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PARIS :

A GALERIE : 12 rue Léonce Reynaud 75116 Paris. Tél : 06 20 85 85 85. Lundi/Vendredi : 10h/13h et 15h/19h. Samedi : 12h/19h.

**** MUMMY DEAREST 

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PARIS : 

ALMINE RECH ESPACE MATIGNON : 18 avenue Matignon, 75008 Paris 

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PARIS : 

ARTS D'AUSTRALIE STEPHANE JACOB : 13 rue Chapon 75003 Paris. Tél : 01.46.22.23.20.

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PARIS : 

ARTISTES DE LA BASTILLE : Espace Commines 17 rue Commines, 75003 Paris. 

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PARIS : 

ATELIER VERON : 31 rue Véron, Paris. Tél : 01.55.79.01.58. Mercredi/Dimanche : 11h/19h.

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PARIS  :

BAB's GALERIE : 27 rue Casimir Périer, 75007 Paris. Tél : 06.52.8.57.42.

27/04 - 13h/19 //28/04 - 13h/19h // 02/05 - 15h/21h – Nocturne // 04/05 - 13h/19h // 05/05 - 13h/19h // 09/05 - 15h/21h - Soirée de décrochage avec la performance musical de l'auteur compositeur interprète Princess Jorge 

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PARIS :

BIGAIGNON : 18 rue du Bourg-Tibourg, 75004 Paris.  Mardi/Samedi : 12h/18h.

**** RALPH GIBSON ET BERNARD PLOSSU : "Rencontre au sommet"

 

L’exposition « Gibson / Plossu » rassemble pour la première fois les travaux de deux des plus grands photographes de leur génération. À l’occasion de cette rencontre inédite, les deux artistes ont chacun réalisé une sélection personnelle de tirages issus de leur propre fonds photographique, Connu pour ses images mystérieuses et symboliques, Ralph Gibson (1939) a pour sa part construit tout au long de sa carrière une oeuvre qui explore la nature visuelle surréaliste du subconscient. Influencé dans son enfance par les puissantes lumières des plateaux de cinéma où son père travaillait comme assistant-réalisateur d’Alfred Hitchcock, il sera ensuite inspiré par le nouveau roman, la musique atonale ou encore la poésie concrète, qui vont tour à tour façonner son écriture onirique reconnue mondialement. À l’occasion de sa quatrième exposition à la galerie Bigaignon, Ralph Gibson a spécialement choisi ses treize tirages favoris au sein de son archive, une sélection ô combien personnelle qui ravira les amateurs du maître américain. offrant ainsi une mise en perspective de leurs deux grandes carrières.

S’ils ont chacun révolutionné la photographie contemporaine en faisant des choix artistiques audacieux, ils se rejoignent également par leur amour du livre auquel ils ont accordé une place privilégiée comme support d’expérimentation et de diffusion pour leurs projets respectifs. Bernard Plossu, l’homme aux 300 livres, l’a en effet très tôt intégré dans son processus de création et presque chacun de ses projets fait l’objet d’une édition. Pour Ralph Gibson, alors que son premier opus « The Somnambulist » constitue en 1970 l’une des formes les plus accomplies du livre d’artiste, une oeuvre d’art à part entière qui lui permettra d’affirmer sa signature visuelle, il a continué, série après série, à maîtriser l’art de l’édition, et publié quelques uns des livres les plus marquants de ces cinquante dernières années. Les images de l’exposition « Gibson / Plossu » résonnent en nous comme de vieux souvenirs figés dans le temps, des fragments visuels qui révèlent toujours plus de poésie. De ces deux mondes photographiques bien distincts surgissent des entrelacs, des échos entre leurs travaux, leurs regards sur la ligne et la matière, leurs façons de frôler l’abstraction sans jamais y tomber, dans une maîtrise absolue de la lumière et de ses contrastes". (NDLG)

 

Exposition jusqu'au 13 juillet 2024.

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PARIS :

CENTRE CULTUREL SUISSE : 38 Rue des Francs Bourgeois 75003 Paris. Tél : 01 42 71 44 50. Mardi/Dimanche : 13h/19h.

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PARIS : 

CERCLE NORVEGIEN DE PARIS : 242 rue de Rivoli, 75001 Paris. Tél : 01.42.60.76.67.Lundi/ Vendredi : 10h/18h.

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PARIS :

CLAVÉ FINE ART : 10 bis rue Roger, 75014 Paris. Lundi/vendredi : 10h/19h. Uniquement sur RDV.

**** ANTONI CLAVÉ

 

" Centrée sur la série intitulée « Retour du Japon », l’exposition montre une vingtaine d’œuvres réalisées en 1986 et 1987, au retour en France de l’artiste après un séjour au pays du soleil levant. Ce voyage marque profondément la manière de travailler d’Antoni Clavé et lui inspire de nouvelles approches. Aux huiles sur toile et collages, techniques qu’il privilégie, l’artiste ajoute alors l’encre de Chine dans son processus artistique. La modernité du Japon autant que la calligraphie, l’ukiyo-e ou encore l’usage des sceaux nourrissent l’imaginaire d’Antoni Clavé.

« En 1986, Antoni Clavé se rend pour la deuxième fois au Japon où sont organisées des expositions de son travail à Tokyo, Osaka et Hakone. Comme en 1972, ce pays le fascine : il est entré de plein fouet dans une modernité qui fait rêver l’Europe des années 1980. Malgré l’agressivité des néons, le brouhaha étourdissant de la ville et l’architecture futuriste, le Japon traditionnel a encore sa place. La calligraphie, l’ukiyo-e ou encore l’usage très graphique des sceaux nourrissent durablement l’imaginaire de Clavé. Sur place, il n’exécute aucun croquis mais prend des photos et fait des films en super-8, autant d’outils de collecte d’éléments dont il peut disposer une fois rentré en France.

 

Pierre Cabane écrit en 1990 : « Clavé a traversé le prisme de l’Extrême-Orient comme Alice le miroir ; de l’autre côté il y avait, dans « la peinture du monde qui passe », une préhension de la vie et du temps, un message poétique exprimé par une sorte d’énergie rythmée dont la calligraphie détermine l’espace et nourrit la sève ». À son retour, Clavé laisse libre cours à son inspiration, et ses créations sont regroupées sous le titre Retour du Japon. Il associe l’encre de Chine à ses pratiques fétiches que sont le collage de différents papiers et l’huile sur toile. » Aude Hendgen, responsable des Archives Clavé, co-commissaire de l’exposition." (NDLG)

 

Exposition du 17 mai au 20 juillet 2024.

**** ANTONI CLAVE : "Retour du Japon"

 

la galerie Clavé Fine Art consacre une exposition à l’artiste espagnol Antoni Clavé sous le commissariat d’Aude Hendgen, responsable des Archives Antoni Clavé et d’Antoine Clavé, directeur de la galerie. Centrée sur la série intitulée « Retour du Japon », l’exposition montre une vingtaine d’œuvres réalisées en 1986 et 1987, au retour en France de l’artiste après un séjour au pays du soleil levant. Ce voyage marque profondément la manière de travailler d’Antoni Clavé et lui inspire de nouvelles approches. Aux huiles sur toile et collages, techniques qu’il privilégie, l’artiste ajoute alors l’encre de Chine dans son processus artistique. La modernité du Japon autant que la calligraphie, l’ukiyo-e ou encore l’usage des sceaux nourrissent l’imaginaire d’Antoni Clavé.

" « En 1986, Antoni Clavé se rend pour la deuxième fois au Japon où sont organisées des expositions de son travail à Tokyo, Osaka et Hakone. Comme en 1972, ce pays le fascine : il est entré de plein fouet dans une modernité qui fait rêver l’Europe des années 1980. Malgré l’agressivité des néons, le brouhaha étourdissant de la ville et l’architecture futuriste, le Japon traditionnel a encore sa place. La calligraphie, l’ukiyo-e ou encore l’usage très graphique des sceaux nourrissent durablement l’imaginaire de Clavé. Sur place, il n’exécute aucun croquis mais prend des photos et fait des films en super-8, autant d’outils de collecte d’éléments dont il peut disposer une fois rentré en France.

 

Pierre Cabane écrit en 1990 : « Clavé a traversé le prisme de l’Extrême-Orient comme Alice le miroir ; de l’autre côté il y avait, dans « la peinture du monde qui passe », une préhension de la vie et du temps, un message poétique exprimé par une sorte d’énergie rythmée dont la calligraphie détermine l’espace et nourrit la sève ». À son retour, Clavé laisse libre cours à son inspiration, et ses créations sont regroupées sous le titre Retour du Japon. Il associe l’encre de Chine à ses pratiques fétiches que sont le collage de différents papiers et l’huile sur toile. » 

Aude Hendgen, responsable des Archives Clavé, co-commissaire de l’exposition

 

Exposition jusqu'au 20 juillet 2024.

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PARIS :

FONDATION CALOUSTE GULBENKIAN : 39, Bl. d

e La Tour Maubourg, 75007 Paris. Tél. 01 53 85 93 76. Lundi/Vendredi : 9h/18h. Samedi : 11h/18h.

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PARIS : 

FONDATION CARTIER pour l'art contemporain : 261  boulevard Raspail, 75014 Paris. TLJ sauf lundi : 11h/20h. Nocturne le mardi jusqu’à 22h.

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PARIS :

FONDATION D'ENTREPRISE RICARD : 12 rue Boissy d'Anglas 75008 Paris. Mardi/Samedi : 11h/19h. Sauf jours fériés.

**** Clémentine Adou, Marie Angeletti, Grichka Commaret, Guillaume Dénervaud, Pascal Doury, Garance Früh, Gabriele Garavaglia, Isa Genzken, Morag Keil, Benjamin Lallier, Mélody Lu, James Richards et Pascale Theodoly. : "Crumbling the Antiseptic Beauty".

 

Exposition du 7 mai au 13 juillet 2024.

 

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PARIS : 

GALERIE FREDERIC MOISAN : 46 rue Croix des Petits Champs, 75001 Paris. Code 17A85, 2e étage. Tél : 06.11.28.67.84. Sur RDV sauf jours de vernissage

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PARIS : 

FRENCH ARTS FACTORY : 19 rue de Seine, 75006 Paris. Tél : 01.77.13.27.31.

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PARIS :

GALERIE ART AUJOURD'HUI : 8 rue Alfred Stevens. 75009 Paris. Tél : 01 71 37 93 51. Jeudi/Dimanche : 15h/20h et sur rendez- vous.

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PARIS :

GALERIE ART' ET MISS : 14 rue Sainte Anastase, 75003 Paris. Tél : 01.84.17.59.17. Mercredi/Samedi : 12h/19h. Dimanche : 14h/19h.

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PARIS : 

GALERIE A&R FLEURY : 36 avenue Matignons, 75008 Paris. Tél : 01.42.89.42.29.

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PARIS : 

GALERIE ART ABSOLU : 

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PARIS : 

GALERIE LA GALERIE AFRICAINE AUDE MINART : 53 rue Blanche, 75009. Tél : 06.60.24.06.26.TLJ. : 12h/19h. Dimanche : 14h/19h.

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PARIS : 

GALERIE B&B : 6 bis rue des Récollets, 7010 Paris. Lundi/Vendredi : 14h/20. Samedi : 10h/20h. Dimanche : 10h/18h.

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PARIS : 

GALERIE 110 VERONIQUE RIEFFEL : 110 rue Saint-Honoré, 75001 Paris. Mardi/Samedi : 11h/19h.

 

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PARIS : 

GALERIE BESSAUD : 24 bis rue de Charenton, 75012 Paris. Tél : 03.47.66.86.07. Mercredi/Samedi : 14h/19h.

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PARIS :

GALERIE CHRISTIAN BERST : 3-5, passage des Gravilliers, 75003 Paris. Tél / Fax : +33 (0)1 53 33 01 70.Mercredi/Dimanche : 14h/19h.

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 PARIS : 

GALERIE THE BRIDGE (Berst) : 6 Passage des Gravilliers 75003 Paris.

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PARIS : 

GALERIE CAMILLE POUYFAUCON : 19 rue Guénégaud, 75006 Paris. Tél : 06.47.66.86.07. Mardi/Samedi : 11h/19h.

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PARIS : 

GALERIE CEYSSON ET BÉNÉTIÈRE : 23 rue du Renard, 75004 Paris. Tél : 06.70.56.63.24. Mardi/Samedi : 11h/19h. 

**** TOMONA MATSUKAWA

 

Les peintures réalistes, et quelque peu dramatiques de Matsukawa sont nées d'entretiens avec d'autres femmes de sa génération. Les titres et sujets sont dérivés de phrases qui ont été prononcées au cours de ces conversations. Conservant son intérêt pour les thèmes de ses œuvres antérieures, comme les vestiges de la vie quotidienne, l'humanité qui subsiste dans certains gestes, ou l'intériorité des êtres humains. 

Tomona Matsukawa reconstruit, sur la surface plane et lisse des ses toiles, des fragments de scènes de la vie quotidienne tirées des conversations. Il y a, dans cette reconstruction, une tentative de transfigurer l'aspect de la vulnérabilité dans la vie." (NDLG)

 

Exposition du 16 mai au 29 juin 2024.

**** BERNARD PAGES : 

 

" Bernard Pagès fait. Irrésistiblement. Il construit et il conçoit. Sans cesse. Chaque jour que Dieu fait, le sculpteur fait. Sans relâche. Été comme hiver, dimanche comme lundi, jour comme nuit, il fait, il va vers son travail, son labeur, son hangar, son devoir. Ce n’est pas une position, encore moins une posture, c’est une nature : faire, défaire, refaire, parfaire, faire et faire encore. Faire : Bernard Pagès ne sait que faire d’autre. Rien d’autre à faire que faire, que faire son œuvre, que tracer sa route, que rouler son rocher comme d’autres roulent leur bosse. Sisyphe, sans doute. Prométhée, sans contredit. Bernard Pagès fait. Irrésistiblement. Il construit et il conçoit. Sans cesse. Chaque jour que Dieu fait, le sculpteur fait. Sans relâche. Été comme hiver, dimanche comme lundi, jour comme nuit, il fait, il va vers son travail, son labeur, son hangar, son devoir. Ce n’est pas une position, encore moins une posture, c’est une nature : faire, défaire, refaire, parfaire, faire et faire encore. Faire : Bernard Pagès ne sait que faire d’autre. Rien d’autre à faire que faire, que faire son œuvre, que tracer sa route, que rouler son rocher comme d’autres roulent leur bosse. Sisyphe, sans doute. Prométhée, sans contredit.

Ce n’est pas simple de faire, de faire sans préambule, de faire sans apprêt, de faire comme fait Bernard Pagès, avec entrain et avec allant, comme si cela, précisément, allait de soi. Son corps en porte la trace. Son corps (je pourrais dire sa conformation) est en mouvement, est un mouvement. Mouvement vers – l’atelier, le rocher, l’outil, la parole, l’autre. Tout en lui fait. Tout : ses mains, ses jambes, son bonnet, ses coudes, son accent. J’y vois une envie folle d’en découdre – avec le temps, avec le monde, avec la compacité de la matière, avec la charge du désir, avec lui-même, avec ce qui reste à faire, avec ce qui pourrait être fait, avec ce qui eût été fait si, avec ce qui est sur le point d’être fait. Le centre de gravité de son corps, pareil à celui des fleurs héliotropes inclinées vers l’astre nu, est légèrement décentré. Bernard Pagès, semblable à certains de ses « dévers », penche vers ce qui est à venir et à faire, et qui n’a rien à voir avec l’avenir et l’affaire, avec l’anticipation et l’affairement.

 Faire, faire vraiment, je veux dire sans tergiversation, suppose une nécessité. On ne fait pas pour faire. On fait, car on ne peut pas faire autrement. D’aucuns diront que Bernard Pagès passe à l’action, je crois que, manches relevées au milieu des copeaux et des boulons, il passe à l’acte. Colin Lemoine, extrait de Bernard Pagès, Homo Faber, 2020.

 

Exposition du 30 mai au 27 juillet 2024.

**** NAM TCHUN-MO : "Lignes et rythmes"

 

Contrairement à ce que l’on pourrait croire au premier coup d’œil, je procède d’une façon très complexe, en espérant que la ligne deviendra un paysage à l’aide de la lumière. 

 

« Cette ligne, Nam Tchun-Mo en est le gardien. Le gardien et le garant. La conscience aussi. Il faut tenir cette ligne, à la fois tendue et souple, sans excès de rigueur mais se gardant de tout lyrisme ; une ligne juste, autant que possible… Mais qu’est-ce qu’une ligne juste ? C’est une ligne bien nourrie, avant tout, une ligne chargée de mémoire, mais qui se garde de tout bavardage. C’est une ligne droite sans raideur, ou courbe sans excès de volutes, qui se méfie des effets trop faciles et, plus que tout, de ceux qui résultent d’une trop grande virtuosité. Ce peut être tellement séduisant, une ligne !

C’est aussi une ligne qui nourrit ; nourrit un espace, une surface, qui se met à son service sans totalement s’y subordonner ; une ligne généreuse qui prodigue ses bienfaits sans en faire étalage.

Cette volonté d’ascèse, on la retrouve aussi dans la parcimonie des couleurs. On a parfois rapproché la démarche de Nam Tchun-Mo de celle des artistes de Dansaekhwa. Il s’est déjà exprimé sur ce sujet : il dit qu’il se sent éloigné de ce mouvement historique – dont il rappelle l’importance, y compris dans son propre parcours –, insistant notamment sur le contexte qui a profondément changé. Au-delà de cette référence à un mouvement artistique majeur, il me semble plus juste de parler, pour Nam Tchun-Mo, de l’influence profonde du paysage. Alors que les artistes de Dansaekhwa se nourrissent du sentiment de nature, d’un point de vue spirituel et philosophique, c’est le paysage réel, trivial, qui nourrit l’œuvre de Nam Tchun-Mo. Un paysage, sinon monochrome, du moins assez avare de couleurs. Et au-delà de la couleur – ou en-deçà, peut-être –, il faudrait parler de la tonalité de ce paysage, constituée essentiellement de bruns, de beiges et de gris. Ce paysage n’a rien de pittoresque ou de démonstratif. Il paraît même parfois un peu pauvre, presque terne. Ce n’est pas du beau et du grand paysage. C’est plus que cela : c’est un paysage du quotidien, familier. Il résulte – en dehors des montages qui occupent la quasi-totalité du territoire de la péninsule –, de l’activité agricole : petites parcelles où l’on cultive le riz, nombreux maraîchages, et donc d’innombrables tunnels, souvent noirs. Avant tout, l’utilisation de ce paysage nous parle d’un rapport particulier à l’espace ; de sa rareté ; un espace que l’on doit occuper intensément, jusqu’au bord des routes et des voies de chemin de fer, à l’instar de ces lanières de jardins densément peuplées de végétaux de toutes sortes qui nous accompagnent dans toute la traversée du pays. »

Olivier Delavallade, extrait de Expanses, in Beam, Lines, Spring, Stroke,  Hartmann Books, 2019

 

Exposition jusqu'au 20 juillet 2024.

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PARIS :

GALERIE CLAIRE CORCIA : 323 rue Saint-Martin, 75003 Paris. Tél : 09.52.06.65.88

Lundi-vendredi 11h30-17h/30.  Samedi 14h-19h 

**** HAUDE BERNABE / FRANCOISE BENOMAR / GLODI KASINDI MALUMBE : "A corps d'histoires"

 

VOIR AUSSI : BERNABE HAUDE : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "LES CREATURES DE METAL DE HAUDE BERNABE"  "L'ART SINGULIER A SAINT-JEAN-AUX-BOIS : ART CONTEMPORAIN. Et TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "HAUDE BERNABE DE FEU ET DE FER", ART CONTEMPORAIN. Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ Rubrique ART CONTEMPORAIN (Par le fer et le feu) et RETOUR SUR LE PRINTEMPS DES SINGULIERS (Texte 2).

 

Exposition jusqu'au 12 juillet 2024.

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PARIS : 

GALERIE DB et ANGELARTS : 24 rue Morère, 75014 Paris. Code porte ! 83B56. TEL : 06.09.75.79.54.

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PARIS : 

GALERIE DE CAUSANS : 25 rue de Seine, 75006 Paris. TLJ. Sauf dimanche : 14h30/19h.

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PARIS : 

GALERIE D'EYLAU : 36, avenue d'Eylau, 75016 Paris.  Tél : 06.62.09.43.63. Mardi/Dimanche : 12h/19h.

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PARIS :

GALERIE DU CENTRE : 5, rue Pierre au Lard, (angle 22, rue du Renard). 75004 Paris Tél : 01 42 77 37 92. Mardi/Samedi : 14h/18h30.

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PARIS : 

GALERIE DU GENIE DE LA BASTILLE : 126 rue de Charonne, 75011 Paris. Mardi/ Dimanche : 14h/20h.

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PARIS : 

GALERIE DURST : 15 rue de la Tour, 75116 Paris. Tél : 01.45.24.73.00. Mardi/Samedi : 11h/19h.

**** LAURENT KARAGUEUZIAN : "Le jour où la pluie viendra". 

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PARIS : 

GALERIE HERVE COURTAIGNE : 53 rue de Seine 75006 Paris. 

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PARIS : 

GALERIE HORS CADRE : 8 rue Chapon, 75003 Paris. Tél : 06.47.66.86.07.14h/20h et sur RDV.

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PARIS : 

GALERIE HORS-CHAMPS : 20 rue des Gravilliers, 75003 Paris. Mardi/Dimanche : 13h/19 h.

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PARIS : 

GALERIE INSULA : 24 rue des Grands Augustins 75006 Paris. Tél :  (06) 07 74 96 57 ou  (01) 71 97 69 57. Mercredi/samedi : 14h/19h30. et sur rendez-vous.

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PARIS : 

GALERIE KALEIDOSCOPE : 19 rue Mazarine 75006 Paris. Mardi/Samedi : 11h/19h.

**** SABINE MONIRYS : "Messieurs, il fait froid ici"

 

Vernissage mardi 23 avril à 17h.

Exposition du 23 avril au 20 juillet 2024.

 

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PARIS :

GALERIE KORALEWSKI : 92 rue Quincampoix, 75003 Paris. Tél : 01.42.77.48.93. Mardi/Samedi : 14h/19h.

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PARIS :

GALERIE L'ENTREE DES ARTISTES : 25 rue des Tournelles, 75004 Paris. Mercredi/Samedi : 14h/19h30.

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PARIS : 

GALERIE LES YEUX FERTILES : 27 rue de Seine, 75006 Paris. Jeudi, Vendredi, Samedi : 14h/19h.

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PARIS :

GALERIE LISE CORMERY : 6 rue Lanneau, 75005 Paris. Tél : 06.81.77.93.62.

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PARIS : 

GALERIE MAEGHT : 42 rue du Bac, 75007 Paris.  Tél : 01.45.48.45.15. Mardi/Samedi : 10h/19h.

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PARIS : 

GALERIE NEGROPONTES : 14/16 rue Jean-Jacques Rousseau; 75001 Paris. Tél : 06.75.83.56.94.

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PARIS :

GALERIE PIERRE-MARIE VITOUX : Marais, 3 rue d’Ormesson Place du Marché Sainte-Catherine, 75004 Paris. Tél : 01.48.04.81.00. Mercredi /Samedi : 14h/19h.

**** LEONARDO CREMONINI : Estampes

 

"Après les années 1950-1960, qui vont le rapprocher de l’expressionnisme violent de Bacon, il passera des entrailles à la lumière ; annonce de ce parcours unique de figuration existentielle.

Des formes minérales très présentes, presque organiques, surgissent dans le paysage. Le monde Cremoninien se met en place : peinture raffinée, aplats aux tons acidulés, les coulures striant les surfaces, le vide illimité et pesant, les valeurs claires et sombres alternées, les éléments géométriques des cadres.

Réels, reflets, les miroirs des corps tronqués, l’espace pétrifiée des scènes de plage, les entrebâillements des scènes d’intérieur, les enfants aux yeux bandés ou exorbités.

Les couleurs charnelles suintent de la matière, la lumière est omniprésente, celle de la nuit rencontre celle d’un intérieur le temps d’une chaude soirée d’été. Marie Vitoux

 

Exposition jusqu'au 29 juin 2024

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PARIS : 

GALERIE RAPHAËL DURAZZO : 25 rue du Cirque, 75008 Paris. Tél : 06.75.83.56.94. Lundi/Vendredi :  10h/19h. Samedi : 10h/18h

**** STANISLAO LEPRI : Peintures

 

"Lepri puise son inspiration dans l’histoire de l’art. Son monde onirique est fait de macabre et de spiritualité́. Son art se veut métaphysique, comme une invitation faite au spectateur à entrer dans ses visions et ses pensées personnelles. Tantôt mélancoliques, tantôt démoniaques, les créatures qui prennent forme sur ses toiles nous rappellent, non sans ironie, l’absurdité́ de la condition humaine. Sa personnalité́ est marquée par la dualité́ entre son héritage familial aristocratique et la vie d’artiste qu’il mène à Paris : il a à cœur de représenter la distance qu’il met avec les contraintes de la classe sociale dont il est issu. Son art est avant tout l’entrée dans son univers philosophique qui nous transporte dans une autre dimension, la sienne. Il se consacre aussi, comme Leonor Fini, à la scénographie et a la création de costumes pour le théâtre. L’Armida à Florence pour le Maggio Fiorentino et le Voyage aux Etats De La Lune de Savinien de Cyrano de Bergerac sont parmi les pièces les plus emblématiques. Stanislao Lepri meurt à Paris en 1980. Ses œuvres font partie des collections de grands musées mondiaux : le MoMA, le Musée d’Art Moderne de Paris, les Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, la Galerie Nationale d’Art moderne de Rome et tant d'autres." (NDLG)

 

Exposition du 25 avril au 22 juin 2024.

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PARIS :

GALERIE ROBILLARD : 106 rue de la Folie Méricourt, 75011 Paris  Tél : 06 12 46 38 00. 10h/19h dimanches inclus.

 Galerie sur cour, codes d'accès 28a12 puis 12a28, au rdc face au petit jardin.

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PARIS :

GALERIE ROUSSART : 13 rue du Mont Cenis, 75018 Paris. Jeudi/Dimanche : 14h30/19h.

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PARIS : 

GALERIE SABINE BAYASLI : 99 rue du Temple, 75003 Paris. Tél : 06.34.29.40.82.du mardi au samedi, de 12h à 19h

le dimanche de 14h à 18h30

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PARIS : 

GALERIE TEMPLON : 28 Rue du grenier Saint-Lazare, 75003 Paris. Mardi/Samedi : 10h/19h.

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PARIS :

GALERIE TEMPLON : 30 rue Beaubourg 78003 Paris. Mardi/Samedi : 10h/19h.

**** FRANCOIS ROUAN : Photographies 

 

" L’exposition déploie une série d’œuvres photographiques de petit format. Fruits d’une insatiable expérimentation et exploration d’un medium insaisissable, les clichés retravaillés se déclinent autour d’une palette volontairement dépouillée. Tout en retenue, le noir et blanc se marie de temps à autre avec des nuances corail ou saumon. Cette apparente simplicité chromatique laisse ainsi la part belle à quelques-uns des questionnements métaphysiques et obsessionnels de l’artiste : l’image du corps et le mystère de l’origine du monde. « Je suis intéressée par l’idée de construire un cadre qui parle du corps féminin » explique François Rouan.

C’est un processus complexe et érudit qui dicte l’élaboration de ces photographies : la mise en scène est guidée par ses modèles, l’artiste joue ensuite de la technique des multiples expositions ou du tressage photographique qu’il recouvre ensuite de hachures, de pointillés, d’entrelacs ou encore de minuscules virgules. Dynamiques, ces images oscillent entre abstraction et figuration. D’une singulière acuité, les œuvres de Rouan résonnent avec quelques-unes des préoccupations actuelles – le rapport à l’image, l’envers de la surface, le rôle de l’art dans la recomposition d’un monde réel et mental fragmenté." (NDLG)

 

Exposition du 30 avril au 13 juillet 2024

**** MICHAEL RAY CHARLES : "Afrochemistry"

 

" Ce printemps, la Galerie Templon présente à Paris la troisième exposition personnelle de l'artiste afro-américain Michael Ray Charles, élaborée avec l'aide précieuse du commissaire de l'exposition, Hedwig Van Impe. Afrochemistry dévoile un ensemble de cinq grandes toiles et douze petites représentations de portraits au nez rouge sur carton construit autour de la représentation de l’identité noire. Depuis les années 1990, Michael Ray Charles est largement reconnu comme une figure artistique précurseur des questions afro-américaines. Avec une énergie inébranlable et une capacité à transcender les frontières linguistiques, culturelles et géographiques, il a construit des archives visuelles qui se veulent la chronique personnelle d’une Histoire afro-américaine entre terreur et lumière, liberté et esclavagisme, racisme et humanité, ou encore entre culpabilité et responsabilité. Pour Afrochemistry, Charles jongle avec délicatesse entre l’idée et l’image pour explorer la représentation physique afro-américaine et les préjugés moraux qui en découlent. De ces figures en gros plan émane un sentiment de profondeur et de vérité qui interroge avec une force déconcertante nos perceptions et la connexion émotionnelle avec autrui. Chez Charles, les traits aussi expressifs que statiques de ces têtes, ne décortiquent pas seulement des questions sociales sensibles, mais jouent également un rôle de catalyseur des changements sociétaux de l’Amérique actuelle. " (NDLG)

 

Exposition du 30 avril au 13 juillet 2024.

**** PIERRE ET GILLES 

 

Pierre naît en 1950 à La Roche-Sur-Yon, Gilles au Havre en 1953. Mondialement connus, ils développent depuis 1976 une œuvre à quatre mains entre peinture et photographie. Leurs tableaux mettent en scène leurs proches, anonymes ou célèbres, dans des décors sophistiqués construits grandeur nature en atelier. Une fois la photographie tirée sur toile, commence un méticuleux travail de peinture. Ces créateurs d’images ont constitué une iconographie singulière explorant la frontière entre l’histoire de l’art et culture populaire.

(NDLG)

 

Exposition du 7 septembre à octobre 2024

 

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PARIS : 

GALERIE VALLOIS : 35 rue de Seine, 75006 Paris. Tél : 01.43.25.17.34. Mercredi/Vendredi : 10h/19h.  Lundi 14h/19h. Samedi : 10h/13h et 14h/19h.

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PARIS :

GALERIE W. LANDAU : 5 rue du Grenier Saint-Martin 75003 Paris. Tel : 01.42.54.80.24. Mardi/Samedi : 14h/19h.

HORAIRES D'ETE : 12h/18h. FERMETURE ESTIVALE : 8 au 15 août inclus. 

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