**** SYLVIE MANGAUD : « Monumentales » : bronzes

**** MARILYN MONROE 100 ANS ! 

**** RACHELLE BUSSIERES : « And the sky will follow

« Bigaignon présente la première exposition de Rachelle Bussières à la galerie. Intitulée And The Sky Will Follow, elle invite à pénétrer dans un horizon lumineux fait de temps, de lumière et d’une certaine présence. S’inspirant des poèmes d’Etel Adnan sur les thématiques du lieu, de la durée et de la perception, Rachelle Bussières propose des œuvres chromatiques atmosphériques, d’une subtilité rare.

La pratique de Rachelle Bussières repose sur des procédés analogiques, réalisés en chambre noire, où le temps et la lumière deviennent ses assistants. Utilisant du papier argentique, elle l’expose à diverses sources lumineuses (ambiantes, en studio, filtrées, directes...) pendant des durées allant de quelques secondes à plusieurs heures, voire plusieurs jours, permettant ainsi au papier de réagir, de se transformer et d’enregistrer ces flux. Par des techniques de masquage, d’évitement et de protection gestuelle minutieuse, elle sculpte des dégradés et des tonalités non pas à l’aide de pigments, mais à travers le jeu temporel de l’exposition, entre ombre et lumière. Le motif coloré qui apparaît alors sur son luminogramme n’est pas développé de manière traditionnelle : il émerge sur le papier noir et blanc dans le bain fixateur dans un moment de révélation paradoxale qui cristallise ce qui était auparavant invisible.

Pour l’artiste, le temps n’est pas une abstraction — il est visible, incarné, indexé. Chaque tirage agit comme une trace temporelle : la couleur, la teinte, le ton sont des enregistrements directs du moment, du lieu et de la durée de l’exposition. Les bleus lumineux, les violets, les roses, les beiges chauds ne sont pas des effets stylisés mais les résidus de la durée, de la lumière et des conditions environnementales. En ce sens, ses œuvres ne sont jamais des objets statiques, mais des palimpsestes du passage de la lumière. Le spectateur prend conscience que l’image n’est pas simplement l’objet d’un regard, elle est la résultante d’un événement, elle a eu lieu.

Rachelle Bussières situe son approche entre la photographie et la sculpture, s’inscrivant dans une lignée qui inclut la photographie expérimentale des débuts, notamment les photogrammes, et le mouvement Light and Space. Elle fait également référence à Man Ray et László Moholy-Nagy, dont les expérimentations autour de la lumière, de l’ombre et de la matérialité restent des points de départ dans son travail.

Pourtant, Bussières prolonge et transforme ces généalogies : sa pratique se préoccupe moins de la maîtrise technique que de l’abandon aux contingences de la lumière, de l’environnement et du hasard. Plutôt que de contrôler chaque variable à distance, elle négocie avec la lumière : elle bouge avec son corps, laisse les ombres interférer, masque certaines zones, et accepte parfois que le hasard intervienne. À l’instar du minimalisme ou de la peinture Color Field, les surfaces qu’elle crée peuvent d’abord sembler être de simples champs colorés, mais elles ne sont jamais neutres. Ses compositions occupent un espace liminaire : ni tout à fait paysage, ni tout à fait abstraction, ni tout à fait document, mais un hybride qui pointe au-delà de la représentation visuelle. » (NDLG)

**** ARASH NASSIRI : « Night mode »

Première présentation monographique d’ampleur de l’artiste dans une institution française, cette exposition réunit un ensemble inédit de sculptures et une vidéo intitulée A Bug’s Life, et offre une perspective nouvelle sur l’œuvre de l’artiste.

"La pratique d’Arash Nassiri explore la construction de l’identité, autant individuelle, collective ou spatiale. Pour le film A Bug’s Life, présenté dans l'exposition, l'artiste explore les palais persans de Beverly Hills, des villas spectaculaires conçues par l’architecte Hamid Omrani pour des familles de la diaspora iranienne à Los Angeles. À travers cette architecture hybride, Nassiri met en scène un insecte-protagoniste traversant ces intérieurs et questionnant notre rapport à l’espace, au patrimoine et au fantasme d’appartenance."

 Exposition jusqu’au au 18 juillet 2026

**** WABÉ : « Libre et forte »

« Libre et forte ! Voilà ce que je suis, libre avec mes volumes, forte avec mes couleurs, les deux toujours mêlés.

Parler de ce travail n’est pas une simple affaire. Tout bouge, tout danse autour de moi et en moi. Il y a dans cette expression de la douceur et de la colère. Les formes arrondies se déploient, les couleurs s’entremêlent, s’organisent.

Lorsque je peins sur les volumes une musique se fait entendre. Dans un chaos apparent, je cherche un équilibre, celui des couleurs qui se répondent. Les faces nous regardent, il y a juste des faces avec des yeux écarquillés, interrogateurs ou légèrement surpris : mais que voient-ils ? Nos peurs et nos joies, l’obscurité de nos cœurs également.

Je raconte des histoires de petites filles qui voyagent dans un monde parallèle. Je cherche inlassablement des réponses à mon inquiétude intérieure. Je parle d’Alice, du père de la mère, du viol, de la renarde, du dragon, de femmes puissantes, du volcan, des larmes, de rêves, d’océans et de murmures... » Wabé, décembre 2025

VOIR AUSSI : ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : http://jeaninerivais.jimdo.com/FESTIVALS : BANNE 2006

Vernissage jeudi 12 mars à 18h.

Exposition du 12 mars au 30 mai 2026

**** MARC TANGUY

Marc Tanguy, peintre de paysage, a toujours cherché à traduire des sensations, des immersions dans la couleur et le geste. Aujourd’hui, cette quête se prolonge dans la matière elle-même : la céramique.

Changer de médium, c’est ouvrir un nouveau terrain d’expérimentation. Ici, les formes prennent corps autrement, mais l’intensité, la sensibilité et l’exigence du geste restent les mêmes. 

Ces œuvres s’inscrivent dans une sélection plus large, à découvrir à la galerie et sur notre e-sho

Pour Catherine Cazau, ses oeuvres sont des : « taches informelles, traits gravés, gestes nerveux, inscriptions (presque) illisibles. Ma peinture est un espace émotionnel, d’énergie, gardant une part de secret comme un poème énigmatique qui interroge notre perception de la réalité, le chaos du monde ».

La démarche artistique de Hiam Demeulenaere, est imprégnée par une recherche esthétique et spirituelle. Elle consiste à magnifier les rondeurs élégantes et naturelles d’une silhouette féminine, et à les entrecroiser avec des plans à angles francs et nets. Ainsi la Ligne seule s’impose créant mille nuances d’ombres et lumières.

**** FACONNER L’INVISIBLE 

Exposition jusqu’au 30 mai 2026.

**** KONSTANTINA Birrung Ngura : « Appartenir à la terre »

Vernissage le samedi 06 octobre à partir de 15 h

Exposition du 04 juin 2026 au 19 septembre 2026 (fermeture exceptionnelle du 24 au 30 juin).

**** MATISSE, EN HERITAGE

« À l'occasion de l'exposition « Matisse. 1941–1954 » présentée au Grand Palais, la Galerie Negropontes Paris consacre dans son espace d'exposition en sous-sol, une exposition à Maison Matisse, fondée en 2019 par Jean-Matthieu Matisse, arrière-petits-fils du peintre. L'exposition présente la collection 1869 signée Alessandro Mendini, Jaime Hayon et l'installation de Ronan & Erwan Bouroullec pour Maison Matisse, ainsi que des œuvres de Perrin & Perrin, Ulrika Liljedahl, Éric de Dormael, Agnès Baillon, Linda Oubhi, Tal Lancman & Maurizio Galante, Carmen M. Castañeda, Benjamin Poulanges et Elena Syraka. »

Pensée comme un écho contemporain à cette rétrospective majeure, l'exposition explore des motifs essentiels de l'univers matissien, la fenêtre, la danse, la baigneuse, la Méditerranée, la fleur, le découpage, les couleurs à travers des pratiques où dialoguent verre, textile, céramique, métal et lumière.

Les vases d'Alessandro Mendini transposent en volume la spatialité décorative de Matisse. Jaime Hayon, quant à lui, célèbre la magie chromatique du peintre. Ses formes aux accents méditerranéens, à la frontière de l'art et du design, font vibrer la couleur. L'installation de Ronan & Erwan Bouroullec, en terre cuite, aluminium anodisé et porcelaine est comme une fenêtre ouverte sur la Méditerranée. Une autre sélection d'œuvres des artistes de la galerie vient compléter cette exposition et mise en avant l'héritage de Matisse.

Les œuvres en verre de Perrin & Perrin, numéros de la série Windows , matérialisent elle-aussi cette idée de fenêtre. Quant à leur tapis Toscane , il déploie au sol un jeu de formes découpées évoquant les gouaches tardives de Matisse de son livre Jazz . » (NDLG)

Exposition du 26 mars au 31 juillet 2026.

**** ETIENNE MOYAT : Ligne de vie

"Dans le cadre d’une année d’expositions consacrée au 150e anniversaire de la naissance de Constantin Brancusi, la Galerie Negropontes Paris présente un solo show d’Étienne Moyat. L'exposition Ligne de vie réunit un ensemble de panneaux sculptés et de sculptures en bois, ainsi qu’une sélection de peintures récentes. Le travail de Moyat entre en résonance avec l’héritage brancusien, à travers une relation essentielle au bois, au geste, à la forme et au temps.

Chez Étienne Moyat, la création n’est jamais envisagée comme un aboutissement, mais comme un cheminement permanent au sein de sa pratique artistique. Soucieux de ne pas rompre avec le passé, l’artiste inscrit son travail dans une continuité où le geste, la matière et la mémoire sont indissociables. À partir du moment où un chemin est choisi, le reste en émane naturellement. Ce chemin demeure volontairement ouvert, en construction, sans finalité figée.

Ébéniste de formation, Étienne Moyat travaille directement à partir d’arbres sciés en plateaux, selon le principe de la taille directe. Comme Brancusi, il considère le bois non comme un simple matériau, mais comme une matière vivante, porteuse de temps, d’histoire et d’énergie. Il le sculpte, le brûle, le brosse et le peint dans un rapport respectueux et attentif à ce que le matériau peut révéler. L’usage de la tronçonneuse, outil paradoxalement libérateur, autorise un geste à la fois libre, instinctif et maîtrisé.

L’ensemble de panneaux sculptés et de sculptures en bois de l’artiste, où les surfaces sont parcourues de lignes fluides, de strates et de rythmes, témoignent d’une pratique consciente et mesurée, où la technique s’efface au profit d’une expérience sensible. Elles s’inscrivent dans une logique transitoire et fragile, fondée sur une recherche permanente d’équilibre.

Ponctuant ce corpus sculptural, l’exposition présente également une sélection de peintures récentes, qui constituent un nouveau développement dans la pratique de l’artiste. Abordée avec une grande liberté de geste et d’émotion, la peinture prolonge les questionnements de la sculpture en explorant, par d’autres moyens, le rapport au geste, au rythme et au temps. Elle constitue un espace d’expérimentation où l’énergie circule différemment, sans rompre avec les enjeux du travail sculptural. Inspiré par l’expressionnisme abstrait, le néo-expressionnisme et le primitivisme, Étienne Moyat travaille sur de grands formats dans une approche spontanée et instinctive. Couleurs vives, couches épaisses et compositions rythmées font de la peinture un espace d’exploration sensible, en résonance avec le travail du bois.

Qu’il sculpte ou qu’il peigne, Étienne Moyat interroge notre lien au vivant, à l’espace et au temps. Son travail se situe dans un rapport direct à la matière et au geste, invitant le regard à une expérience émotionnelle". (NDLG)

Exposition du 24 avril au 31 juillet 2026

**** MARIE RAUZY : « Des désordres Grand Siècle ».

Vernissage le vendredi 29 mai de 17h à 21h

Exposition du 29 mai au 11 juillet 2026.

**** KAROLINA ORZELEK : « “Do you ever feel like you’re still dreaming?”

Les peintures de Karolina Orzełek ouvrent des espaces où le réel semble à la fois familier et légèrement déplacé. Paysages, scènes de plein air, fragments de moments vécus : tout paraît proche, mais comme vu à travers un filtre, une mémoire ou une sensation.

La couleur joue un rôle central dans son travail. Intense, parfois presque irréelle, elle transforme ce qu’elle touche. Les sols deviennent vibrants, les ciels profonds, les végétations lumineuses. Cette palette affirmée ne cherche pas à reproduire le monde tel qu’il est, mais plutôt à traduire une expérience, celle d’un instant, d’une lumière, d’une émotion.

Dans ses peintures, on retrouve souvent des traces de présence humaine : des chemins empruntés, des lieux habités, des scènes en train de se faire ou tout juste passées. Les figures apparaissent parfois, mais restent discrètes, comme intégrées au paysage. Il s’agit moins de raconter une histoire que de suggérer un moment, une atmosphère.

Ce qui traverse l’ensemble de son travail, c’est une tension douce entre joie et mélancolie. Les images semblent chargées d’une énergie lumineuse, presque estivale, mais aussi d’un léger décalage, comme si quelque chose nous échappait, comme si l’on arrivait un peu trop tôt ou un peu trop tard » (NDLG)

Exposition jusqu’au 13 juin 2026.

**** ALIOUNE DUAGNE : « Saytu »

« Alioune Diagne présente son exposition à la galerie Templon Paris. Après son spectaculaire succès à la Biennale de Venise en 2024, le peintre Alioune Diagne revient à Paris avec « Saytu », ensemble de toiles inédites, fruit d’une enquête menée ces deux dernières années à travers le Sénégal.

En wolof, le terme saytu renvoie à l’idée de rechercher, d’inspecter, afin de trouver et de conserver ce qui est précieux. Dans cette perspective, l’artiste a sillonné durant plusieurs mois le centre et le sud-est du pays, à la rencontre de communautés minoritaires vivant dans des régions isolées - les Bassari, Bédik, Dialonké et Coniagui - dont il a documenté les coutumes et rituels ancestraux qu’elles perpétuent et tentent de préserver.

Le projet a débuté par un séjour de deux mois en pays Bassari, dans le village d’Etiolo, puis chez les Bédik, dans les localités d’Ethiwar, Ibel, Iwol et Andjel, où Alioune Diagne s’est rendu à deux reprises. Diagne a également partagé le quotidien des Dialonkés, à Madina Baffé et s’est rendu dans le centre du Sénégal chez les Coniaguis, à Koupentoum, aujourd’hui malheureusement marqués par la disparition progressive de certains rituels.

Au plus près de ces communautés, l’artiste a patiemment observé, documenté puis réinterprété ces traditions à travers son langage plastique si singulier. Sa technique, progressivement élaborée au fil des années, repose sur l’assemblage de petits modules qu’il nomme « signes inconscients » : agrégés les uns aux autres, ils composent des scènes figuratives d’une grande intensité. Masques, danses, costumes, musiques et chants sont ainsi transposés en peinture, dans une tentative de saisir l’énergie vibrante et l’essence spirituelle de ces cérémonies.

Influencé, sans en avoir d’abord pleinement conscience, par le savoir-faire de son grand-père, maître coranique, Diagne conçoit ce vocabulaire formel, presque pointilliste, comme un langage universel capable de communiquer l’inexprimable. Entre abstraction et figuration, certaines toiles comme Jeune fille Bassari (2025) se livrent immédiatement au regard, tandis que d’autres comme La foule qui danse ou Sous l’arbre sacré (2025) invitent le spectateur à un lent déchiffrement, préservant la part de mystère propre à ces traditions transmises oralement de génération en génération.. » (NDLG)

Exposition du 21 mai au 18 juillet 2026

**** JEAN-FRANCOIS BAUDE et RAPHAËLLE PIA 

« Raphaëlle PIA ne décrit pas la nature mais nous fait vivre les sensations qu’elle provoque : les ressacs des marées, la transparence des éléments, l’immersion au coeur de l’arbre, l’effervescence et le foisonnement du printemps, l’obscurité oppressante d’une forêt, la force dégagée par les arbres…

L’exposition montrera un ensemble d'oeuvres, parcours de ces dernières années de l’artiste. 

Jean-François BAUDÉ nous laisse rêver le paysage. Il le suggère, jouant des encres noires, cobalt, terre dans ces derniers monotypes. 

Paysages de brume ou impression de flou, il va à l’essentiel du ressenti. Il faut sans doute une grande observation pour parvenir ainsi à nous faire retrouver l’image subliminal du souvenir. «  (NDLG)

VOIR AUSSI : PIA RAPHAËLLE : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "RAPHAËLLE PIA A CŒUR OUVERT" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ ART CONTEMPORAIN

Exposition du 23 mai au 20 juin 2026