**** ROBERTA GONZALEZ : 

 

Pour la première fois, le Centre Pompidou met à l’honneur Roberta González (1909-1976), artiste franco-espagnole active sur la scène parisienne et internationale à partir des années 1930. un ensemble de peintures, dessins, livres illustrés, objets d’art et pièces d’archives est présenté à l’occasion d’une donation de tableaux et dessins de la succession de l’artiste, qui viennent enrichir les œuvres acquises par le musée du vivant de l’artiste.                

D’une grande variété stylistique et technique, les œuvres de Roberta González portent principalement sur la figure féminine, déclinée en plusieurs identités et formes. Qu’elles soient naturalistes ou avant-gardistes, peintes ou dessinées, angoissées ou stoïques, ses paysannes, maternités et portraits portent tous un regard saisissant, teinté de nostalgie, et quelque peu méfiant, mais déterminé, qui scrute, qui questionne, qui analyse, à la manière de l’artiste elle-même, qui chemine vers sa voie artistique personnelle dans un monde chamboulé.

Les œuvres présentées au Centre Pompidou, datant principalement de la période 1935-1954, ouvrent une fenêtre sur une époque charnière dans la vie et l’œuvre de l’artiste. Ses femmes en postures tordues, dont la détresse s’accentue par leurs volumes éclatés et leurs formes distordues, sont sa réponse à la guerre qui frappe d’abord l’Espagne, pays d’origine de la famille González, avant de devenir une conflagration mondiale qui atteindra plus directement Roberta González et sa famille en France.      

Après la guerre, Roberta González cherche sa place sur la scène parisienne où tout avait changé. Pour aller vers l’avant, elle délaisse progressivement l’ombre de la guerre pour s’affirmer à la lumière de son style purement personnel. Celui-ci sera basé sur la dualité et les contrastes — ombre/lumière, figuration/abstraction, statisme/mouvement, obscurité/couleur, nostalgie/joie —, à l’image de l’artiste elle-même, à la fois française et espagnole, créatrice et promotrice de l’œuvre de son père, de caractère espiègle et joueur, mais aussi hautement sensible. La sélection d’œuvres de Roberta González sera enrichie de documents d’archives personnelles de l’artiste, des photographies, des dessins d’enfance et un extrait de son journal personnel inédit.

Pour mieux représenter la communauté créatrice à laquelle Roberta González faisait partie lors de la réalisation des œuvres exposées, elles sont présentées en dialogue avec une poignée d’œuvres de Julio González, son père, et du peintre abstrait allemand Hans Hartung, son premier mari. La longévité exceptionnelle de l’exposition qui durera un an donnera cours à un roulement des œuvres, permettant au public d’en optimiser leur découverte".  (NDM)

 

Exposition jusqu'au 9 mars 2025.

**** GILBERT PEYRE : "L'électroanomaniaque"

Et 

**** MALCOM DE CHAZAL

 

Vernissage le mardi 10 septembre à 18h30.

Exposition du 11 septembre 2024 au 19 janvier 2025.

 

**** LE DIBBOUK FANTOME DU MONDE DISPARU

 

 Dans la culture populaire juive, un dibbouk désigne une âme errante qui prend possession d’un vivant, selon une croyance qui s’est développée en Europe orientale à partir du XVIIIe siècle. Depuis, le dibbouk a dépassé le domaine de la superstition pour devenir un thème inspirant les artistes d'hier et d'aujourd'hui. Le mahJ lui consacre une foisonnante exposition, mêlant théâtre, cinéma, musique, littérature, et culture populaire.

Sh. An-ski à Krzysztof Warlikowsky), cinéma (de la mythique adaptation de Michał Waszyński de 1937 aux frères Joel et Ethan Coen en passant par Sydney Lumet), arts plastiques (de Marc Chagall à Sigalit Landau), musique (Leonard Bernstein), ou encore la littérature (Romain Gary) et la culture populaire.(NDM)

 

Vernissage le 25 septembre de 16h à 21h.

Exposition du 26 septembre 2024 au 26 janvier 2025.

 

**** PAULA PADANI : « La danse migrante : Hambourg, Tel-Aviv, Paris

 

« Autour de l'exposition « Paula Padani. La danse migrante : Hambourg, Tel-Aviv, Paris »

L’exposition retrace le parcours méconnu de la danseuse Paula Padani (1913-2001) à travers 120 photographies, affiches et costumes. Par sa vision du mouvement comme force de vie, par sa capacité de rebond entre plusieurs pays et cultures, elle aura frayé de nouvelles routes pour son art et joué un rôle pionnier dans l’émergence de la danse contemporaine israélienne. 

Née à Hambourg et formée à la danse moderne, Paula Padani puise dans son art le moteur d’une existence pourtant marquée dès l’enfance par le décès de ses parents, puis par l’exil.

Dernière étudiante juive de l’école Wigman de Dresde, l’un des foyers de la modernité chorégraphique en Europe, elle rejoint clandestinement la Palestine mandataire en 1936 via la Suisse, l’Italie et la Grèce. La découverte des paysages et cultures du Proche-Orient stimule en elle une féconde veine créative.

Elle ouvre une école de danse à Tel-Aviv et crée un répertoire de solos d’une grande expressivité inspiré par les musiques de Béla Bartók, Marc Lavry ou Alexander Uriyah Boskovich. Avec d’autres danseuses exilées, elle prend part au développement de la scène théâtrale moderne en terre d’Israël.

En 1946, après dix années d’une vie intense au sein de la bohème « palestinienne », elle fait le choix de la diaspora avec son mari, le peintre, dessinateur et décorateur de théâtre Michael Gottlieb, dit Aram. Élisant Paris, le couple occupe successivement plusieurs ateliers successifs et poursuit sa quête artistique. Aram se consacre entièrement à la peinture et noue des amitiés avec nombre d’artistes de l’École de Paris, tandis que Paula continue en Europe et à New York une carrière scénique acclamée par un vaste public.

Entre 1947 et 1948, à l’invitation de l’American Jewish Joint Distribution Committee, elle part en tournée dans les camps de personnes déplacées de la zone d’occupation américaine en Allemagne, pour soutenir les rescapés juifs.

À partir des années 1950, elle se consacre à un enseignement centré sur l’improvisation et l’épanouissement de la créativité individuelle, dans le droit fil des avant-gardes de la république de Weimar.

Paula Padani décède à Paris en 2001, peu de temps après la mort de son mari.

L'exposition redonne vie à cette artiste engagée grâce aux documents présentés, issus de la donation de Gabrielle Gottlieb de Gail, fille du peintre Aram et de Paula Padani. » (NDM)

 

Vernissage le 13 novembre à 17h.

**** FIGURES DU FOU DU MOYEN AGE AUX ROMANTIQUES 

 

Les fous d’aujourd’hui sont-ils ceux d’hier ?

C’est l’une des nombreuses questions à laquelle l’exposition du Louvre « Figures du fou. Du Moyen Âge aux Romantiques » se propose de répondre à partir du 16 octobre.

À partir du 13e siècle, le fou envahit littéralement tous les espaces de l’art : des marges des manuscrits aux tapisseries, en passant par les tableaux, les gravures et les objets précieux. L’exposition mène l’enquête sur ce personnage emblématique d’une époque de bouleversements, pas si éloignée de la nôtre.(NDM)

 

Exposition du 16 octobre 2024 au 3 février 2025.

**** GUILLON LETHIERE, né à la Guadeloupe

 

L’œuvre de Guillaume Guillon Lethière, né à la Guadeloupe d’une mère esclave affranchie et d’un père officier royal, illustre le parcours d’un artiste confronté aux bouleversements de son époque et à la succession des régimes, de la Révolution à la monarchie de Juillet.(NDM)

 

Expositiondu 13 novembre 2024 au 17 février 2025.

 

**** BARBARA D’ANTUONO : Œuvre textile :  Zombis, la mort n'est pas une fin ? 

 

"Entre savoir et fiction, l'exposition donne à voir les réalités qui se cachent derrière la peur de cet iconique "non-mort". En filigrane, elle explore la construction du mythe dans l'imaginaire collectif occidental, depuis son évocation en 1697 dans le roman de l'écrivain français Pierre-Corneille Blessebois jusqu'au légendaire film de George A. Romero, La Nuit des morts-vivants. (source : site internet du musée)'NDM)

 

Exposition jusqu’au 16 février 2025.

Intense, l'année 2024 a révélé son lot de défis. Le chantier du musée est en route, sa réouverture au public en ligne de mire.

Il faudra toutefois faire preuve d'un peu de patience encore. Mais le jeu n'en vaut-il pas la chandelle ?!

Pour illustrer ces vœux et célébrer l'année à venir, le choix s'est porté sur ces quatre formes géométriques qui préfigurent ce que sera le musée rénové et agrandi. 2025 sera donc l'année du chantier ! 

Ce plan masse en dévoile les contours, ceux d'un projet ambitieux qui dotera le musée d'espaces à la mesure de sa collection et de ses publics. Pour l'heure, nous maintenons les objectifs et préparons demain. 

Mais avant, une pause s'impose ! Il faut recharger les batteries, se rassembler, refaire le monde et se souhaiter le meilleur.

L'équipe du musée vous souhaite donc de belles fêtes de fin d'année, douces, légères et tendres.

2025, nous voilà !

**** DANIEL DEWAR ET GREGORY GICQUEL 

 

« Le duo d’artistes franco-britannique Daniel Dewar & Grégory Gicquel propose une installation conçue pour la salle des festins du palais Jacques Coeur de Bourges, comprenant un ensemble de sculptures caractéristiques de leur pratique récente et en dialogue avec le lieu et son contexte historique. Cette exposition s’inscrit dans la programmation de la 5e édition de Bourges Contemporain 2024 qui aura lieu du 7 juin au 22 septembre 2024. Parmi ces sculptures, des pichets en grès prennent la forme d’un pied agrémenté d’une anse, un motif récurrent dans le travail du duo depuis plusieurs années. Une jarre voit sa surface recouverte de torses luisants qui se démultiplient et sur lesquels se découpent des escargots. Face à l’opulence du palais, à ses cheminées monumentales ouvragées et à ses nombreux ornements, qui jadis faisait état de la richesse du propriétaire, accumulée grâce au commerce et à l’impérialisme naissant, Dewar & Gicquel nous invitent, héritiers de ce passé, à renégocier et à repenser notre manière d’habiter le monde, le tout avec joie et humour. » (NDM)

**** FLORENCE OBRECT : « Odyssée »

 

La Mairie de Cannes présente au Suquet des Artistes l’exposition Odyssée consacrée à la peintre Florence Obrecht. Cette exposition permettra d’envisager dans son entièreté la pratique de cette artiste, toujours avide d’expérimentation. Le parcours fera voyager les visiteurs dans son univers, à travers des galeries de portraits, installations et œuvres participatives.

Florence Obrecht, Emilie (d’après « deux femmes » attribué à Leonor Fini), 2022, huile sur bois, 70 x 50 cm © Adagp Paris 2024 Fabrice Robin / Florence Obrecht, Faire des Picasso (Pascale), 2021, huile sur bois, 110 x 80 cm © ADAGP, Paris, 2024 Fabrice Robin

« Les choses sont des existences immergées dans une autre réalité, là où il n’y a ni temps ni mouvement. Nous ne voyons que leur surface. Or c’est le reste, plongé dans l’ailleurs, qui détermine la signification et le but de chaque objet. Un moulin à café, par exemple. Le moulin à café est un morceau de matière auquel a été insufflée l’idée de la mouture. Les moulins moulent, et c’est pourquoi ils existent. Mais nul ne sait quelle est la signification générale d’un moulin. Nul ne connaît la signification générale de quoi que ce soit. » 

Olga Tokarczuk, Dieu, le temps, les hommes et les anges.

Boites en fer, miroirs, tissus, la forme des œuvres présentées dans les salles du Suquet des artistes peut surprendre les visiteurs. Florence Obrecht mélange les supports, joue avec les matières et transforme les objets. Elle récupère pièces, fragments et étoffes de ses pérégrinations et les intègre à son travail. Ainsi, au delà d’une addition de toiles de formats divers, cette exposition dévoile un assemblage de choses qui, malgré leur hétérogénéité, semblent former un univers cohérent. Cette accumulation hétéroclite est au coeur même du travail de l’artiste et en révèle un élément essentiel : le voyage. Cette notion est en effet incontournable pour appréhender pleinement l’oeuvre de la peintre. 

Florence Obrecht, Jabea Mulema, 2024, Huile sur boite en métal ancienne, 22,5 x 25,5 cm © Adagp Paris 2024 Fabrice Robin

Que ce soit pendant son apprentissage de la peinture ou au cours de résidences, la peintre a posé ses outils dans de nombreux pays. Ces séjours, où elle s’est imprégnée de cultures nouvelles, transparaissent dans son œuvre. De la Sicile à la Bulgarie, en passant par les Etats-Unis ou l’Arménie, les traditions auxquelles elle s’est confrontée se mélangent pour créer un univers singulier. Loin de l’observatrice passive et en retrait, Florence Obrecht part à la rencontre des gens, découvre mythes, légendes et traditions et se plonge dans des pratiques artistiques différentes. Toutes ces expériences trouvent écho dans son œuvre tant matériellement que spirituellement. Ainsi, rapportant de ses séjours des accessoires, breloques, morceaux de tissus, elle constitue une collection bigarrées de souvenirs sensibles ; sortes de talismans qui, au-delà de leur utilité première, transportent avec eux un peu de la magie dont ils sont les porteurs. Cependant le cabinet de curiosité contemporain qui se dessine sous nos yeux ne témoigne pas seulement des contrées parcourues par l’artiste mais semble dévoiler un univers étrange, à la fois familier et inconnu, situé à la frontière entre réalité et imaginaire. Ces objets deviennent, grâce à l’artiste, les témoins d’un monde mystérieux. Ils ouvrent une fenêtre sur l’univers intime de la peintre. En les transformant et les intégrant à son oeuvre l’artiste leur donne un sens nouveau. Se saisissant de tout ce qui l’entoure, sans porter de jugement sur leur valeur, la peintre réenchante le quotidien, sublime l’ordinaire et tend à changer notre regard sur les choses et leur signifiant. Cependant, Florence Obrecht ne récupère pas seulement des éléments physiques pour les utiliser comme nouveau support pour sa peinture. Tels les peintres itinérants qui parcouraient l’Europe de l’Est au XIXe siècle, la peintre constitue une galerie de portraits issus de ses rencontres. Ainsi, elle porte la voix de populations peu représentées et révèle des cultures diverses. Ses peintures intègrent ses découvertes. Ici une coiffe, là une étoffe, autant de témoignages des rencontres qu’elle a faites. Son œuvre illustre donc, un monde à la fois réel et onirique né de l’assemblage d’éléments disparates capturés le long de son chemin ».(NDM)

 

Exposition Du 12 octobre 2024 au 16 février 2025.

****BOTTICELLI :  DEUX MADONES A CHAMBORD

 

Trésor insoupçonné de l’église Saint-Félix de Champigny-en-Beauce, La Vierge et l’Enfant avec le jeune saint Jean-Baptiste, datée initialement du XIXe siècle, a récemment été authentifiée comme une œuvre originale du XVIe siècle issue de l’atelier du peintre italien Sandro Botticelli (1445-1510). L’œuvre sera présentée dans la chapelle du château de Chambord du 20 octobre 2024 au 19 janvier 2025 aux côtés de son modèle conservé au Palazzo Pitti à Florence, grâce au prêt exceptionnel de la Galerie des Offices.

Le tableau originel de Botticelli, présenté au sein de la Galerie des Offices de Florence (galerie Palatine) semble avoir été réalisé quinze ans avant celui conservé dans l’église Saint-Félix de Champigny-en-Beauce, dans le Loir-et-Cher. Ce dernier est longtemps passé inaperçu car considéré comme une copie du XIXe siècle. Le conservateur Matteo Gianeselli est le premier à attirer l’attention sur la toile de Champigny-en-Beauce lors de recherches menées sur les tableaux italiens conservés dans les collections publiques françaises. Il identifie l’oeuvre comme un original du XVIe siècle réalisé au sein de l’atelier florentin de Botticelli.

Sous la coordination de la DRAC Centre-Val de Loire, l’huile sur toile est restaurée au sein des ateliers du Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France (C2RMF) avant sa présentation dans l’exposition Botticelli, artiste et designer en 2021-2022 (Musée Jacquemart-André), aux côtés du prototype de Florence. La découverte de Matteo Gianeselli est ensuite confirmée par un examen critique d'historiens de l’art et par des analyses technico-scientifiques très poussées réalisées au sein du C2RMF sous la direction de Dominique Martos-Levif. Le 30 juin 2021, le tableau de Champigny est classé au titre des Monuments historiques.  

Une autre version de la Vierge et l’Enfant avec le jeune saint Jean-Baptiste a été exécutée dans l’atelier de Botticelli autour de 1500. Elle appartient aujourd’hui à la collection du Barber Institute of Fine Arts de Birmingham (Royaume-Uni).

Similaires tout en restant singulières, les deux toiles présentées dans la chapelle du château de Chambord témoignent de l’évolution des techniques de peinture, mais aussi du fonctionnement de l’atelier de Botticelli et de la manière dont les artistes florentins ont multiplié les représentations de la Sainte Famille. Le tableau de Champigny est ainsi très proche de celui de Florence mais avec une composition inversée, sans doute liée à la technique du calque, et une variation de l’arrière-plan (extérieur avec rosier, intérieur avec ombre).

La réunion des deux tableaux fait écho aux influences des artistes italiens dans le Val de Loire, parmi lesquels Léonard de Vinci, dont les travaux ont inspiré l’architecture de Chambord et son célèbre escalier à double révolution.(NDM)

 

Exposition du 20 octobre 2024 au 19 janvier 2025.

**** FABRICE HYBER : "Humeurs"*

 

"Après avoir installé ses hommes verts dans le bassin du Domaine national du Palais Royal pour les trente ans de l’Homme de Bessines, Fabrice Hyber expose ses créations à la villa Cavrois. 35 hommes et femmes de Bessines occupent ainsi l’ensemble de l’espace du miroir d’eau. Ses POF (Prototype d’Objets en Fonctionnement) occupent quant à eux l’ensemble des salles de la villa. 

L’artiste imagine en parallèle un potager de 500 m² sur la parcelle en friche au fond du parc, pouvant être entretenu de façon pérenne après l’exposition, en poursuivant un objectif pédagogique. Présent depuis une vingtaine d’années sur la scène artistique internationale, Fabrice Hyber procède par accumulations, proliférations, hybridations et opère de constants glissements entre les domaines du dessin, de la peinture, de la sculpture, de l’installation, de la vidéo mais aussi de l’entreprise et du commerce.

À propos de Fabrice Hyber

 

Né en 1961 en Vendée, Fabrice Hyber intervient dans des domaines variés tels que le dessin, la peinture, la sculpture ou la vidéo. Attaché à la nature, à l’économie, au commerce et aux sciences, il a créé des systèmes autour de la production artistique avec les entreprises, des scientifiques et des laboratoires à travers le monde. Fabrice Hyber revendique un attachement aux mathématiques, aux sciences, mais également à la philosophie de Gilles Deleuze." (NDM)

**** Alain Bouaziz – Soumisha Dauthel- Juliette Jouannais – Réjane Lhôte- Louisa Marajo

 

« Pour cette première exposition de 2025, la huitième année d’existence de l’Espace d’art Chaillioux, nous présentons les travaux de quatre plasticiennes et un plasticien qui, dans leur pratique, découpent…

Découper, c’est, au sens propre, pour le Trésor de la langue française, ouvrage de référence, couper en morceaux généralement suivant certaines règles et, au sens figuré, diviser en plusieurs parties ce qui a une continuité dans l’espace ou le temps, ce qui constitue un ensemble concret ou abstrait.

Les œuvres que nous avons rassemblées dans la présente exposition procèdent de ces deux approches du découpage : respect de certaines règles fixées par l’artiste, rupture de la continuité spatiale, qu’elle soit physique ou mentale…

 

Comme toujours, dans les accrochages que nous vous présentons, nous avons privilégié la diversité des techniques et des approches du sujet proposé. Vous découvrirez ainsi les toiles découpées et assemblées de Soumisha Dauthel, les supports détourés et évidés d’Alain Bouaziz, les installations qui morcellent et fracturent l’espace de Louisa Marajo, les volumes muraux réalisés à partir de papiers colorés découpés de Juliette Jouannais et les environnements démembrés et reconstruits de Réjane Lhôte. » (NDM)

 

Exposition jusqu’au 22 mars 2025.