscure, dans les cavernes et dans les ténèbres, un monde où des machines inconnues et des monstres abominables sont aux aguets. Mais Giger est avant tout un artiste plastique, un dessinateur, un sculpteur, mais surtout un peintre, comme il se définissait lui-même, avec un style propre et unique, qu’il dénommait « biomécanique », synthétisant des formes d’origine naturelle (le biologique) et artificielle (le technologique) avec grande adresse.

Cette symbiose est traitée sur le plan iconographique par l’union entre l’organique et l’inorganique, entre des anatomies et organes et des objets industriels, entre la chair et le métal. Mais une chair maladive et putréfiée et un métal corrosif et sale. Il ne s’agit pas d’une union agréable, mais plutôt compliquée et parfois incommodante, qui provoque inquiétude et désarroi. Et c’est là l’une de ses grandes contributions à l’art moderne, un concept exploré et élaboré pour créer une esthétique propre, qu’il utilise pour aborder la problématique qui entoure l’être humain contemporain et tout spécialement à l’ère technologique, où l’homme semble devenir l’esclave des machines qui envahissent son milieu. La figure de Giger est immédiatement associée à sa création la plus célèbre, le monstre vedette du film Alien, le huitième passager (Alien, Ridley Scott, 1979).

Giger est essentiellement connu comme créateur d’atmosphères claustrophobiques et dessinateur de monstres, suite au succès de ce film-culte qui a marqué significativement sa carrière. La critique spécialisée signale que son travail dans Alien a bouleversé les formes de la science-fiction. Il a créé un nouveau concept de terreur spatiale et, par conséquent, de peur de l’inconnu, avec son image d’un être aux dimensions mythologiques, qui est devenu le monstre moderne le plus célèbre. Une icône qui équivaut dans la science-fiction à ce que représentent Dracula ou Frankenstein dans le genre de l’horreur.

Suite à l’obtention de l’Oscar en 1980 pour sa collaboration à Alien et sa diffusion mondiale, Giger n’a cessé de recevoir des commandes d’Hollywood pour la réalisation d’autres projets cinématographiques. Sa production personnelle ne sera plus celle des années 1970, qui fut sans le moindre doute sa période de splendeur. Giger n’imagina jamais que son monstre pourrait avoir un tel succès, au point d’éclipser ses autres travaux. Il s’est vu « dévoré » par sa propre créature, qui l’a dépassé et qui est à l’origine de l’une des sagas cinématographiques les plus productives de l’histoire récente". (NDLG)

Vernissage le 19 avril à 18h30.

Exposition du 20 avril au 28 juillet 2024.

**** DANIELA CAPACCIOLI : "Donner corps" : Peintures.

Vernissage samedi 6 avril à 17h.

**** TANIA MOURAUD : "Medley"

" À chœur et à cri

Medley présente l’oeuvre plurielle, puissante et engagée de Tania Mouraud. Des pièces historiques y dialoguent avec des recherches récentes, depuis les Black Power des années 1980 jusqu’aux Shmues que l’artiste explore depuis 2019. Certaines pièces, telles que Trap (1990), de la série des Black Continent, y sont présentées pour la première fois en France. 

Les langues déliées et acérées créées par l’artiste, sous la forme d’impressions, de gaufrages, de bas-reliefs et d’une peinture murale, côtoient des paysages sombres, saturés ou immaculés. Besod, la performance que l’artiste active, mêle phrases, images, chants d’oiseaux, cris d’animaux, bruits d’armes à feu et cris scandés en manifestation. Elle vient tracer un fil rouge qui relie les œuvres, comme une interrogation constante : quelles relations choisissons-nous d’avoir avec ce qui nous entoure ?

Photographies et vidéo nous mènent en des lieux étranges, tout à la fois désertés par l’humanité et marqués par elle. À moins qu’elle ne s’y soit perdue. Les marais troublants de Film Noir (2011-2021) mènent aux forêts de Désastres (2014), qui s’étendent en négatif pour mieux donner à voir les vides obscurs laissés par les arbres abattus près de Saint-Étienne. À Mitzpe Ramon, à 200 km au sud de Jérusalem, Tania Mouraud filme le désert rouge de Primetime (2005). Au loin, elle entend les exercices de l’aviation militaire israélienne. Lentement, la caméra caresse un panorama que l’on pourrait croire filmé sur Mars, qu’un son accompagne, étrange voire inquiétant. Son cliquetis mécanique évoque celui des machines de combat, à moins qu’il ne s’agisse d’un contact extraterrestre. Ailleurs, vestiges d’un conflit qui fête ses 80 ans, les blocs de béton de Backstage (2013) s’alignent sur la ligne d’horizon tels des silences sur la portée d’une partition. Construits pour la bataille de Normandie en 1944, ils évoluent au large comme les éléments d’un ancien décor, rappelant eux aussi à notre souvenir combien la violence et l’horreur de la guerre peuvent être proches de nous. Si nous ne voulons pas de celui des blockhaus, quel horizon choisissons-nous de composer ?

Immenses, vindicatives, révoltées, les écritures de Tania Mouraud se déploient dans l’espace. Elles nous invitent à questionner notre perception du monde et à écrire celui de demain. En évidant les lettres de Ça et là (1990, série Black Power), l’artiste nous donne à voir non pas les mots mais le mur blanc, faisant disparaître les signes pour montrer l’espace qui les sépare.

Les Frises (à partir de 1992) matérialisent également en négatif, noir sur blanc, la partie habituellement invisible des lettres (l’«œil», en typographie), ce qui force un renversement de notre perception. Trente ans plus tard, les phrases que l’artiste déploie en yiddish donnent également à voir ce qui est invisibilisé ou détruit (Shmues, depuis 2019). D’abord, par la matérialisation de cette langue sans territoire ni frontière presque détruite lors de l’Holocauste. Par les mots déployés ensuite.

Dans la trame des Canvas (2023), l’artiste trace les noms de femmes de la Bible et de déesses de la mythologie grecque. Là où l’histoire de l’art occidentale les représente largement comme des objets dénudés, Tania Mouraud affirme leur statut de sujets en les nommant. Par un traitement vibrant de l’écriture, elle leur rend un corps nouveau, un corps de texte puissant, loin de celui formé par l’œil patriarcal. Illisibles, elles échappent à toute appropriation par la vue et l’esprit. Les écritures nous échappent, jusqu’à fuir l’espace d’exposition : I k h b i n n i s h t g e b o y r n z i k h untertsugeben (« je ne suis pas née pour me soumettre », 2024) se déploie dans la ville, libéré des quatre murs de l’espace d’exposition." (NDLG)

Exposition du 15 mars au 27 avril 2024.

**** MARINE WALLON

" Si Marine Wallon appartient sans conteste à la nouvelle scène figurative française, elle sait s’aventurer du côté d’une abstraction affirmée, et évoluer sur des lignes de crête. Sa peinture – son médium favori depuis le mitan des années 2010 – donne à voir l’instant capturé, suspendu, et, dans le même temps, le mouvement, le foisonnement vibrant des éléments ; elle déploie des horizons lointains et exotiques aux titres évocateurs autant qu’elle impose la frontalité intransigeante d’une matière picturale brute. Et c’est en cette tension incomparablement maîtrisée que le spectateur est ravi, son regard livré à la peinture même, tandis que l’imaginaire le plus libre s’abandonne à la narration trouble de scènes énigmatiques.

Ce jeu entre fixité et mouvement trouve quelques clés d’explication dans les nourritures esthétiques de Marine Wallon. Elle qui regarde passionnément la peinture, de Delacroix à Joan Mitchell en passant par Milton Avery ou Van Gogh, reste obsédée par l’image en mouvement. Sa méthode même raconte cette dialectique : elle navigue dans un flux d’images de paysages glanées sur internet – sites d’archives, films documentaires, amateurs ou publicitaires – à la recherche d’un « choc visuel ». Après la capture d’écran, la saturation sur Photoshop et quelques croquis, vient la mise en danger de la peinture : munie de pinceaux, de brosses, de tissus plongés dans l’huile et jetés sur la toile ou simplement de ses doigts, elle livre une pensée sauvage pour donner vie à des paysages-matières où l’ambigu règne en maître : on ne sait trop si ses silhouettes incertaines, de simples « punctums » servant à la circulation du regard, évoluent dans des décors vraisemblables ou s’ils se trouvent nez à nez avec des signes picturaux. Ce sens aigu de l’indistinct, de l’étrangeté, de l’imminence, naît à l’intersection d’une histoire du paysage – la mer et la montagne, effrayantes mais attrayantes, ne sont pas sans rappeler la tradition du sublime romantique – et de références au cinéma, cinéma expérimental, d’auteur ou hollywoodien, celui de John Ford, d’Akira Kurosawa, de Jean-Daniel Pollet ou de Rose Lowder.

Marine Wallon opère donc une audacieuse alchimie : l’image animée se trouve fixée, pour finalement redevenir foisonnement ; l’image numérique éthérée devient picturalité concrète ; l’image par essence reproductible s’incarne dans l’aura d’une peinture ; l’image triviale, jetable, devient poétique, unique. La magie a lieu dans une sorte de danse ou de transe : si la genèse du travail vient de l’œil parcourant l’écran, la suite du processus créatif est des plus physiques. Entre le monde du tout-image qui est désormais le nôtre et celui des premiers âges de l’humanité, Marine Wallon cherche un geste primitif, aussi simple parfois que la main trempée dans la peinture et posée sur la toile, réitération d’un geste artistique originel évoquant sa pratique première de l’argile. À l’aide de ses spalters et pinceaux, elle libère, en une touche âpre et texturée, des arabesques, des étirements de peinture, de véritables rideaux de matière qui balaient, souvent en diagonale, la surface de la toile. Elle cherche la perturbation, l’excès, la perte des repères, à la lisière du dissonant ; depuis plusieurs années, Marine Wallon a banni toute idée de perspective. Ses peintures, désertiques, rocailleuses, enneigées, sont des scènes vides et pourtant saturées, où le moment de suspens cinématographique saisi en plongée ou en contre-plongée rencontre des temps géologiques immémoriaux. Repères de temps et d’espace se trouvent ainsi abolis, les échelles nous échappent et le vertige nous guette. La manière qu’a Marine Wallon d’habiter le médium se transmet vite au spectateur : quels qu’en soient le format et la technique – huiles sur toile, travaux sur papier exécutés à l’aquarelle, à la gouache ou au crayon, gravures –, on sent, face à ses œuvres, le froid des montagnes, le sel des embruns, la morsure du soleil, le souffle du vent. Ses pièces, toutes à la fois figuratives, atmosphériques, lyriques, dessinent ensemble, une fois leur accrochage orchestré, le storyboard d’un film que l’on peut sans cesse recomposer." Else Hougue

Exposition du 29 juin au 31 août 2024

**** "Ora-ïto : "Grammatotogy"

"La première exposition d’Ora-ïto à la galerie Podgorny, Grammatology, revient sur la grammaire de son langage volumique qui constitue l’essence de sa pratique.

Ligne, cercle, carré, rectangle... Les œuvres d’Ora-ïto sont composées des formes géométriques les plus élémentaires. Constituées de plaques d’aluminium noires ou colorées, fixées sur une base composite blanche, elles déclinent, élément par élément, son vocabulaire formel. Leur sobriété minérale et géométrique, leur monochromie vive renvoient tant à une pureté moderne qu’à un détournement pop qui sont les deux visages de l’univers visuel d’Ora-ïto.

Ces formes sans fonction, pour détourner le « Form follows function » des modernistes, avec leurs rondeurs minimalistes et leurs lignes claires, sont des silhouettes qui évoquent aussi bien des interfaces numériques que matérielles.

À travers ce corpus, Ora-ïto révèle au spectateur l’alphabet qui fonde son langage, qu’il exprime depuis 25 ans à travers le design industriel et l’architecture. Il explore et participe à l’émergence d’une esthétique du XXIe siècle, et retranscrit notre contemporanéité, où les frontières entre les mondes physique et digital sont mouvantes et en évolution constante.

L’exposition témoigne d’une nouvelle ère où les frontières entre design, architecture et art se fondent entre elles, pour laisser place à une créativité sans limite, où chaque forme, chaque cou- leur, chaque ligne raconte une histoire.

Elle se prolonge hors-les-murs avec des sculptures murales présentées au Lavoir historique situé à l’entrée du village de Saint-Paul-de-Vence, accolé à la Colombe d’Or." (NDLG)

Exposition du 15 mai au 15 juillet 2024

"À l'occasion de la Nuit Européenne des Musées 2023, La Demeure du Chaos ouvre sa saison par une visite de nuit de son Musée d'Art Contemporain L'Organe, comme vous ne l'avez jamais vu.

De nouvelles installations, sculptures monumentales et peintures/portraits inédits sont à découvrir dans le parcours muséal plein air de 6 300 oeuvres.

Un indice : Quand tu verras la lumière du Chemin des Oliviers, réjouis-toi car c'est le début du Grand Oeuvre.

La Magie est omniprésente dans ce musée qui semble avoir été créé pour se visiter de nuit.

Situé à Saint-Romain-au-Mont-d'Or, à 12 minutes en voiture de Lyon, ce Musée d'Art Contemporain à ciel ouvert et gratuit, créé en 1999, a accueilli plus de 2,3 millions de visiteurs depuis son ouverture en 2006, sur un parcours muséal de 9 000 m2 formé de 6 300 oeuvres et sculptures monumentales de thierry Ehrmann, tel le miroir de notre monde, témoignant de ce 21ème siècle tragique et somptueux, qui naît dans les cendres du 11 septembre.

La Demeure du Chaos illuminée de nuit par le parcours mystique du Chemin des Oliviers

Samedi 13 mai 2023 de 20h00 à 23h45

Dernière entrée à 23h00 (45min avant la fermeture des portes)

Entrée gratuite & Visite libre - Sans inscription - Tout public

**** JEAN-PIERRE RAYNAUD ; "L'alphabet pour adultes".

" Pour célébrer son ouverture, la Galerie Nathan Chiche convie Jean-Pierre Raynaud à un dialogue entre l’espace et le temps, entre la matérialité et la pensée. Du 16 mai au 26 août 2024, « Les Vanités » de Jean-Pierre Raynaud dialoguent avec les structures modulaires de Jean Prouvé, créant un pont entre l’architecture utilitaire et l’exploration artistique de notre condition humaine. 

Ce que Jean-Pierre Raynaud soulève avec ses vanités, ce n’est pas seulement la question de notre condition, mais celle de notre histoire collective et personnelle. En mettant en avant une représentation d’un crâne néolithique, Jean-Pierre Raynaud nous invite à explorer notre connexion intime avec l’histoire de l’humanité. Cette référence historique enrichit la réflexion, soulignant que notre quête de sens et notre contemplation sur ce qui nous constitue s’inscrivent dans une continuité qui transcende les époques et les civilisations. La céramique, matériau froid et clinique, devient le vecteur d’une humanité partagée, d’une « hygiène mentale » qui nous confronte à notre propre réalité.

Dans ce lieu, où Jean Prouvé a autrefois réinventé l’espace éducatif par son génie architectural, Jean-Pierre Raynaud instaure un dialogue poétique et profond avec le passé, le présent et l’avenir, à travers ce que nous apportons au monde. Chaque objet, chaque couleur devient un témoignage de notre passage, un reflet de notre individualité et de notre contribution collective.'

C’est un hommage à l’humanité, dans tout ce qu’elle a de plus fragile et de plus beau. Jean-Pierre Raynaud, en plaçant ses vanités en dialoguant avec Jean Prouvé, nous rappelle que l’art est avant tout un enseignement, un partage, une manière d’appréhender le monde avec curiosité, émerveillement et radicalité. (NDLG)

Exposition inaugurale du 16 mai au 26 août 2024.

**** L'ART DE MELVIN WAY  (1989-2024) : CO2 Blues

Vernissage samedi 13 avril à 16h.

Exposition du 13 avril au 25 mai 2024.

Dans cette édition : nous annonçons notre exposition SFMOMA, célébrons notre 50ème anniversaire, vous invitons à notre Symposium, vous rencontrons à Los Angeles et New York, vous proposons une visite audio, discutons sur un podcast et partageons des actualités !'(NDLG)