**** Barbara d’Antuono – Rita Arimont – Alireza Asbahi Sisi – Elodie Barthélémy – Nicole Bayle – Stéphane Blanquet – Hervé Bohnert –  Shao Liyu Chen – Marie-Thérèse Chevalier -Lou Dubois – Reinaldo Eckenberger – Anaïs Eychenne – Max Goldinger – Thérèse Hächler – Nicolas Henry – Juliette Imbert – Micheline Jacques – Aurélia Jaubert – Alicia Lasne – Marie-Rose Lortet – Marion Oster – Gilbert Peyre – Philippe Pons – Raymond Reynaud – Josette Rispal – Fabian Sanchez – Christine Sefolosha – Lili Simon – Ficht Tanner – Pascal Tassini – Jacques Trovic – Jorge Varela – Alexandre Vigneron – Polly Vogel-  Jean-Noël Wintergerst – Brankica Zilovic

 

« L’exposition « L’étoffe des rêves » propose une relecture de la notion d’art textile à travers des œuvres d’artistes issus de l’art brut, de l’art singulier et du surréalisme. Elle réunit des créations textiles audacieuses et poétiques, souvent réalisées à partir de matériaux modestes et recyclés. Ce projet est le fruit d’une collaboration entre le Centre international du surréalisme et de la Citoyenneté mondiale à Saint-Cirq-Lapopie et la Halle Saint Pierre, dans une volonté commune de promouvoir une approche responsable des expositions.

En convoquant un matériau peu usité par les artistes bruts et surréalistes, nous découvrons la relation particulière que ce medium entretient avec la création lorsqu’il devient un espace d’exploration et d’expérimentation. Les usages vestimentaires, décoratifs, créatifs y sont réinventés au service d’un véritable vocabulaire de l’imagination.

Historiquement rattaché aux arts mobiliers ou aux pratiques domestiques, le textile s’est affirmé comme un objet de réappropriation artistique et d’incarnation culturelle et communautaire. Il questionne ainsi l’assignation de genre, les frontières entre l’art et l’artisanat, le statut de l’artefact textile face à l’ornement, au texte ou à l’architecture, au point de devenir un support de prédilection à l’évasion poétique.

L’exposition L’étoffe des rêves réunit 36 artistes qui explorent les frontières mouvantes du textile où fusionnent savoir-faire traditionnels et expérimentations plastiques. Qu’ils s’emparent des techniques ancestrales du tissage, de la broderie, de la tapisserie, de la dentelle, du macramé, du tricot ou de la couture, ils le font de manière innovante, singulière ou subversive. 

Naturelles, synthétiques, brutes ou recyclées les matières sont inspirantes et le textile se fait alors surface, volume, paysage ou corps. Des installations suspendues aux textiles peints, des étoffes sculpturales aux tentures murales, du minimalisme à la richesse du détail, chaque œuvre interroge notre rapport à la matière, au temps, et à la mémoire. Qu’il soit porteur d’histoires intimes ou de récits collectifs, le fil agit ici comme un langage sensible. Le textile devient alors un médium de résistance, d’émotion et de transmission. » (NDM)

 

VOIR AUSSI : 

Reinaldo Eckenberger : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "POUPEES DE CHIFFONS : LES CREATURES DE REINALDO ECKENBERGER" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ART SINGULIER. 

Micheline Jacques : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : " LE THEATRE DU SILENCE DE MICHELINE JACQUES" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ RETOUR(S) SUR UN QUART DE SIECLE D'ECRITURE(S)

Marie-Rose Lortet : TEXTE DE JEANINE RIVAIS http://jeaninerivais.jimdo.com/ ART SINGULIER

Marion Oster : dite LUCRECE : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "MARION HANNA, AUX PRECIEUX BIJOUX" :  Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ART CONTEMPORAIN

Raymond Reynaud : "RAYMOND REYNAUD TOUS ECRITS REUNIS" : http://jeaninerivais.jimdo.com/HOMMAGES 

Josette Rispal : Tous articles publiés dans : http://jeaninerivais.jimdo.com/ RETOUR SUR UN QUART DE SIECLE D'ECRITURES

Christine Sefolosha : "TROIS ŒUVRES TROIS AFRIQUE / NERISSON, SEFOLOSHA, DE SOULAGES" http://jeaninerivais.jimdo.com RETOUR SUR UN QUART DE SIECLE D'ECRITURES

 

 

**** Le Studio Roffé à Apt

 

Le Studio Roffé, ouvert en 1906 à Apt par Élie Roffé et son épouse Blanche Lazare, se spécialise dans les portraits et la couverture d'événements locaux. Après la mort d'Élie en 1938, Blanche et leur fils Marcel poursuivent l'activité jusqu'à leur arrestation et assassinat à Auschwitz en 1944.

 

Originaires de Tétouan au Maroc, les Roffé quittent la ville vers 1850, à une période au cours de laquelle la communauté juive connaît une émigration importante, notamment vers Oran. Entre 1884 et 1944, la famille Roffé-Nahon compte dix photographes et crée une douzaine de studios en Algérie, à Oran et Sidi Bel Abbès, ainsi qu'en métropole, à Apt, Aubenas, Béziers, Marseille, Nîmes et Toulon.

 

Avec le soutien de la Ville d'Apt

 

 

Exposition du 17 mai 2025 au 11 janvier 2026

BEGLES 

**** MAIN : « 1927 »

 

Samedi 7 juin de 19h à minuit (dernière entrée à 23h30)

À l'occasion de la Nuit blanche placée sous le signe du cinéma, le mahJ inaugure la présentation d' un chef-d'œuvre méconnu du cinéma d'avant-garde berlinois des années 1920. Imaginé par la photographe américaine Stella F. Simon (1878-1973) et réalisé par le journaliste et écrivain d'origine hongroise Miklós Bándy (1904-1971), ce court métrage inspiré par la danse se distingue par l'utilisation de mains comme évocation des personnages.

 

Le mahJ présente Hände , film majeur des avant-gardes berlinoises dans les années 1920. Imaginé par la photographe américaine Stella F. Simon (1878-1973) et réalisé par le journaliste et écrivain d'origine hongroise Miklós Bándy (1904-1971), ce court métrage inspiré par la danse se distingue par l'utilisation de mains comme évocation des personnages. Dans des décors abstraits constructivistes, des mains ondulantes, se croisent, se frôlent, se heurtent et parfois se superposent pour mieux se saisir. Sans dialogue, ce ballet abstrait, semble raconter une histoire d'amour universelle entre un, deux ou trois individus.

 

 

Les photographies de tournage inédites présentées dans l'exposition retracent les coulisses de la conception dans l'entourage de Viking Eggeling et de Hans Richter – pionniers du cinéma abstrait –, sa projection dans les soirées du Novembergruppe berlinois, jusqu'à son sauvetage en 1935 par Alfred Barr, directeur du MoMA de New York.

 

Exposition du 7 juin au 9 novembre 2025.

**** PASCAL MONTEIL :

 

"Pascal Monteil est un conteur qui s’exprime par la broderie. Sur d’anciennes toiles de chanvre et avec des laines de couleurs vives, il brode des récits dans lesquels coexistent des figures littéraires, poétiques et historiques. Ses œuvres font cohabiter des temporalités différentes provoquant des rencontres inattendues.

Il est lauréat du Prix Maratier 2022, décerné par la fondation Pro mahJ.

Pour sa première exposition à Paris, le mahJ présente six de ses broderies les plus importantes au sein du parcours des collections. Dans Llanto por la Monja Gitana (Lamentation pour la nonne gitane), l’artiste a brodé une longue procession d’exilés sur une toile de plus de trois mètres, où il évoque notamment l’expulsion des juifs d’Espagne en y intégrant des figures de son panthéon personnel comme Federico García Lorca ou Marceline Loridan-Ivens. Les origines marranes de Pascal Monteil ne sont sans doute pas étrangères au choix de cette fresque épique, où un rabbin portant la Torah occupe la tête du cortège.

Pour sa dernière œuvre spécialement conçue pour le mahJ, l’artiste s’est inspiré du récit de l’enfance cachée de l’écrivain Aharon Appelfeld et du sauvetage de près de 60 000 juifs de Lituanie grâce aux visas de transit émis à Kaunas en 1940 par le consul japonais Chiune Sugihara. Cette histoire méconnue lui permet d’imaginer une épopée à travers les forêts de l’Union soviétique jusqu’à Vladivostok, puis Shanghaï.

Né entre Uzès et Anduze, Pascal Monteil vit et travaille aujourd’hui à Arles. Il est le lauréat 2022 du prix Maratier créé par Claire Maratier pour récompenser un artiste vivant et décerné par la fondation (NDM)

 

Exposition jusqu’au 4 janvier 2026.

**** L’EXPERIENCE DE LA NATURE :  Les arts à Prague à la cour de Rodolphe II

 

« Grand protecteur des arts et des sciences, l’empereur Rodolphe II (1552-1612) était l’un des souverains européens dont l’enthousiasme pour l’étude de la nature était le plus vif. L’exposition montre la convergence des regards scientifiques et artistiques sur la nature et le renouvellement de la création artistique à Prague. » (NDM)

 

Exposition du mercredi 19 mars au lundi 30 juin 2025.

**** Anna-Eva Bergman, Hans Hartung, Vera Molnár, Terry Haass, Carl Nesjar : « Paysages intérieurs »

 

« La Fondation Hartung-Bergman présente « Paysages intérieurs », rassemblant des œuvres d'Anna-Eva Bergman, Hans Hartung, Vera Molnár, Terry Haass et Carl Nesjar. Grands voyageurs, Anna-Eva Bergman et Hans Hartung ont vu dans leurs vies d'innombrables paysages qu'on qualifie communément de « beaux » : villages des Baléares, fjords norvégiens, ciels azuréens... Ce sont toutefois la subjectivation et l'abstractisation de l'univers environnant, depuis la modestie d'un caillou jusqu'à la vaste étendue des courses astrales, qui caractérisent leur production respective : une transformation du monde au filtre de l'épure, de la mémoire, de la gestualité, du recadrage ou de la géométrisation. Enrichie par des rapprochements et des comparaisons avec Terry Haass, Vera Molnár, ou encore le photographe Carl Nesjar, cette exposition oscille entre le tellurique et le cosmique, et constitue une plongée au cœur des forces cachées de la nature, au-delà des formes spectaculaires de celle-ci.

Dans ses mémoires, Anna-Eva Bergman affirme que la peinture constitue « une tentative de saisir au plus près la raison d'être profonde de ce monde. »

Quant à Hartung, il explique : « Les forces intérieures d'une vague m'ont toujours plus intéressées que l'écume. » Chez l'un comme chez l'autre, l'ambition ne consiste pas tant à retranscrire l'aspect extérieur des choses, si beau peut-t-il être, qu'à chercher leur essence et leur énergie endogène. C'est ce qui fait toute la complexité et l'intérêt de leur rapport au paysage.

En effet, d'un paysage, on songe superficiellement qu'il n'est jamais qu'un bout de nature vu selon un prisme humain. Et, par une sorte d'automatisme culturel, on l'associe volontiers à quelques éléments archétypiques construits notamment au XIXe siècle : un relief vallonné, des bosquets, un soleil surplombant ou déclinant, les lacets d'un cours d'eau ou d'un chemin, une présence humaine réduite à quelques allusions muettes. Dans cette perspective, on attend communément d'une œuvre qu'elle isole ou qu'elle compose des images harmonieuses de l'environnement afin d'en immortaliser l'existence réelle ou supposée.

Mais, précisément, Hartung et Bergman font partie de ces catégories d'artistes qui se tiennent à l'écart de cette tradition – très légitime au demeurant. Leur ambition, c'est celle d'une endoscopie de l'univers…

Qu'entend-on dès lors par leurs « paysages intérieurs » ? C'est évidemment l'image médiée qui résulte de la « sensation » (terme cher à Cézanne) de la nature, ou encore de son souvenir : Bergman compose ainsi avec le rêve et la réminiscence, en différé, pour construire ses formes d'après un passé que réactualise la mémoire présente. C'est également, et plus subtilement peut-être, l'intériorité de cette nature, c'est-à-dire sa structure physique, conceptuelle, poétique, sa fibre atomique. Ces deux voies peuvent trouver leur moyen d'expression dans des modalités diverses, comme la simplification des motifs, le choix d'un cadrage, la gestualité. Une révélation par l'abstraction, en somme.

Cette exposition, en plus de montrer les productions de Hans Hartung et d'Anna-Eva Bergman, s'appuie sur la donation d'œuvres de Terry Haass à la Fondation et bénéficie du prêt exceptionnel de plusieurs pièces de Vera Molnár. Elle s'inscrit par ailleurs dans le programme de recherche « Paysage et abstraction » conduit en 2024-2025.(NDM)

**** Joan Alvado (1979, Espagne), Ian Cheibub (1999, Brésil), Maja Daniels (1985, Suède), Alexandre Dupeyron (1983, France), Weronika Gęsicka (1984, Pologne), Jann Höfer (1986, Allemagne), Martin Lamberty (1991, Allemagne), Laura Lafon Cadilhac (1989, France), Silvia Prió (1972, Espagne), Virginie Rebetez (1979, Suisse), Wlad Simitch (1982, franco-serbe) et Ann-Christine Woehrl (1975, Allemagne). et des collectifs : FREELENS, INLAND, Laif et The Reporters avec des photographes taïwanais.

 

Sous la direction artistique de Florent Basiletti et sous le commissariat de Anne-Marie Beckmann, Christel Boget, Gilles Cargueray, Emmanuelle Hascoët, Klaus Kehrer, David Kern, Gilles Massot, Heike Ollertz, Hildesheim Pirot Ziegler et Cornelia Siebert, Sortilèges

« En 2025, la Fondation Manuel Rivera Ortiz célèbre ses 10 ans à l'hôtel Blain avec une exploration envoûtante du mystère, de la magie et des mondes occultes .

Ce programme invite à franchir le seuil de l'invisible, à sonder l'inconnu, à interroger les croyances qui défient la raison. Entre ombre et lumière, rites anciens, légendes et forces mystiques s'entrelacent. Les frontières vacillent, laissant place à un univers où l'étrange et le merveilleux se confondent. Chaque exposition devient un passage, une résonance de traditions occultées, une immersion dans l'insaisissable.

Loin des certitudes, ce voyage sensoriel ouvre les portes de l'imaginaire et dévoile l'aura du mystère.

À travers les figures de la Vierge Noire, de Sainte Sarah et de Mazu dans le taoïsme, la programmation interroge ces croyances populaires qui, entre dévotion et marginalité, transcendent les cultures et les époques. Fotohaus amplifie cette programmation avec la thématique Kontroverse et Paradoxe, invitant à explorer les tensions et les contradictions qui surgissent lorsque les croyances se confrontent à la réalité. Dans une société française et européenne marquée par le rationalisme, la spiritualité demeure souvent reléguée à la périphérie du discours dominant, oscillant entre fascination et rejet. » (NDM)

 

Vernissage le 7 juillet à 19h.

Exposition du 7 juillet au 5 octobre 2025.

**** la tapisserie Ashitaka soulage sa blessure démoniaque

 

nspirée de l'œuvre d'Hayao Miyazaki, sera exposée au Pavillon France pendant l'Exposition universelle OSAKA 2025 au Japon. L'œuvre textile monumentale est la première achevée d'un cycle de six tapisseries inspirées des films du réalisateur japonais et tissées par la Cité internationale de la Tapisserie à Aubusson dans le cadre d'un partenariat avec le prestigieux Studio Ghibli, débuté en 2019.

Inspiré du célèbre film d'animation japonais Princesse Mononoké (1997), Ashitaka soulage sa blessure démoniaque , représente une scène emblématique : le moment où Ashitaka tente d'apaiser sa blessure après avoir été blessé par un sanglier possédé. Cette œuvre de 23 m² est réalisée selon le savoir-faire d'excellence de la tapisserie d'Aubusson maîtrisé depuis près de six siècles et reconnu par l'UNESCO. Elle a nécessité onze mois de tissage entièrement à la main par l'Atelier Tapisserie Guillot Aubusson.

Incarnant un symbole fort de l'amitié culturelle entre la France et le Japon, la tapisserie ornera le hall du Pavillon France qui mettra en lumière le savoir-faire français, une tradition qui remonte à la première Exposition Universelle en 1851, et dont le fil rouge est un hymne à l'amour. Dès l'entrée, une chimère rescapée de Notre-Dame dialogue avec le héros Ashitaka, tissé à Aubusson. La tapisserie traduite en fil et en couleur l'image animée. Elle témoigne de la capacité à faire écho aux grands récits contemporains tout en perpétuant un artisanat d'art séculaire. En pierre, en bois ou en textile, ces œuvres fragiles et puissantes ont en commune une vocation : traverser le temps et nourrir l'imaginaire collectif.

Après avoir accueilli en 2024, la tapisserie Le Château ambulant au coucher du soleil au Musée de la Préfecture d'Hiroshima, le Japon expose de nouvelles les œuvres de la tenture Ghibli en 2025. Du 11 avril au 10 août, deux tapisseries seront présentées simultanément : Le banquet du Sans visage d'après une image du film Le Voyage de Chihiro , et Ashitaka soulage sa blessure démoniaque , dans le cadre de l'Exposition universelle à Osaka. Cette présence conjointe témoigne de l'intérêt renouvelé du Japon pour ce projet artistique et de la reconnaissance internationale du savoir-faire de la tapisserie à Aubusson.

Une fascination réciproque très ancienne unité le Japon et la France, liée à la culture, à l'histoire, à la sensibilité de leurs peuples, à la maîtrise d'un ensemble exceptionnel de savoir-faire, qui s'ajoute aujourd'hui une passion commune pour l'illustration et le cinéma d'animation. Ces œuvres inédites, qui concourent à une nouvelle dimension de l'art de la tapisserie, vont s'adresser à toutes les générations et auront vocation à voyager dans le monde entier, en premier lieu au Japon. Cette tapisserie d'exception présentée à Osaka, permettra de dévoiler à des millions de visiteurs le résultat d'une coopération culturelle et artistique d'une originalité incomparable entre la France et le Japon. » (NDM)

 

Exposition jusqu’au 13 octobre 2025.

**** JEAN-MICHEL OTHONIEL : OTHONIEL COSMOS : « Les fantômes de l’amour ».

 

L’exposition « OTHONIEL COSMOS ou les Fantômes de l’Amour » dessine un gigantesque parcours monumental qui peuple les institutions gratuites et les sites historiques de la ville. L’artiste a élaboré des œuvres qui se dévoileront d’un lieu à l’autre croisant la sculpture et la peinture, les briques et les perles, des Astrolabes et des fontaines, de l’or et du verre, des totems et des nœuds infinis. Articulée autour de la passion amoureuse cette exposition sans pareille est orchestrée comme une grande machinerie opératique avec, pour point d’orgue début août, une installation et une performance dans la Cour d’Honneur du Palais des Papes, spécialement chorégraphiée par Carolyn Carlson pour Hugo Marchand et Caroline Osmont avec la participation exceptionnelle du contreténor Jakub Józef Orliński.

Sonnets amoureux 

Pontificale et lettrée, Avignon est la ville de l’Esprit et des esprits. On y vint pour fuir la mort, pour sauver sa liberté pour vivre en ses palais, pour danser sur son pont et pour jouir de sa douceur. Quoi de mieux pour Othoniel que cette ville de la beauté́ et de l’exil qui abrita les papes et les poètes, les amants et les amantes. C’est là que Pétrarque adora Laure. En lui dédiant son Canzoniere il engagea la poésie sur la voie de l’amour courtois et de la modernité́ littéraire.

Ancrée dans l’histoire avignonnaise, l’exposition conçue par Jean-Michel Othoniel comme une suite de sonnets s’empare de cette histoire électrique pour ériger la Cité des Papes en une constellation du Désir. Grâce à des fleurs et des miroirs, des tombeaux et des pierreries, l’artiste fouille les amours incandescentes et les amours perdues, les fantômes et les fantasmes, les songes et les vœux. Les quelque 240 œuvres exposées dans la ville sont les fragments d’un discours amoureux qui, assignant Michel-Ange, Shakespeare ou Pasolini, prouve combien il est souvent difficile, et parfois douloureux, de « borner son désir » (Pétrarque). (NDM)

 

Exposition du 28 juin 2025 au 4 janvier 2026.

Intense, l'année 2024 a révélé son lot de défis. Le chantier du musée est en route, sa réouverture au public en ligne de mire.

Il faudra toutefois faire preuve d'un peu de patience encore. Mais le jeu n'en vaut-il pas la chandelle ?!

Pour illustrer ces vœux et célébrer l'année à venir, le choix s'est porté sur ces quatre formes géométriques qui préfigurent ce que sera le musée rénové et agrandi. 2025 sera donc l'année du chantier ! 

Ce plan masse en dévoile les contours, ceux d'un projet ambitieux qui dotera le musée d'espaces à la mesure de sa collection et de ses publics. Pour l'heure, nous maintenons les objectifs et préparons demain. 

Mais avant, une pause s'impose ! Il faut recharger les batteries, se rassembler, refaire le monde et se souhaiter le meilleur.

L'équipe du musée vous souhaite donc de belles fêtes de fin d'année, douces, légères et tendres.

2025, nous voilà !

**** DANIEL DEWAR ET GREGORY GICQUEL 

 

« Le duo d’artistes franco-britannique Daniel Dewar & Grégory Gicquel propose une installation conçue pour la salle des festins du palais Jacques Coeur de Bourges, comprenant un ensemble de sculptures caractéristiques de leur pratique récente et en dialogue avec le lieu et son contexte historique. Cette exposition s’inscrit dans la programmation de la 5e édition de Bourges Contemporain 2024 qui aura lieu du 7 juin au 22 septembre 2024. Parmi ces sculptures, des pichets en grès prennent la forme d’un pied agrémenté d’une anse, un motif récurrent dans le travail du duo depuis plusieurs années. Une jarre voit sa surface recouverte de torses luisants qui se démultiplient et sur lesquels se découpent des escargots. Face à l’opulence du palais, à ses cheminées monumentales ouvragées et à ses nombreux ornements, qui jadis faisait état de la richesse du propriétaire, accumulée grâce au commerce et à l’impérialisme naissant, Dewar & Gicquel nous invitent, héritiers de ce passé, à renégocier et à repenser notre manière d’habiter le monde, le tout avec joie et humour. » (NDM)

**** JEAN DUBUFFET : « Le défi au quotidien »

« Le Doyenné présente une nouvelle exposition intitulée « Jean Dubuffet, Le défi au quotidien » , réunissant plus de cinquante œuvres, incluant peintures, sculptures et œuvres graphiques. Sous le commissariat de Jean-Louis Prat et Thomas Wierzbiński, cette exposition retrace les quarante ans de création et d'expérimentation de Jean Dubuffet, de 1945 à 1985.

Artiste de renommée internationale, Jean Dubuffet naît dans une famille de négociants en vins et hésite longtemps entre une carrière commerciale et artistique. Ce n'est qu'en 1942 qu'il se consacre pleinement à la peinture. Sa production est marquée par de multiples expérimentations, organisées en différents cycles, dont le plus long et le plus original est celui de L'Hourloupe (1962-1974), une projection mentale et dématérialisée du monde. Grand contestataire de l'ordre établi, il choisit de ne suivre aucune règle préétablie tout au long de ses quarante années de création. Cette démarche est nourrie par son intérêt pour les œuvres en marge des circuits culturels, ce qui le pousse à fonder la Compagnie de l'Art Brut. Esprit libre et indépendant, il expose en 1962 au Museum of Modern Art de New York et crée en 1974 sa propre fondation, où il lègue toutes ses archives personnelles, une source inépuisable pour la compréhension de son œuvre hors du commun.

L'exposition bénéficie de prêts exceptionnels de la Fondation Dubuffet. » (NDM)

Exposition du 28 juin au 2 novembre 2025

**** JEAN-MICHEL OTHONIEL : « Poussière d’étoiles »

 

« Ouvert depuis le 31 janvier dernier, le grand centre d'art contemporain La Malmaison, situé en plein cœur de la Croisette, à Cannes, accueille l'exposition « Poussière d'étoiles » du sculpteur de renommée internationale Jean-Michel Othoniel. À cette occasion, Jean-Michel Othoniel propose une plongée fascinante dans son univers où le verre et la lumière s'entrelacent pour créer une expérience immersive et sensorielle unique. Parmi les 91 pièces présentées, 53 ont été spécifiquement conçues pour la Malmaison, en cohérence avec son environnement exceptionnel et son histoire. Ces œuvres invitent à la rêverie et font ainsi écho à la lumière intarissable du soleil méditerranéen, aux paillettes du Festival International du Film de Cannes et au bleu azur de la mer et du ciel cannois.

« L'or n'est pas originaire de notre Terre, il provient d'une pluie de météorites issues de la collision de deux supernovas, il y a plusieurs milliards d'années. Cet impact a propulsé des millions de tonnes d'or stellaire à travers l'espace, dont certains fragments ont atteint notre monde, ses continents et ses mers.

Tout l'or de notre planète est donc né dans le cœur d'étoiles mourantes. Mon exposition à la Malmaison est un hommage à cet ou des étoiles déchues, à cette poussière d'étoiles qui recouvre mes œuvres.

Matière inaltérée lieu du cosmos, elle envahit la façade et les premières salles du centre d'art, enveloppant les perles de mes sculptures monumentales. L'or devient blanc lorsqu'il inonde le fond de mes peintures, celles-ci entourent des monolithes et des fontaines de briques de verre colorées aux reflets d'argent. Les sols miroirs de briques bleues qui font face à la baie de Cannes scintillante font entrer la lumière de la Méditerranée dans le centre d'art nouvellement ouvert sur la Croisette. Sculptures aux reflets infinis, transcendance de l'or, éblouissement de la lumière, une certaine idée de la beauté parcourt l'exposition et les 91 œuvres qui la composent. Loin des paillettes et pourtant si proche, « Poussière d'étoiles » est une exploration lancée à la recherche du merveilleux, perdu dans notre monde réel. » Jean-Michel Othoniel

Un univers féérique, empli de verre et de lumière

L'exposition « Poussière d'étoiles » promet une immersion totale au sein d'un univers merveilleux en plein cœur de la Malmaison où les couleurs du Festival de Cannes et de la Méditerranée fusionnent. Composées de sculptures monumentales, faites de verre et de peintures, les 91 œuvres de Jean-Michel Othoniel investissent le lieu de façon poétique. L'artiste y conte une histoire féérique, empli de rêves et de lumière, afin de plonger les visiteurs dans la magie et l'histoire de la Malmaison, plus ancienne demeure de la Croisette. 53 œuvres inédites ont été spécifiquement conçues pour le site récemment modernisé.

Certaines salles se parent alors d'or grâce aux Gold Rose, aux Gold Lotus, et à la rivière rose poudrée brillante qui communique avec les Passiflora accrochées aux murs. Ces fleurs, symboles de la passion et de l'astre solaire, illuminent les pièces du centre d'art. Ces couleurs étincelantes font écho aux paillettes du Festival International de Cannes, au soleil écrasant des étés du Midi, aux plages lumineuses du littoral ou encore au jaune éclatant du mimosa en hiver.

D'autres salles se confondent avec le panorama exceptionnel de la Malmaison. Des étendues d'eau bleues infinies, sous forme de briques de verre réfléchissantes, se propagent à travers les étages et changent au gré de la lumière. L'artiste ne s'est pas limité à ré-enchanter l'intérieur du centre d'art. Trois grandes sculptures viennent sublimer l'extérieur. Avec la magie des matériaux, les jeux infinis de lumière et la multiplication des reflets Jean-Michel Othoniel fait disparaitre les frontières entre le réel et l'imaginaire. » (NDM)

 

Exposition du 17 mai 2025 au 4 janvier 2026

**** « 75 ans d’amitié, les artistes et le musée »

 

« Pour célébrer ses 75 ans, le musée d’art moderne de Céret retrace ses liens avec les artistes les plus emblématiques de son histoire dans une vaste exposition du 12 avril au 16 novembre 2025. Une sélection de plus de soixante pièces majeures des collections propose un important panorama des figures qui ont contribué à l’aventure de ce musée d’artistes. L’identité singulière de l’établissement s’est construite avec des personnalités qui ont marqué les collections par leur implication dans le projet du musée. L’exposition met en lumière des donations décisives telles que celles de Marc Chagall, Henri Matisse et Pablo Picasso. Elle revient sur des personnalités marquantes qui ont joué un rôle incontournable dans la vie des collections du musée, notamment Christine Boumeestern, Valentine Prax, mais aussi Claude Viallat et Vincent Bioulès. Cet événement, qui fait également redécouvrir des commandes monumentales, révèle la singularité du modèle du musée d’art moderne Céret dans le paysage de l’art contemporain.

Le parcours de l’exposition s’ouvre sur des pièces emblématiques données par Marc Chagall, Henri Matisse et Pablo Picasso à partir de 1950. Ces figures majeures ont contribué par leur implication au développement du musée. D’autres personnalités marquantes ont joué un rôle incontournable dans la vie des collections cérétanes dans les premières années de l’établissement, notamment Christine Boumeester et Valentine Prax.

Le musée a également joué un rôle moteur dans la vie artistique de son environnement, en proposant des expositions et des résidences qui ont fait du musée un lieu d’émulation et de création. Claude Viallat et Vincent Bioulès ont entretenu un lien singulier et durable avec l’établissement dans les années 1970 alors que peu d’institutions favorisaient les jeunes artistes dans le Sud de la France et en Catalogne. Anne-Marie Pêcheur et Hervé Fischer ont poursuivi cette dynamique d’amitié et de création en témoignant de leur attachement au musée. L’exposition revient aussi sur des projets d’expositions marquantes qui ont nourri et transformé la relation du musée avec les artistes.

Dans ce contexte, le musée a encouragé la création artistique en sollicitant des artistes pour créer des pièces monumentales. L’exposition présente ainsi deux installations exceptionnelles réalisées par Toni Grand et Tom Carr pour le musée. Il s’agit de se plonger dans la création de ces pièces de grands formats qui évoquent des paysages dans lequel le visiteur est invité à déambuler librement.

Le musée d’art moderne de Céret s’est distingué par son implication dans le paysage de l’art contemporain et son histoire livre des perspectives pour l’avenir de l’établissement et ses enjeux de relations avec les artistes et la Méditerrannée. Des artistes comme Riera i Aragó et Alain Clément ont réalisé des travaux dans le contexte d’un musée qui a affirmé son rôle de laboratoire artistique.

En présentant l’histoire des relations entre le musée d’art moderne de Céret et les artistes, l’exposition démontre la part humaine et la continuité d’une aventure singulière. Une riche programmation et une nouvelle publication des œuvres incontournables de la collection seront proposées pour cet anniversaire du musée." (NDM)

 

Exposition du 12 avril au 16 novembre 2025

**** NICOLAS DAUBANES : « La main en visière »

 

« Le travail de Nicolas Daubanes s'est fait remarquer par son approche des mondes de l'incarcération et de la révolte. Dans ses œuvres représentant des espaces carcéraux, à l'image de la Prison de Lyon ou Les spectateurs chez Piranèse , l'artiste utilise de la limaille de fer. Ce matériau peut évoquer l'évasion rêvée qui ne laisserait derrière elle que la poussière issue des barreaux sciés. 

S'appuyant sur les travaux de Michel Foucault ou de Robert Linhart, Nicolas Daubanes étudie ces architectures de l'enfermement et leurs mécanismes de contrôle. Sa série des «Tours de Babel» s'inscrit dans la continuité de ses recherches en déployant la force plastique de la poudre de fer, tout en répondant au désir d'explorer la peinture classique. Le geste d'appliquer la limaille en descente et en montée devient la métaphore de la chute et de l'élévation de la destruction de la Tour de Babel. Cypress Hill II poursuit cette exploration de la peinture classique en référence au tableau L'Île des Morts d'Arnold Böcklin. Les cyprès, qui occupent la partie centrale de l'œuvre originale, deviennent sous la main de Nicolas Daubanes des formes évanescentes.

Au début des années 2020, Nicolas Daubanes entame de nouvelles recherches artistiques en utilisant le verre comme support. Sur ces surfaces vitrées, il fait apparaître des dessins grâce à la projection d'étincelles. Les œuvres telles qu'À la faveur de la nuit ou La Villa en feu sont ainsi réalisées avec l'incrustation de particules de fer sur le verre, un procédé qui repose sur le matériau à la thématique de l'enfermement déjà présent dans son travail.

En 2024-2025, lors de sa résidence à la Villa Médicis, l'artiste prolonge ces explorations autour de la lumière et des étincelles en créant des photogrammes. Il s'agit d'images photographiques obtenues sans appareil photo : une surface photosensible est directement exposée à la lumière produite par les étincelles, ce qui permet aux images de se matérialiser. Un exemple marquant de cette démarche est La serlienne de loggia Balthus, d'après Diego Velázquez. L'artiste transcrit la lumière des étincelles en motifs visuels, en poursuivant ses réflexions sur le passage du temps, la fragilité des matériaux et la fugacité de la lumière.

Ces œuvres inédites dialoguent avec un polyptyque monumental à la limaille de fer réalisé spécialement par l'artiste pour son exposition au musée d'art moderne de Céret. Celles-ci offrent un panorama représentatif des questions qui animent l'artiste depuis près de quinze ans autour des structures qui façonnent notre environnement. » (NDM)

 

Exposition du 26 septembre 2025 au 22 février 2026.

**** FABRICE HYBER : "Humeurs"*

 

"Après avoir installé ses hommes verts dans le bassin du Domaine national du Palais Royal pour les trente ans de l’Homme de Bessines, Fabrice Hyber expose ses créations à la villa Cavrois. 35 hommes et femmes de Bessines occupent ainsi l’ensemble de l’espace du miroir d’eau. Ses POF (Prototype d’Objets en Fonctionnement) occupent quant à eux l’ensemble des salles de la villa. 

L’artiste imagine en parallèle un potager de 500 m² sur la parcelle en friche au fond du parc, pouvant être entretenu de façon pérenne après l’exposition, en poursuivant un objectif pédagogique. Présent depuis une vingtaine d’années sur la scène artistique internationale, Fabrice Hyber procède par accumulations, proliférations, hybridations et opère de constants glissements entre les domaines du dessin, de la peinture, de la sculpture, de l’installation, de la vidéo mais aussi de l’entreprise et du commerce.

À propos de Fabrice Hyber

 

Né en 1961 en Vendée, Fabrice Hyber intervient dans des domaines variés tels que le dessin, la peinture, la sculpture ou la vidéo. Attaché à la nature, à l’économie, au commerce et aux sciences, il a créé des systèmes autour de la production artistique avec les entreprises, des scientifiques et des laboratoires à travers le monde. Fabrice Hyber revendique un attachement aux mathématiques, aux sciences, mais également à la philosophie de Gilles Deleuze." (NDM)

**** OLIVIER DEBRÉ : « Voyages en abstraction »

 

« la ville de Dinard présente sa nouvelle exposition consacrée à Olivier Debré (1920-1999), figure française majeure de l'abstraction lyrique d'après-guerre. Cette exposition propose un regard intimiste sur l'itinéraire du peintre en évoquant les évolutions successives de son voyage au cœur de l'abstraction. Organisée selon un parcours chrono-thématique, l'exposition évoque, par une sélection de plus de soixante-dix œuvres conservées au sein de collections privées et publiques, les nouvelles voies explorées par l'artiste depuis ses premières peintures « de guerre » et ses tableaux maçonnés des années 1950 jusqu'à l'abstraction fervente qui le définit.

Tout au long de ses voyages, sa vision nous offre une plongée dans les formes et les couleurs et un effacement du paysage traditionnel au profit de la transcription d'une perception : « Quand je suis comme le vent, comme la pluie, comme l'eau qui passe, je participe à la nature et la nature passe à travers moi ».

Si l'artiste ne cesse d'explorer de nouvelles sensations au cours de séjours à l'étranger, du désert de Jordanie aux fjords de Norvège en passant par le Taj Mahal ou le Japon, sa quête picturale prioritaire aussi les environs de la maison familiale en Touraine comme en témoignent les grands formats peints au bord de la Loire.

Bien au-delà de son qualificatif de peintre abstrait, Olivier Debré bouleverse le rapport du spectateur à la peinture. Il cherche dans ses œuvres singulières à toucher « le quotidien de la vie la plus commune ».(NDM)

 

Exposition du 29 juin au 2 novembre 2025.

**** Judit EIGL :   « L’Envol. Dessins et peintures (1945-2012) »

 

« le LAAC présente « Judit Reigl, L’Envol. Dessins et peintures (1945-2012) », une exposition qui met en lumière l’œuvre dessiné de Judit Reigl, artiste d’origine hongroise, à travers ses grandes séries emblématiques et en dialogue avec son œuvre peinte.

Judit Reigl, surtout reconnue pour son œuvre picturale, a constamment redéfini le rôle du dessin dans sa démarche artistique. En prolongeant sur papier ses recherches menées sur toile (et inversement), elle a exploré, à travers l’encre de Chine ou le fusain, les frontières entre abstraction et figuration. Alternant grands et petits formats, l’artiste a tissé des liens entre le geste, le son et la représentation en deux dimensions. Son travail a évolué de l’abstraction vers une calligraphie expressive, jusqu’à l’émergence de formes humaines.

« Judit Reigl, L’Envol. Dessins et peintures (1945-2012) » met en lumière l’œuvre dessiné de cette artiste d’origine hongroise à travers ses grandes séries emblématiques et en dialogue avec son œuvre peinte, des « Éclatements » (1954) aux « Oiseaux » (2012). Portée par le geste et la dynamique du corps, Judit Reigl a toujours refusé de s’enfermer dans un seul courant artistique. Cette exposition itinérante s’installe à Dunkerque après sa présentation au musée des Beaux-Arts de Caen." (NDM)

 

Exposition du 26 avril au 14 septembre 2025

**** NOS PIEDS D’ARGILE

 

« L'exposition « Nos pieds d'argile », conçue par matali crasset et présentée à l'église Saint-Pierre de Firminy-Vert - Site Le Corbusier, propose une réflexion collective sur la fragilité de l'être humain et sa relation à l'environnement. Le parcours dévoile une série de projets design qui encouragent à réparer, réhabiliter et préparer le terrain pour un futur durable.

Une exposition en trois étapes (avec trois projets chacun) pour analyser, raconter et changer nos pratiques :

1. Nous réparons le terrain (du commun) à l'aide d'un dispositif/espace qui nous invite à se fédérer pour se poser les bonnes questions et d'une installation à l'extérieur du lieu d'exposition pour activer un séchoir collectif avec les étudiants de l'école Head.

2. Nous réhabitons le terrain avec trois réalisations pour s'ancrer en faisant le point sur nos attaches, convoquer des récits situés et donner à voir un territoire.

3. Nous préparons le terrain avec l'exposition du démonstrateur échelle 1 d'une habitation pragmatique, pensée pour une interaction avec son milieu et pour restituer à la terre.

Enfin, le projet se conclut par la création de deux fantaisies, deux œuvres qui prolongent le réel pour mieux s'en échapper, avec des associations inattendues pour tenter de retrouver une certaine légèreté. L'exposition propose un espace-temps spécifique : penser le passé comme au-dessous de nous plutôt que de le penser à l'arrière de nous. Comme le suggère David Abram : « Le passé loin d'être ce qui s'éloigne à mesure que nous avançons dans le monde, serait le sol même sur lequel nous progressons – tout composé qu'il est de l'archive des vivants et de leurs corps (branches, feuilles, racines, squelettes...) déposés, couches après couches, et constituant ainsi l'humus sur lequel nous marchons ». Le sol de l'exposition est recouvert de copeaux de bois et la scénographie active les nombreux gradins de l'espace. » (NDM)

 

Exposition du 18 avril 2025 au 11 janvier 2026.

**** Raoul Dufy : un artiste visionnaire au service de la mode

 

Raoul Dufy (1877-1953), peintre, dessinateur, graveur et décorateur français, est reconnu pour son style unique, caractérisé par des couleurs vives et des motifs dynamiques. Son œuvre, ancrée dans la modernité de son époque, a profondément influencé les arts décoratifs et la mode. Dès les années 1920, Dufy collabore avec la prestigieuse maison de soierie Bianchini-Férier et le grand couturier Paul Poiret, créant des motifs audacieux qui révolutionnent l'industrie textile.

Une collaboration exceptionnelle avec Brochier Soieries de Lyon

Cette exposition est réalisée en co-commissariat avec la Maison Brochier Soieries et Bianchini-Férier, qui ont joué un rôle essentiel dans la diffusion des créations de Dufy. Elle réunira plus de 25 robes, signées Paul Poiret et d'autres grands noms de la haute couture, ainsi que des costumes de scène.

Un voyage au cœur de l'univers de Dufy

En plus des robes, près de 60 motifs, gouaches, dessins, tissus et soies tendues seront présentés, explorant les thématiques chères à l'artiste : les animaux, la mythologie, les fleurs, l'abstraction et les scènes de vie. Une scénographie immersive et lumineuse, évoquant un atelier de soierie et d'essai, plongea le visiteur dans l'atmosphère créative de l'époque.

Des prêts prestigieux en résonance avec l'anniversaire du Festival international de mode à Hyères

L'exposition bénéficiera de prêts exceptionnels de la Maison Brochier Soieries et de prestigieuses maisons de haute couture... Elle se tient, opportunément au moment où la Villa Noailles, institution emblématique de la mode et de la haute couture célèbre le 40 e anniversaire du Festival international de mode, de photographie et d'accessoires. (NDM)

 

Exposition du 18 juillet au 16 novembre 2025