**** AUX FRONTIERES DE L'ART BRUT : Pierre AMOURETTE - Gabriel AUDEBERT - Mohamed BABAHOUM - Jean BRANCIARD - Etty BUZYN - Marc DECIMO - Roger LORANCE - Patrick NAVAÏ - Marion OSTER - Jon SARKIN - Shinichi SAWADA - Ronan-Jim SEVELLEC - Ghyslaine et Sylvain STAELENS - Yoshihiro WATANABE 

 

**** Parmi les exposants : 

JEAN BRANCIARD : BRANCIARD   JEAN :  ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS http://jeaninerivais.jimdo.com/ Festivals Banne 2010. Et TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "LES VEHICULES ROUILLES DE JEAN BRANCIARD" FESTIVALS, VIIe BIENNALE des Z'ARTS SINGULIERS ET INNOVANTS DE SAINT-ETIENNE 2020

 

MARION OSTER : OSTER MARION dite LUCRECE : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "MARION HANNA, AUX PRECIEUX BIJOUX" :  Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ART CONTEMPORAIN

 

GHISLAINE ET SYLVAIN STAELENS : ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : RETOUR SUR LE PRINTEMPS DES SINGULIERS 2003.  Entretien http://jeaninerivais.fr Festivals Ancien site IIe Biennale Lyon 2007. ET AUSSI : TEXTE : " http://jeaninerivais.jimdo.com/ QUAND S'OUVRE LE COCON, dans l'œuvre de SYLVAIN et GHISLAINE STAELENS, sculpteurs" : ART SINGULIER

Actuellement et jusqu’à sa restitution

L’Assemblée nationale et le Sénat ont adopté un projet de loi relatif à la restitution de 15 œuvres d’art aux ayants droit de leurs propriétaires victimes de persécutions antisémites.

 

Le Père (1911) de Marc Chagall sera donc restitué prochainement aux descendants de David Cender, premier propriétaire de l’œuvre. Inscrite à l’inventaire du Musée national d’art moderne, en dépôt au mahJ depuis son ouverture en 1998, cette huile sur toile était présentée en 2021 dans l’exposition « Chagall, Modigliani, Soutine... Paris pour école, 1905-1940 ». Elle fait l’objet d’un ultime accrochage dans les salles du mahJ, à partir du 23 février 2022, et jusqu’à sa restitution.

 

**** Yosef Joseph Yaakov Dadoune. "Le Cri des fleurs"

 

"Autour de l'exposition « Joseph Dadoune »

Le mahJ invite l'artiste Yosef Joseph Yaakov Dadoune à investir les espaces du musée avec des œuvres emblématiques de son parcours et de ses questionnements.

Né à Nice en 1975, Yosef Joseph Yaakov Dadoune a vécu entre le Midi de la France et Ofakim, une ville de développement dans le Néguev à la frontière de Gaza. Cette double culture, son sentiment d’être à la fois d’ici et d’ailleurs, et d’appartenir à la périphérie, nourrit une œuvre mêlant performances, films, chorégraphies, photographies, dessins et peintures.

Invité au mahJ, Joseph Dadoune investit la galerie contemporaine, la chambre du duc et la bibliothèque. Il a choisi d’y présenter des œuvres distantes de plus de quinze ans, une manière de souligner les fondements qui l’irriguent.

Dans la chambre du Duc, il projette, Sion, un film tourné en noir et blanc en 2006 au Louvre. L’actrice Ronit Elkabetz y incarne une femme venue du désert, toute de noir vêtue, qui erre, solitaire, des salles égyptiennes aux décors sculptés de Korsabad, jusqu’aux peintures françaises du XIX siècle. Traversant le temps et les civilisations, elle personnifie le destin juif et son errance.

Dans la galerie contemporaine sont présentées les œuvres les plus récentes. Ce sont de grands dessins au fusain de fleurs déracinées (2022), inspirées par les végétaux qui poussent presque sans eau à la bordure du désert, comme les palmiers, les chardons, ou les asphodèles.  Pour l’artiste, ses fleurs « se lamentent et incarnent des femmes meurtries, des femmes abimées par leur destin. Qui les entend ? Le vent répond à leur désespoir en leur envoyant un souffle de vie. A la sauvagerie de ces fleurs noires correspond la noirceur d’une humanité en guerre. Les fleurs combattent et résistent. Elles restent debout. » 

L’exposition présente également une série de peintures rouges où apparaissent des hybridations entre organes et végétaux, des tiges épineuses qui se métamorphosent en fils de fer barbelé. Pour l’artiste cette dernière série de 2023 a la couleur « du sang versé pour rester vivant ».

Enfin, dans la bibliothèque, Joseph Dadoune presente ses Carnets de voyage où depuis 2018 il capture au pastel la lumière des villes traversées de Lisbonne à Venise, en passant par Jérusalem.

Yosef Joseph Yaakov Dadoune vit et travaille à Paris. Ses œuvres sont notamment conservées au Centre Pompidou, au musée du Louvre, au musée d’Israël à Jérusalem et au musée de Petah Tikva." (NDM)

 

Exposition jusqu'au 8 novembre 2023.

**** SALONIQUE "JERUSALEM DES BALKANS" 1870-1920. La donation Pierre de Gigord.

 

"Ville cosmopolite, comme d’autres grands ports du Levant, Salonique – la Thessalonique grecque sous l’Empire ottoman – fut longtemps une cite juive ou les commerçants, toutes confessions confondues, fermaient le samedi et durant les fêtes juives. Les 150 œuvres de l'exposition du mahJ restituent l’histoire de Salonique de la seconde moitié du XIXe siècle à la fin de la Première Guerre mondiale.

Le don de près de 400 photographies et documents au mahJ par Pierre de Gigord, grand collectionneur dévoué à l’histoire de l’Empire ottoman, à l’œil avisé et à l’admirable générosité, constituent un enrichissement majeur pour le mahJ, dont la collection est désormais une référence sur la « Jérusalem des Balkans ». Les tirages albuminés du premier photographe local, Paul Zepdji, les négatifs sur plaques de verre inédits d’Ali Eniss, drogman (interprète) au consulat d’Allemagne, amateur passionné auteur d’une vivante chronique photographique de la ville, font revivre un monde disparu. Ce sont aussi des autochromes, des albums de photographes amateurs, des documents du service photographique de l’armée d’Orient, des cartes postales, brochures et magazines qui racontent la vie de la cité."(NDM)

 

Exposition jusqu'au 21 avril 2024.

**** AUX ORIGINES DE L'IMAGE SACREE

 

Icônes du musée national des arts Bohdan et Varvara Khanenko de Kyiv

 

Exposition jusqu'au 6 novembre 2023.

 

**** SYLC : Peintures.

 

" En  associant  fréquemment  l ’Humain  à  l'animal  ou   au  végétal, l’artiste met en lumière les liens tissés entre les êtres et ceux que nous entretenons avec la nature ; elle met en avant l’hybridation et la métamorphose, symboles de la complexité de nos personnalités, mais aussi de l’adaptation , du renouveau e t d e l’évolution perpétuelle de notre identité. Les corps sont traités avec délicatesse et transparence comme pour mieux détacher l’âme de l’enveloppe corporelle. SylC s’intéresse aussi au passage délicat de l’enfance au monde adulte, à la perte d’innocence qui en découle, à notre construction progressive en tant qu’individu. Comme pour nous éveiller davantage, l’artiste joue délicieusement avec nos sens en utilisant l’espace existant entre le spectateur et

l’œuvre tel un révélateur. Elle cherche ainsi à faire naître en nous des sensations et des perceptions intimes, faisant émerger des é m o t i o n s e t d e s s e n t i m e n t s p r o f o n d s q u i n o u s r e n d e n t

soudainement si Humain...

Par ce biais, SylC fait appel à notre inconscient et dévoile ce qui ne se voit pas. Son travail s’attache à remonter jusqu’à l’origine des choses, à un voyage jusqu’à la source où s’entrechoquent le dicible et l’indicible. Derrière l e s v i s i o n s ét h é ré e s et fa nta s m a go r i q u e s d e Sy l C s décèle pourtant une certaine réalité. Mais l’artiste nous incite dans la lecture de son œuvre emplie de mystères à regarder plus loin , nous encourageant à d é co u v r i r d e n o u ve a u x te r r i to i re s , infinis, et encore inconnus de notre perception." (NDM)

 

VOIR AUSSI : ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : http://jeaninerivais.jimdo.com/ : "COURANTS D'ARTS" NOTTONVILLE 2007.

 

Exposition du 29 juin au 15 octobre 2023.

**** YVES ZURSTRASSEN : "Jouer la peinture".

 

"À travers une sélection d’œuvres, Jean-Louis Andral, directeur du Musée Picasso, s’attache à explorer le plaisir du jeu inhérent à la pratique picturale d’Yves Zurstrassen. Cette sélection s’établit en cinq séquences, déployées dans les salles d’expositions du Musée Picasso à Antibes. Elle comprend une série de petits formats, d’huiles sur papier peintes entre 2006 et 2009, qui répertorie des formes et des gestes fondateurs aux évocations pariétales ainsi qu’une sélection de peintures de grands formats, réalisée entre 2010 et 2019, qui déploie la variété des jeux par laquelle se construit la vision picturale de l’artiste. L’exposition présente également deux ensembles récents, achevés en 2022, composés de variations sur un même thème – intitulé ENIGMA pour l’un, INDIGO pour l’autre – qui remettent les règles en jeu pour mieux les réactiver. Enfin, la dernière séquence dévoile une suite de « recollages » de 2021 et 2023 qui se joue des fragments récoltés durant le processus de collage/décollage propre à Yves Zurstrassen, en les associant dans de nouvelles compositions.

Cette sélection, aussi singulière que précise, donne à voir ce que la joie et le jeu de peindre ont d’essentiel dans un parcours de plusieurs décennies ainsi que la très grande cohérence à laquelle l’historien et curateur Bernard Ceysson rend hommage en la restituant dans son contexte historique et international. L’exposition est accompagnée par la publication d’un catalogue intitulé Yves Zurstrassen. Jouer la peinture, avec des textes de Jean-Louis Andral et Bernard Ceysson.

 Pour l’exposition d’Antibes, que je suis curieux de voir, car je ne peindrai plus de la même manière après, les tableaux qui ont été choisis n’ont quasiment jamais été montrés, et cela m’a permis de ressortir des toiles dont je vais retravailler les fonds différemment. Il existe en effet des tableaux où je trouve une gestualité dans le fond que je n’ai pas encore assez développée. Je vais rechercher des tableaux exécutés il y a huit ou dix ans, parfois des petits formats, parce que cela me nourrit. C’est l’image, c’est l’œil en mouvement qui me donne envie d’agrandir, de peindre différemment. Il y a des œuvres qui ne dégagent rien, il y en a d’autres desquelles émane une énergie dynamisante. Picasso gardait régulièrement dans ses ateliers des toiles qu’il aimait et qu’il ne voulait pas vendre, pour qu’elles restent près de lui, comme matrices éventuelles à d’autres tableaux. La présence physique des toiles dans l’atelier est aussi très importante pour moi. Certaines peuvent partir, d’autres doivent rester. Maintenant je pense que j’ai dans mes ateliers de quoi nourrir plusieurs vies. J’aimerais bien encore peindre pendant longtemps dans la même immense ivresse, parce qu’il y a trop de nouveaux horizons que j’ai envie d’ouvrir, en continuant de toujours jouer la peinture. » Propos recueillis par Jean-Louis Andral, Bruxelles, le 19 avril 2023

 

Exposition du 14 octobre 2023 au 7 janvier 2024.

**** HARTUNG ET BERGMAN : "Entre rêve et science : Cosmic trip"

 

"la Fondation Hartung-Bergman présente dans sa villa-atelier d’Antibes une exposition consacrée aux visions cosmiques et plus généralement aux rapports rêvés avec les sciences de Hans Hartung (1904-1989) et d’Anna-Eva Bergman (1909-1987). À travers un large choix de peintures, dessins, sculptures, photographies et d’archives, elle permettra de mieux comprendre les procédés plastiques des deux artistes, notamment leur usage compositionnel du nombre d’or, et de faire une expérience hypnotique voire hallucinatoire devant certains de leurs chefs-d’œuvre, dont les nappes de T1973-R32 qu’on croirait directement inspirées du 2001 de Stanley Kubrick...

Les œuvres d’Anna-Eva Bergman et de Hans Hartung sont pour nombre d’entre elles dotées d’une impressionnante dimension cosmique : chacune dans leur registre propre, elles évoquent les effets d’apesanteur, la gravité des astres, les trous noirs, les quasars. Comme l’explique l’astrophysicien Étienne Klein (associé à cette exposition), on verra qu’elles semblent même anticiper intuitivement, pour certaines, des observations astrophysiques très récentes. Parmi les preuves de leur fascination pour la conquête spatiale, on sait qu’Anna-Eva Bergman conserva tous les Paris-Match consacrés à la mission Apollo 11, et produisit, souvent à la feuille d’argent, d’extraordinaires visions lunaires en 1969-1970.

Cependant, bien avant d’être fascinés par la conquête spatiale, Hartung et Bergman s’intéressèrent dès les années 1920 aux vertus du nombre d’or. Le premier fut même considéré lors de sa première exposition en 1931 comme un créateur à la peinture «mathématique» et il osa en outre faire de ses leçons d’algèbre au lycée des œuvres à part entière ! Quant à Bergman, ses études sur les justes proportions, aux limites de l’alchimie parfois, sont pléthores entre 1946 et 1952 et servent chez elle une ambition extraordinaire : accéder à un plan supérieur, une sorte de plan spirituel et astral, au-delà de l’univers tangible, la science étant toujours sœur du rêve.

Il sera également question dans cette exposition de passions géologiques et d’expérimentations photographiques. On reviendra par ailleurs sur la performance d’Abraham Poincheval (galerie Perrotin, 2021) lorsqu’il se lança dans une exploration mentale d’une semaine devant une seule et même œuvre de Hans Hartung de 1989 (qui a fini par s’apparenter à une planète à ses yeux), le tout ayant été accompagné d’une captation de son activité neuro-cérébrale.

 

L’exposition prenant place dans les espaces de la Fondation Hartung-Bergman, elle permettra au visiteur de saisir, dans le parc environnant, l’univers de sensations telluriques et cosmiques qu’éprouvaient les deux artistes et leur cadre de création avec, en point d’orgue, encore et toujours l’extraordinaire atelier de Hans Hartung. Pour prolonger le voyage onirique dans des projections volcaniques de couleur." (NDM)

 

Exposition du 1er mai au 30 septembre 2023.

**** Caroline Le Méhauté, Cécile Le Talec, Ingrid Luche : « Nos Fières Allures »

 

"Les artistes Caroline Le Méhauté, Cécile Le Talec et Ingrid Luche ont été invitées par Le Quadrilatère à proposer des regards sensibles sur cette partie de la ville dont la topographie constitue tout à la fois une frontière et une passerelle entre le centre historique de Beauvais et le coteau St Jean. Dans cet espace fragile, traversé par le Thérain, les sculptures, œuvres éphémères et performances s’entremêlent aux énergies humaines, minérales et végétales du site.

Le parcours se construit et se partage avec les habitants depuis septembre 2022 au travers de nombreuses actions participatives dans les quartiers : promenades dessinées, ateliers de cartographie sensible, rencontre avec les artistes, ou encore joggings culturels sont autant d’invitations à explorer le territoire et à partager perceptions et témoignages s Caroline Le Méhauté, artiste invitée par Le Quadrilatère pour une résidence de création sur son territoire, fera appel aux volontaires pour une activation à grande échelle de ses bombes de graines. Ses œuvres sont présentées en résonance à la Triennale Art & Industrie – Dunkerque/Hauts-de-France qui - sous le titre Chaleurs Humaines - fédère en 2023 un large réseau d’acteurs du champ des arts visuels de la Région autour de l’enjeu des transitions énergétiques.

Cécile Le Talec réalisera une performance avec le compositeur Francisco Alvarado : ils présenteront une création sonore originale conçue pour la sculpture (Flux) en partenariat avec le CRD - Conservatoire du Beauvaisis.

Ingrid Luche révèlera quant à elle deux Portes (InDOORS) conçues pour Beauvais à l’emplacement historique des « Entrées de ville » de la cité. Ses œuvres sont produites par le programme Mondes Nouveaux mis en œuvre par le ministère de la Culture dans le cadre de France Relance, en partenariat avec la Ville de Beauvais.

Rendu possible grâce aux échanges et contributions de nombreux services de la Ville et ses partenaires, ce premier parcours d’art contemporain de Beauvais s’inscrit dans une ambitieuse politique culturelle de territoire qui vise à développer l’art dans la ville, au plus proche des habitants." (NDM)

 

Exposition jusqu'au 27 novembre 2023.

**** ABSALON, John M. ARMLEDER, Pierre BARÈS, Karina BISCH , JEAN-MARI BLANCHET, Pauline BOUDRY / Renate LORENZ, Yves CHAUDOUËT, Stéphanie CHERPIN STÉPHANIE, Claude CLOSKY, Stéphane DAFFLON, Richard FAUGUET, Dominique GHESQUiÈRE, John GiORNO,  Alexander GUTKE, Louise HERVÉ & Clovis MAILLET, Joël HUBAUT, IFP, Florence JUNG, Imi KNOEBEL, Jeff KOONS, Pierre LABAT, Quentin LEFRANC, Richard LONG, Nicolas MILHÉ, Adrien MISSIKA, Joachim MOGARRA, Roman OPALKA, Serge PROVOST, Delphine REIST, Claude RUTAULT, Davide-Christelle SANVEE, Reena SPAULINGS, Haim STEINBACH, Didier VERMEIREN, Heimo ZOBERNIG : "Parler avec elles".

 

"Lorsqu’une création ne peut être conservée dans son état originel dans les réserves d’une collection, l’artiste accompagne le contrat de vente d’une série de documents (consignes, photographies, plans de montage…) qui permettent de reconstruire l’œuvre au plus près de sa forme initiale. Émilie Parendeau mène depuis de longues années un travail qui est de réfléchir à un ensemble de points, voire de problèmes, que soulèvent les oeuvres reposant sur des protocoles, car celles-ci nécessitent systématiquement un travail pour être exposées, un travail de documentation, de compréhension, de lecture et, inévitablement, d’interprétation. Si toutes les œuvres impliquent quelque chose à accomplir au moment de leur présentation, elles partagent un point commun, la nécessité que quelqu’un les mette concrètement en oeuvre.

S’il s’agit pour Émilie Parendeau de parler avec elles – les oeuvres, il s’agit aussi pour l’artiste de créer un espace partagé et de composer une exposition avec toutes celles et ceux qui concrètement la fabrique.

 

     Émilie Parendeau a ainsi choisi de faire dialoguer les oeuvres du peintre Claude Rutault, qui a fait de la délégation un principe de travail laissant à la personne qui souhaite voir sa peinture le soin de la réaliser, avec un ensemble d’oeuvres du Frac, rarement montrées, notamment CLOM TROC (blanc) (1999) de Joël Hubaut. Elle a également souhaité associer trois artistes, Florence Jung, Delphine Reist et Davide-Christelle Sanvee, pour les inviter à produire des oeuvres spécifiques dans le cadre de cette exposition.(NDM)

 

Exposition du 14 octobre 2023 au 3 mars 2024. 

**** JEAN-PHILIPPE ROUBAUD : "Didascalie 6 : A l'ombre de la lumière"

 

"Dès l’entrée, l’exposition consacrée à Jean Philippe Roubaud interpelle le visiteur. Car si son œuvre a pour cœur le dessin, celui-ci ne se limite pas à apparaitre sur un traditionnel morceau de papier. De multiples supports se déploient dans l’espace : céramique, pan de mur, carrelage, l’artiste s’applique à explorer les marges de sa technique. Au-delà de la question de sa matérialité, c’est la place du dessin dans l’Histoire de l’Art qu’il questionne. Prenant le contrepied d’un medium souvent relégué à une position d’ébauche et à une intimité imposée, il revendique l’autonomie du dessin, et ce, quel que soit son support. Explorant les représentations passées, il possède une connaissance précise des normes, codifications et hiérarchies qui se sont appliquées à cette pratique à travers le temps. Le dessinateur le sait, connaitre les choses c’est s’en affranchir. Son voyage dans l’histoire de l’art se double d’un cheminement personnel comme en témoigne les nombreux autoportraits déployés dans l’exposition. L’artiste se regarde sans fard, sans pudeur, il s’étudie avec minutie. Il ausculte son corps avec une précision médicale et se projette au seuil de sa vieillesse et de sa mort. Ainsi, devient-il son propre matériau de réflexion et de création. Les dessins qu’il tire de cette étude sont baignés d’une aura de solitude et de douleur. On y décèle, les heures de travail passées dans l’isolement de l’atelier. La précision des détails, les aplats noir profond, la profusion de symboles, tout dans ses réalisations laisse percevoir l’investissement absolu et le caractère perfectionniste de leur créateur.

L’œuvre de Jean Philippe Roubaud est cependant loin d’être austère et pontifiante. L’artiste y distille un humour qui oscille entre ironie et impertinence. Ici un geste d’humeur, là un regard malicieux. Il joue à multiplier les irrévérences. De plus, les nombreuses références qu’il convoque dans ses dessins s’entrechoquent dans un étrange ensemble. Le dessinateur s’amuse à rapprocher culture savante et culture populaire. Car, loin de tout élitisme et tel un adolescent exalté, Jean Philippe Roubaud cherche à perturber l’ordre établi. Ainsi, la science-fiction côtoie l’antiquité. Ctuhlhu et fuit hic devenant des locutions échappées d’un royaume disparu, caché au cœur de l’imagination du dessinateur. Cette espièglerie se retrouve dans le traitement qu’il réserve aux céramiques. Refusant de basculer dans l’ornemental, il n’hésite pas à briser les assiettes qui lui servent de support. Les ébrécher c’est, non seulement refuser la dimension décorative de ces objets mais également se positionner contre l’esthétisation qui menace un art contemporain vidé de son sens. Dans le même esprit, l’artiste joue avec les codes de l’exposition, laissant volontairement une partie de ses œuvres invisibles au visiteur. Le retable sera tantôt ouvert, tantôt fermé, et les dessins enfermés dans les coffres demeureront invisibles aux yeux du public. Jouer avec la frustration et inciter l’imagination à prendre le relais fait partie de sa démarche artistique. En effet, ses compositions provoquent une réflexion sur ce qui se trouve au-delà des frontières matérielles. Où conduit ce chemin que nous indique le squelette ? Qu’y a-t-il derrière ce pan de mur déchiré ? En ajoutant des univers que nous ne reconnaissons pas et en présentant un peuple d’ombres mystérieuses qui hantent les arrières plans des toiles historiques, les œuvres nous confrontent à des questionnements que nous chassons d’ordinaire bien vite de nos esprits. L’artiste devient philosophe, et, dans les entrailles du Suquet, il accompagne le visiteur pas à pas en quête de réponses à ces multiples interrogations.

C’est, en effet, à un voyage initiatique que nous invite cette exposition, suivant le cheminement à la fois physique et métaphorique tracé par les alchimistes. Jean Philippe Roubaud propose au visiteur de se joindre à lui et d’affronter l’obscurité pour y découvrir la lumière. Paradoxalement, c’est sous terre, dans les salles voutées de ce qui fut une morgue, que l’horizon s’ouvre finalement. Pour y parvenir il faut, auparavant, traverser des ruines archéologiques et se confronter à l’idée de la mort. Reprenant le topos du Memento Mori, l’artiste l’adapte à la société contemporaine. Ses vanités ne nous somment pas de respecter des préceptes religieux précis mais questionnent notre rapport au monde et à la société moderne, à l’aspect éphémère de la vie. Une réflexion longuement murie par l’artiste. A l’ombre de la lumière, son sixième projet, est un chapitre qui synthétise l’ensemble des réflexions et des expérimentations de son œuvre qui tend à être à la fois personnelle et universelle". Hanna Baudet

 

Exposition du 24 septembre 2023 au 21 janvier 2024.

****  Cathryn Boch, Jordi Colomer, Suzanne Husky, Michèle Magema (accompagnée par Julie Crenn), Kathleen Petyarre (accompagnée par Stéphane Jacob), Abraham Poincheval, Eric Tabuchi & Nelly Monnier (ARN), Capucine Vever, Brankica Zilovic :  "Dans l’épaisseur de nos lisières, là où naissent les dragons »

 

"Le Domaine de Chamarande propose un nouveau cycle d’expositions dans et hors-les-murs, s’intéressant cette fois à une notion au cœur de son identité : le territoire.

Elle offrira une traversée au sein de neuf univers artistiques  qui, chacun à leur manière, illustre une relation particulière à la notion de « territoire ». Que ce soit par le dessin, la peinture ou la sculpture, mais aussi par la performance, la vidéo ou un travail textile, chaque artiste invite le visiteur à s’immerger dans une nouvelle forme de « territoire », qui ne se laisse pas enclore dans les catégories traditionnelles. Le rêve et le réel, le vécu et le mémoriel, le sensible et l’intelligible, l’espace et le temps s’agencent dans leurs œuvres au sein de nouvelles constellations, brèves et inédites.

Ces territoires exigent de nouvelles esthétiques : ils ont besoin d’images, de formes et de matières pour s’imprimer à la surface de nos rétines et de nos sens. Ils demandent une nouvelle cartographie, qui ne se contenterait plus d’être le simple calque des rapports de domination et d’exploitation, pour se donner comme un outil de compréhension voire de création des nouveaux mondes et de leurs habitants. Ils attendent d’être dessinés, racontés, incarnés. C’est à quelques-uns de ces récits qu’est consacrée cette exposition. "Gilles Rion

 

Exposition du 15 avril au 15 octobre 2023.

**** ABRAHAM POINCHEVAL : "Un continent liquide"

 

Exposition du 3 juin au 26 novembre 2023.

 

**** MARIE DENIS  : "French Touch"

 

Exposition du 3 juin au 17 septembre 2023.

 

**** Dans l'épaisseur de nos lisières, où naissent les dragons". 

 

Exposition jusqu'au 15 octobre 2023

 

 **** LIONEL SABATTÉ : "Pollens clandestins"

 

" La matière du vivant et le dialogue que l’artiste a mené avec Chambord sont les fils conducteurs de l’exposition. Constituée de 150 œuvres, dont la plupart ont été réalisées pour cette occasion, l’exposition est la plus importante de l’artiste à ce jour.

Lionel Sabatté concentre sa pensée et son travail sur l’informe, la corrosion et les matières dévalorisées, telles que la rouille ou la poussière. Il redonne vie à ce que nous avons déchu. Son rapport intime avec la nature, l’animal et la renaissance rend la présence de l’artiste évidente au sein du Domaine national de Chambord, avec son parc de 5 540 hectares, clos d’un mur de 32 kilomètres de long, abritant une faune et une flore foisonnantes. Après le musée de la Chasse et de la Nature, la Maison rouge, le Museum d’Histoire naturelle, l’Aquarium de Paris, le MAMC + de Saint-Étienne et des expositions en Chine et aux États- Unis, Lionel Sabatté présentera un projet d’envergure au Domaine national de Chambord après ses trois mois de résidence." (NDM)

 

Résidence à partir du 17 février

Exposition du 14 mai au 17 septembre 2023

**** Françoise Augustine, Dave Baranes, Bertrand Bascoules, Constance Beltig, Annie Bertron, Florence Cadène, 100TAUR, Janik Coat, Crey 132, Dominique Damarzit, Yves David, Daphné Dejay, Jo Di Bona, Estelle RNX, Jérôme Festy, William Geffroy, Colette Grandgérard, Daniel Ibled, Ruta Jusionyte, Béatrice Koster, Elisabeth Lincot, Indra Milo, M.Chat, Mosko, Catherine Musnier, Marcello Pettineo, Véronique Porot, Jean-Michel Pradel-Fraysse, Alexis Raoult, Sax, Francisco Sepulveda, Ingrid Stubinger.

 

"Considéré longtemps comme un sujet mineur ou futile, l’animal est présent dans l’histoire sociale, culturelle ou religieuse. Beaucoup d’animaux appartiennent à la légende et croyances et figurent dans les représentations de nombreuses civilisations. Comment les artistes représentent l'animal aujourd’hui ? Le potentiel plastique et poétique du bestiaire semble inépuisable.

Derrière l'animal, il y a l'homme et ses questionnements : instincts sauvages, peur de l'extinction, fascination inquiète face à l'altérité. La question animale est devenue essentielle, à l'heure où les espèces sont menacées.

Le temps d’une exposition, l’Espace Art et Liberté se transforme en une grande réserve où se côtoient animaux sauvages et domestiques. Cette exposition offre un large éventail de techniques et d’univers. Un thème ancestral proposant des approches sans cesse renouvelées et des trésors d’inventivité. Une exposition haute en couleur, à partager en famille. F. Mette

 

VOIR AUSSI : RUTA JUSIONYTE : ENTRETIEN DE JEANINE RIVAIS AVEC RUTA : http://jeaninerivais.fr FESTIVALS, BANNE 2006

**** YVES ZURSTRASSEN 

 

"Ce qui frappe dans l’œuvre, c’est la reprise de motifs, de détails, d’un tableau à l’autre, d’une époque à une autre. Ce qui pourrait discrètement et radicalement transformer la matière d’un futur tableau peut ailleurs être le tableau tout entier. Yves Zurstrassen travaille sans cesse cette approche des profondeurs à variation multiple. C’est en 1999 qu’il commence à composer avec des éléments découpés dans des travaux précédents ou des journaux. Des collages, qui seront bientôt détachés de la surface de la toile, retirant ainsi la peinture et laissant apparaître la réserve, ou l’impression de la peinture dont le fragment de collage est enduit. L’artiste joue avec les fragments, colle et décolle, d’autant plus facilement quand le numérique s’en mêle. À partir de 2005, il adopte cette technologie pour intervenir sur des images, citations empruntées à des tableaux, à l’espace urbain, comme au quotidien, avant de s’en servir pour ses « collages-décollages ». Cette même année, une traceuse numérique sera installée dans l’atelier et lui permettra de réaliser des pochoirs en papier. Dans un premier temps, ces motifs seront déposés sur la composition puis lui serviront de fond. Autant d’explications données à la faveur d’Yves Zurstrassen-Free, à BOZAR (Bruxelles), en 2019-2020.

À cette occasion, Olivier Kaeppelin, le commissaire de l’exposition, expliquait encore : «L’œuvre emprunte des chemins, qu’Yves Zurstrassen parcourt pour se les approprier, afin de les interpréter, les ‘défaire’, enfin... les oublier pour construire sa partition, son attitude mentale qui est de préparer l’irruption de la surprise. Il l’affirme clairement : “J’ai besoin de casser le système que j’ai moi-même construit. J’ai besoin de ce rythme : affirmation, répétition, rupture. Mettre en question les systèmes que je développe m’enrichit, me recharge, me permet d’exister.” J’y vois le principe vitaliste qui anime son œuvre. Il se rapproche de la neurobiologie, de la neurogénétique qui font de l’expérience de la surprise, un des processus essentiels de notre activité neuronale, fuyant l’anémie cérébrale. J’y devine l’origine de cette joie qui rayonne dans son œuvre lui évitant d’être le copiste de lui-même. » (NDM)

 

Exposition du 1er avril au 23 octobre 2023.

**** Amina Agueznay, Vanessa Barragão, Gustavo Caboco, Arnaud Cohen, Eglé Ganda Bogdadiené, Severija Inčirauskaitė-Kriaunevičienė, Lina Jonikè, Morta Jonynaité, Guda Koster, Mehdi-Georges Lahlou, Krista Leesi, Roméo Mivekannin, Laima Oržekauskiené, Eglé Ridikaité, Jurga Šarapova, Ana Silva, Moffat Takadiwa, Peter Taylor, Joana Vasconcelos, Jeanne Vicerial, Monika Žaltauskaitė Grašienė Žaltė, Group White Moths (Auste Jurgelionyte-Varne, Karolin Kuncinaite, Migle Lebednykaite, Ras Leonaviciute, Laur Pavilonyte-Ežerskiene, Julij Vosyliute.

 

"L’exposition aborde l’imaginaire sous plusieurs angles de manière large et au sens collectif du terme. La sélection des œuvres contemporaines est effectuée en lien étroit avec leurs auteurs, artistes ou autres créateurs des cinq continents. À celles-ci, s’ajoutent également plusieurs pièces patrimoniales extra-européennes qui témoignent de points de vue sur le monde très différents. La mise en résonance de ces œuvres, entre patrimoine et création actuelle, se veut fertile et nourrissante, éclairante sur les multiples croyances humaines et leur matérialisation au fil du temps et des espaces.

Les différentes propositions faites par les artistes se sont regroupées autour des grands thèmes suivants : Imaginer une autre histoire commune - Imaginer un monde nouveau soucieux de l’environnement - Imaginer de nouvelles pratiques artistiques et de nouvelles consommations - Imaginer un nouveau corps et de nouvelles matières pour le parer - Imaginer un monde nouveau où se croisent humour et illusion.

Ainsi l’exposition s’organise en un parcours sensible dans lequel les couleurs jouent le rôle de capteurs des sens. Une scénographie originale crée des surprises voulant s’adresser aux facultés émotionnelles des visiteurs, rendant possible l’écoute intime des voix des artistes et une création musicale liée aux œuvres présentées.

Imagine ! s’incarne par des propositions artistiques plurielles dont celles de 15 artistes de Lituanie et des pays baltes, grâce au commissariat partagé avec Severija Inčirauskaitė-Kriaunevičienė, artiste et responsable du département textile de l’Académie des Arts de Vilnius, ainsi qu’avec le musée national de Lituanie et le soutien de l’Institut culturel lituanien. Ces échanges annoncent la prochaine itinérance du FITE Imagine ! en Lituanie à l’été 2023." (NDM)

**** ALAIN LACOSTE : "Rêves et cauchemars"

 

VOIR AUSSI : ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : http://jeaninerivais.jimdo.com/  Rubrique RNTRETIENS. Et TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "QUOTIDIENS ET FANTASMAGORIES DANS L'ŒUVRE D'ALAIN LACOSTE, PEINTRE ET SCULPTEUR" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ ART SINGULIER.

 

Vernissage samedi 4 mars à 15h.

Exposition du 4 mars au 1er octobre 2023.

 

**** CLAUDE CORNU : "Le féminin sacré".

 

Vernissage le 2 juillet à 16h.

Exposition du 2 juillet au 31 octobre 2023.

 

**** JOHAN CRETEN ; "Le cœur qui déborde".

 

" Le Centre des monuments nationaux invite l’artiste Johan Creten pour une exposition carte blanche à l’abbaye de Beaulieu-en-Rouergue. Près d'une quarantaine d'œuvres dont 35 inédites, investissent la nef, le cellier et la salle capitulaire de l’abbaye restaurée. Ces œuvres en céramique, bronze et résine dialoguent avec l’architecture épurée de l’abbaye cistercienne.

Précurseur dans le renouveau de la céramique dans l’art contemporain, Johan Creten est renommé pour ses sculptures allégoriques en céramique et en bronze. Il poursuit depuis les années 90 ses représentations d'un monde fait de poésie, de lyrisme et de mystères. Ses sculptures soulignent l'importance de la beauté dans son travail, tout en réaffirmant sa conscience humaniste et la résonance sociale et politique de sa pratique. Dans son processus de création, Johan Creten évoque le "Slow art" et la nécessité d'un retour à l'introspection et à l'exploration du monde avec ses tourments individuels et sociétaux.

Cette invitation à Johan Creten intervient un an après la réouverture de l'Abbaye Beaulieu-en-Rouergue, suite à une campagne de restauration et d'aménagement menée par le Centre des monuments nationaux pour la création d'un parcours muséal afin d'y présenter de manière pérenne la riche collection d'art moderne Brache-Bonnefoi.

Johan Creten propose une histoire à tiroirs, écrite avec de nombreuses références à l’art roman et gothique, aux mythologies religieuses et païennes, à la peinture et à l’abstraction. Dix Points d’observation (série Cirque) invitent les visiteurs à s’asseoir pour observer les œuvres et l’architecture de plusieurs points de vue. La nef accueille la série des hippocampes et des œuvres questionnant les enjeux du monde contemporain.

Dans le cellier, Johan Creten expose des reliefs inspirés par l’histoire de l’ornement roman et la symbolique des gloires, terrestre et céleste. The Herring, œuvre énigmatique en bronze doré à l’or blanc, évoque le poisson, symbole de la fertilité et de la vie, chargé d’une connotation spirituelle. Le Cœur qui déborde, dans la salle capitulaire, donne son nom à l’exposition. Le cœur des émotions, des sentiments, de la joie ; le chœur de l’abbaye. La mise en espace travaille au dialogue entre les formes du bronze, les voutes et les restes de peintures murales." (NDM)

 

Exposition du 10 juin au 1er octobre 2023.