**** YVES ZURSTRASSEN ; « Variations rouges »

 

« le Musée de Salagon (Mane, Alpes de Haute-Provence) présente une exposition d’Yves Zurstrassen. Sous le commissariat de Yannick Mercoyrol, l’exposition, intitulée Variations rouges, propose une sélection de toiles inédites de l’artiste belge, créées sur-mesure pour l’église romane de Salagon. Chaque année, Salagon accueille un artiste contemporain, en regard avec le patrimoine de cet ancien prieuré bénédictin. Après Marinette Cueco, Philippe Cognée ou encore Duy Anh Nhan Duc, Yves Zurstrassen investit l’église de ses toiles aux collages et motifs emblématiques. Alliant de multiples formes et nuances de rouge, cette dernière couleur prédominante, à l’origine du nom de l’exposition, dialogue avec l’édifice religieux et fait écho aux vitraux d’Aurélie Nemours. 

L’ensemble de toiles proposées par Yves Zurstrassen pour cette exposition dans l’église de Salagon est conçu comme un dialogue, à la fois avec l’architecture romane et avec les vitraux réalisés par Aurélie Nemours en 1998. Après s’être longuement imprégné du lieu, le peintre a choisi de convoquer des formes et des rythmes qui font danser la couleur dans ses tableaux, répétant leurs enchaînements, variant leurs dispositions et leurs formats pour susciter une lumière et une sensation différentes mais complémentaires de celles qui émanent des vitraux de Nemours. Le rouge s’est rapidement imposé comme la tonalité unique de sa proposition. Il a toutefois pris soin de s’éloigner du rouge sélénium utilisé par Aurélie Nemours, préférant instaurer un écho moins littéral en recherchant, en grand coloriste, un rouge d’une tonalité singulière qui soit une réponse personnelle, comme un pas de côté tenant à la fois du hiatus et du dialogue, voire de l’hommage, à la radicalité des vitraux.

Car si l’abstraction de Nemours n’est pas celle d’Yves Zurstrassen, ils ont en partage deux caractéristiques majeures : le rythme et le vide, qu’ils organisent tous deux dans des séries, avec une égale liberté. Cette liberté est néanmoins fortement circonscrite, dans leur travail, par une méthode, des refus et de stricts processus d’élaboration. Cette rigueur de la composition recourt, pour Zurstrassen, à l’utilisation des pochoirs : des papiers journaux découpés sont collés sur le fond de la toile, recouverts de peinture, puis délicatement décollés à l’issue de l’élaboration du tableau, découvrant des espaces de « réserve », de sorte que ce qui apparaît, pour le spectateur, comme la surface du tableau (ici les multiples formes rouges) en constitue en réalité le fond. Cette technique qui semble fonctionner comme un palimpseste apporte une réponse originale et tout à fait singulière à la question cruciale, et ancestrale, du rapport entre fond et forme dans l’espace du tableau. L’art subtil et énergique d’Yves Zurstrassen donne à voir l’émotion des formes, c’est-à-dire leur mouvement ou, si l’on préfère, leur musique, qui accompagne toujours le peintre dans son atelier. Ces formes en liberté ne signifient rien en soi, comme pour mieux transmettre une forme d’allégresse pour le spectateur : un art de la joie. » Yannick Mercoyrol, commissaire de l’exposition

 

 

Exposition du 1er février au 14 décembre 2026

**** Cécile Bart & Ode Bertrand : "Dialogue avec la collection Albers-Honegger"

 

"L’eac. présente un nouveau cycle de relecture de sa collection permanente, et choisit de mettre à l'honneur deux artistes essentielles de la scène abstraite française : Cécile Bart et Ode Bertrand, qui, invitées en tandem de cette édition 2023, vont dialoguer non seulement entre elles mais également avec une sélection d'œuvres issues de la Donation Albers-Honegger, avec des artistes tels que : Bernard Aubertin, Marcelle Cahn, Antonio Calderara, Jean-François Dubreuil, Gottfried Honegger, Frantisek Kupka, Verena Loewensberg, Aurélie Nemours, Vera Molnar, François Morellet, David Rabinovitch...

Cécile Bart et Ode Bertrand expérimentent la notion de trame et de maillage en jouant avec l'œil du spectateur et également avec l'échelle même de leurs oeuvres, allant de l'infiniment petit pour l'une à la monumentalité pour l'autre. La question du rythme traverse également leurs démarches respectives. Intime du cercle de l'art concret, Cécile Bart a côtoyé depuis les années 80 le couple Albers-Honegger. Quant à Ode Bertrand, après une carrière dédiée à la danse, éclairée par la pratique de sa tante, Aurélie Nemours, qu'elle a assisté dans son travail, elle se consacre aussi à l'art abstrait géométrique"..(NDM)

**** LA FABULOSERIE : Génies insolites et artistes hors-les-normes.

 

 

**** Hommage à Gasiorowski

 

« la Fondation Maeght rend un hommage à Gérard Gasiorowski (1930-1986), peintre et photographe français, à l’occasion des 40 ans de sa disparition. La Fondation présentera neuf œuvres de sa collection permanente dont l’Hommage à Manet (1983), une peinture de dix mètres de long, Ida, Cosom’s, Croûte – Arc de Triomphe, ainsi que de plus petits formats comme La Ruelle ou Le Village ou encore Les Etendues qui reprend le motif de l’Homme qui marche de Giacometti… Parmi ces œuvres, neuf ont été offertes par Adrien Maeght, son complice à la Galerie Maeght, où il expose pour la première fois en 1982, comme dans la vie.

On se souvient particulièrement de sa rétrospective à l’ARC – Musée d’Art moderne de la ville de Paris en 1983, de l’exposition de 1995 au Centre Pompidou sous le commissariat de Jean de Loisy, puis de celle de la Fondation Maeght en 2012 : « Vous êtes fou Gasiorowski, il faut vous ressaisir… ». On se souvient aussi des grandes séries de l’artiste, les Fleurs, les Chapeaux, les Amalgames, les Croûtes… et de ses facéties.

« J’ai vu partir Bonnard, Léger, Matisse, Braque, Giacometti, Calder, Miró, mon père, ces grands avec qui j’ai eu la chance de travailler, que j’ai aimés, admirés, quelque fois craints. Mais le 19 août [1986], c’est Gasiorowski qui m’a quitté, et ce n’était pas une facétie ce jour-là. J’ai perdu un frère, un complice, et le monde de l’art, un de ses grands peintres. [...] J’ai la certitude que la création de Gasiorowski trouvera totalement sa place. Je ne peux l’expliquer. De son vivant je la défendais et je continue. Ce n’est pas aisé car c’est une œuvre d’une dextérité inouïe mais dont l’auteur lutte contre ce talent ».— Adrien Maeght Président de la Fondation Maeght 

 

Exposition jusqu’au 14 juin 2026.

**** Ellsworth Kelly : Aux bords de l'eau

 

« Dans mes peintures, je n’invente pas ; mes idées proviennent d’une investigation constante de l’apparence des choses. » Ellsworth Kelly, 1991

Figure majeure de l’art américain, Ellsworth Kelly (1923 - 2015) est particulièrement renommé pour ses grands formats abstraits. Tout en étant pleinement non-figuratifs, ceux-ci entretiennent en fait un lien constant avec le regard porté sur le monde par l’artiste. Les éléments liquides en particulier ont captivé son attention tout au long de sa vie, donnant naissance à des dessins d’observation, des peintures et des sculptures abstraites, ainsi que des collages, dont les formes entrent en relation complexe avec des expériences spécifiques de vision qui ont eu lieu au bord de l’eau. Kelly n’a pas cessé de rechercher la présence de l’eau, il a passée beaucoup de temps au bord d’océans, de mers, fleuves, et rivières, notamment à Belle-Île en Bretagne, sur l’Île Saint-Louis à Paris, à Giverny, à Sanary et sur la Côte d’Azur, mais aussi à Coenties Slip (New York) et à Saint-Martin (Antilles)... Dans ses œuvres, il ne se contente pas de reproduire la réalité visible, il cherche à traduire la perception même que l’on peut avoir de l’eau (couleurs, effet de la lumière en surface…), créant notamment des collages où les formes abstraites et colorées semblent émerger de la surface liquide pour être ensuite traduites en peintures et sculptures abouties. Pour Kelly, les paysages aquatiques sont une source d’inspiration inépuisable, faite de paradoxes visuels : une surface plane avec une complexité spatiale, une immobilité perpétuellement en mouvement, une vaste étendue qui donne l’impression d’infini délimité par des bords.

L’exposition, imaginée par Éric de Chassey, spécialiste de l’œuvre de l’artiste à qui il a consacré plusieurs expositions et de nombreux textes, en partenariat étroit avec le Studio Ellsworth Kelly, rassemblera plus d’une centaine d’œuvres de très grandes dimensions comme des formats cartes postales – peintures, sculptures et œuvres graphiques – et proposera une lecture renouvelée d’un thème central, longtemps resté inexploré et pourtant au cœur de la création de l’un des artistes les plus influents des XXe et XXIe siècles. La Fondation Maeght célèbre ainsi un artiste qui s’est lié très tôt avec la famille Maeght, au moment où, en 1948, il revient en France grâce à une bourse du G.I. Bill obtenu pour sa participation au Débarquement en 1944. Ellsworth Kelly a été très rapidement exposé à Paris à la Galerie Maeght et a séjourné à plusieurs reprises dans leur maison de Saint-Paul-de-Vence. L’amitié avec Adrien Maeght durera jusqu’à la fin de sa vie.

« En se concentrant sur un motif unique mais fondamental tout au long de la carrière de Kelly, souvent peu explicite voire non discernable dans les résultats finaux, cette exposition offrira un moyen extraordinaire de comprendre en profondeur la méthode de travail de l’artiste », précise Éric de Chassey.. " (NDM)

 

Exposition du 27 juin au 15 novembre 2026

**** Hommage à Gasiorowski

 

« la Fondation Maeght rend un hommage à Gérard Gasiorowski (1930-1986), peintre et photographe français, à l’occasion des 40 ans de sa disparition. La Fondation présentera neuf œuvres de sa collection permanente dont l’Hommage à Manet (1983), une peinture de dix mètres de long, Ida, Cosom’s, Croûte – Arc de Triomphe, ainsi que de plus petits formats comme La Ruelle ou Le Village ou encore Les Etendues qui reprend le motif de l’Homme qui marche de Giacometti… Parmi ces œuvres, neuf ont été offertes par Adrien Maeght, son complice à la Galerie Maeght, où il expose pour la première fois en 1982, comme dans la vie.

On se souvient particulièrement de sa rétrospective à l’ARC – Musée d’Art moderne de la ville de Paris en 1983, de l’exposition de 1995 au Centre Pompidou sous le commissariat de Jean de Loisy, puis de celle de la Fondation Maeght en 2012 : « Vous êtes fou Gasiorowski, il faut vous ressaisir… ». On se souvient aussi des grandes séries de l’artiste, les Fleurs, les Chapeaux, les Amalgames, les Croûtes… et de ses facéties.

« J’ai vu partir Bonnard, Léger, Matisse, Braque, Giacometti, Calder, Miró, mon père, ces grands avec qui j’ai eu la chance de travailler, que j’ai aimés, admirés, quelque fois craints. Mais le 19 août [1986], c’est Gasiorowski qui m’a quitté, et ce n’était pas une facétie ce jour-là. J’ai perdu un frère, un complice, et le monde de l’art, un de ses grands peintres. [...] J’ai la certitude que la création de Gasiorowski trouvera totalement sa place. Je ne peux l’expliquer. De son vivant je la défendais et je continue. Ce n’est pas aisé car c’est une œuvre d’une dextérité inouïe mais dont l’auteur lutte contre ce talent ».  Adrien Maeght Président de la Fondation Maeght 

**** "ENCHANTÉ, LA FABRIQUE DES HISTOIRES

 

« En 2026, pour célébrer ses 10 ans, le MusVerre présente Enchanté, la fabrique des histoires, une exposition conçue comme une odyssée poétique au cœur des contes et légendes fantastiques. À travers une sélection d’une vingtaine d’œuvres d’artistes nationaux et internationaux, l’exposition explore les liens entre réel et imaginaire et convie les visiteurs à un voyage au pays de l’émerveillement. Le verre devient un prisme enchanteur, matière de réflexion autant que de rêverie. Une invitation à contempler et à s’émouvoir dans le musée qui abrite la plus importante collection d’art verrier contemporain en Europe.

Un parcours artistique aux frontières du rêve

« L’émerveillement est une surprise soudaine de l’âme », écrivait René Descartes. L’exposition Enchanté, la fabrique des histoires se déploie comme un parcours sensible et féérique dans l’univers des contes. Elle célèbre les merveilles de la création verrière à travers quatre grands chapitres thématiques : la fabrique des histoires, le pays des merveilles, l’inquiétante étrangeté et Utopia, la mise en récit d’une nature fantastique et chimérique. Conçue comme un dédale, la scénographie entraîne le visiteur dans un temps suspendu, tel un rêve éveillé. Chaque espace invite à une traversée sensible ponctuée de jeux d’échelle et de sculptures en verre où s’entrelacent le merveilleux et le réel.

Depuis toujours, des histoires merveilleuses naissent aux quatre coins du monde et franchissent les frontières. Elles surgissent d’une parole, se transmettent, se répètent, parfois s’oublient. La première section « La fabrique des histoires » invite à explorer les histoires qui nous relient et nourrissent notre imaginaire, des mythes anciens aux œuvres contemporaines. 

La deuxième section « Le pays des merveilles » explore le passage de l’enfance à l’âge adulte à travers un récit d’apprentissage et d’émancipation où le merveilleux et le rêve servent de guides pour mieux se connaître. 

 Les œuvres présentées sont principalement inspirées d’« Alice au pays des merveilles ». Avec « L’inquiétante étrangeté », l’exposition explore dans cette troisième section la façon dont l’inattendu peut se nicher dans le familier et invite le visiteur à sonder son quotidien. Entre réel et irréel, les œuvres présentées, inspirées d’univers fantasmagoriques à la Tim Burton, éveillent à la fois l’émerveillement et l’interrogation. 

Enfin, « Utopia, la mise en récit d’une nature fantastique et chimérique » offre une vision rêvée et fantastique de la nature, entre enchantement et conscience de sa fragilité. La forêt et les animaux fantastiques, s’inscrivent dans l’univers des contes avec un regard poétique et engagé sur les enjeux écologiques contemporains.

Une philosophie de l’émerveillement

Dans un monde fragmenté où nos repères collectifs et individuels se dissolvent, Enchanté, la fabrique des histoires revendique l’émerveillement comme une manière d’habiter le monde et comme vecteur d’émotion et de lien social. Loin d’être naïve, cette attitude devient un geste vital permettant de réenchanter nos quotidiens, renouer avec les autres, la nature et nous-mêmes. » (NDM)

 

Exposition du 11 avril 2026 au 3 janvier 2027.

****Leonor Antunes : LES INEGALITES CONSTANTES DES JOURS DE LEONOR 

 

« développe un travail de suspensions sculpturales qui habitent les architectures, tout en proposant une relecture critique des lieux et de leurs histoires.

Au Crac, le public est invité à déambuler librement à travers une forêt d'objets qui mêlent le registre de la sculpture à celui des arts décoratifs, de la parure, du mobilier scénographique, déloisonnant les catégories convenues entre art, design et architecture.

L'exposition a été conçue et produite par le CAM – Centre d'Art Moderne de la Fondation Gulbenkian , Lisbonne et a reçu le soutien de la délégation en France de la Fondation Gulbenkian .

les inégalités constantes des jours de leonor* sont présentées suite à l'exposition da desigualdade constante dos dias de leonor* qui s'est tenue au CAM - Centre d'Art Moderne Gulbenkian à Lisbonne, du présentée 2025 sous le commissariat de Rita Fabiana.

**** BERNARD NICOLLAS et la COLLECTION LE GENIE DES MODESTES

 

 

Dans le cadre des Journées Européennes du Patrimoine et en partenariat avec la Maison Papier du CHR du Rouvray

le Musée Art et Déchirure a le plaisir de vous inviter au vernissage de ses nouvelles expositions

le dimanche 21 septembre à partir de 13h :

• Les sculptures de Bernard NICOLAS

• La Collection « Le Génie des Modestes » qui vient de rejoindre le fonds Art et Déchirure

• Une sélection d’œuvres d’artistes emblématiques du festival Art et Déchirure (1989 – 2024)

Vous pourrez également découvrir Sugar Brueghel, une Performance poétique, physique et musicale que la Cie Tours de Lune présentera dans le Parc du Musée à 14h et 16h30." (NDLG)

**** SUIVEZ LE FIL ! Design & textile.

 

" L’Hôtel des Arts TPM accueille, , une exposition consacrée au design et au textile. Le textile occupe une place singulière dans l’histoire du design où il témoigne des bouleversements esthétiques et techniques du XXe siècle, tout en nourrissant les expérimentations les plus radicales. Longtemps cantonné au décoratif, le textile a pourtant façonné les intérieurs, structuré les espaces et inspiré de nouvelles manières de concevoir l’objet.

À partir d’une centaine d’œuvres issues des collections nationales de design, réalisées par une quarantaine de créateurs, l’exposition « Suivez le fil ! Design & textile » propose une immersion dans une histoire où le textile devient matrice d’espaces et d’objets, reliant artisanat et technologie, gestes ancestraux et utopies contemporaines. 

 

L’exposition s’ouvrira avec des figures pionnières du textile dans les avant-gardes, telles que Sonia Delaunay ou Élise Djo-Bourgeois, qui renouvellent le recours au textile dans un dialogue avec le mobilier et l’architecture. Dans les années 1960, l’apparition des fibres synthétiques et le développement industriel débouchent sur des tissus extensibles, souples et résistants, capables d’épouser les formes du corps et d’offrir une liberté nouvelle, ainsi avec Pierre Paulin ou Olivier Mourgue. Les jerseys et autres textiles souples deviennent des outils d’innovation, des vecteurs d’évolution technique et esthétique. Dans la seconde moitié du siècle, des créatrices comme Sheila Hicks ou Simone Prouvé s’imposent par leur approche innovante, explorant le lien entre art, architecture et textile.

 

Dans une démarche expérimentale, d’autres designers, comme Gaetano Pesce ou ensuite, Marcel Wanders, dans le contexte radical de Droog Design, durant les années 1990, détournent la matière textile, questionnant la frontière entre forme, structure et processus. Cette exploration se poursuit avec la maille métallique, utilisée par Dominique Perrault et Gaëlle Lauriot-Prévost, Vincent Poujardieu ou le duo Muller Van Severen. Ici, la maille devient un langage architectural et sculptural.

 

L’exposition questionnera le rapport entre l’objet de design et le textile qui s’étend à de nouveaux territoires. Hella Jongerius développe ainsi une approche expérimentale du tissage, où se conjuguent savoir-faire manuel et conception et fabrication numérique. D’autres créatrices explorent des textiles réactifs et interactifs, intégrant la technologie. Dans les années 2000, Ronan et Erwan Bouroullec innovent avec des textiles aux vertus acoustiques qui sont en même temps des partitions souples de l’espace. Aujourd’hui, l’on explore les potentialités des fibres naturelles, recyclées ou régénérées, dans une réflexion sur la durabilité, la circularité et le rapport entre technique et écologie.

À travers cette histoire entre design et textile, le rôle des créatrices apparaît en filigrane : non pas comme un récit parallèle, mais comme une contribution essentielle à l’évolution du design, où le tissu est devenu le symbole d’une pensée en acte du sensible, reliant mémoire et innovation. » (NDM)

 

Exposition du 27 juin au 31 octobre 2026

**** GAULOIS mais ROMAINS ! 

 

Vernissage le 2 avril à 17h30.

Exposition du 3 avril 2026 au 3 janvier 2027.

 

**** CLAIRE ADELFANG : Photographies

 

Vernissage jeudi 12 mars à 18h30

Exposition du 6 mars ay 21 juin 2026

 

**** EVOCATION HISTORIQUE AU BOIS DES CAURES : 110e anniversaire du déclenchement de ka bataille de Verdun.

 

« Le 21 février 1916 marque le premier jour de la bataille de Verdun. À l’occasion du 110e anniversaire de cet événement majeur de la Première Guerre mondiale, un grand rendez-vous est organisé : une évocation historique se déroulant à la date, à l’heure et sur le lieu exact de cet épisode clé de la bataille. Dès l’aube, le samedi 21 février 2026, le bois des Caures accueillera le public pour une expérience immersive unique, rythmée par des lectures de textes de combattants français et allemands, des ambiances sonores évocatrices et la présence exceptionnelle d’une cinquantaine d’acteurs-figurants des deux camps. Tous seront mobilisés pour faire revivre et transmettre l’histoire des toutes premières heures du conflit. Cette évocation historique est organisée par le Mémorial de Verdun – Champ de bataille et l’association Connaissance de la Meuse.

Une évocation historique exceptionnelle, là où tout a commencé

Tous les dix ans seulement, le bois des Caures devient le théâtre d’un moment rare et profondément symbolique. À l’occasion du 110e anniversaire du déclenchement de la bataille de Verdun, le Mémorial de Verdun et Connaissance de la Meuse s’associent pour la première fois afin de proposer une évocation historique in situ, puissamment immersive, sur les lieux mêmes des premiers combats. Il ne s’agit pas d’une reconstitution de scènes de combat mais d’une évocation historique sensible à hauteur de combattant, pensée comme un hommage aux hommes qui ont vécu, dans le froid, la boue et la peur, les premières heures de l’une des batailles les plus marquantes de la Première Guerre mondiale.

Une immersion au cœur des premières heures de Verdun

 

D’une durée d’environ 2h30, cette évocation prend la forme d’un parcours pédestre en forêt, guidant les participants au cœur du bois des Caures. Ce bois est situé à quelques kilomètres au nord de Verdun, sur le Champ de bataille de Verdun. C’est à cet endroit précis que la bataille de Verdun a connu les premiers coups de canon allemand, le 21 février 1916.

 

Tout au long du parcours, le public est plongé dans une immersion puissante et évocatrice, rythmée par :

• des lectures saisissantes de témoignages de combattants français et allemands par des comédiens et comédiennes ;

• une mise en scène captivante avec des ambiances sonores et des effets de lumière ;

• la présence d’environ cinquante acteurs-figurants représentant les deux camps.

Figés dans des tableaux poignants, ces acteurs-figurants bénévoles désireux de transmettre cette histoire, incarnent les soldats d’hier avec une grande sobriété, laissant toute la place à la parole des combattants et à l’émotion brute du lieu. 

Une expérience vécue dans les conditions de l’époque

 

Cette évocation se distingue par sa fidélité aux conditions réelles dans lesquelles les combattants ont vécu ces premières heures : marche dans le froid, chemins boueux, dans la pénombre. Cette approche volontairement exigeante renforce la puissance immersive de l’événement et invite chacun à une participation active, au plus près de la réalité historique. Le choix ambitieux d’organiser cet événement sur le lieu exact du déclenchement de la bataille donne à cette évocation une force toute particulière. Être présent là où tout a commencé confère à l’expérience une intensité rare, impossible à reproduire ailleurs.

 Cette évocation historique va marquer le début du 110e anniversaire de la bataille de Verdun de manière forte et profondément symbolique. Je suis fier de cet événement porté conjointement par le Mémorial de Verdun et Connaissance de la Meuse, deux acteurs historiques, culturels et touristiques majeurs de notre territoire. À travers ce projet, c’est notre mission de transmission de l’histoire et de valeurs partagées qui s’exprime pleinement. Ce 110e anniversaire de la bataille de Verdun ne pouvait pas mieux commencer. » 

Jérôme Dumont, Président du Mémorial de Verdun - Champ de bataille et du Département de la Meuse. » (NDM)

**** Des mondes dans la bataille : Verdun 1916 

 

« À l’occasion des 110 ans de la bataille de Verdun, le Mémorial de Verdun présente l’exposition Des mondes dans la bataille : Verdun 1916. Cette exposition apporte un éclairage nouveau sur les femmes et les hommes venus du monde entier engagés dans cette bataille mythique. Le Mémorial de Verdun rend hommage à ces parcours de vie et ces destins entremêlés avec l’Histoire de la Grande Guerre.

« Verdun 1916, une humanité dans la bataille

Dans l’esprit de beaucoup, Verdun reste le symbole d’une bataille franco-allemande, un duel exclusif entre la France et l’Allemagne : la réalité reflète davantage le croisement de nationalités du monde entier. L’exposition propose ainsi un regard novateur sur cette bataille en mettant en lumière la diversité des destins des femmes et des hommes qui sont venus à Verdun. Soldats enrôlés dans les armées, volontaires engagés, personnels mobilisés ou prisonniers de guerre : tous ont approché, vécu ou traversé Verdun de manières différentes. En réunissant ces parcours multiples, l’exposition révèle Verdun non seulement comme un champ de bataille majeur, mais aussi comme un lieu où se rencontrent des expériences humaines issues de l’ensemble du monde en guerre. Des hommes et des femmes, venus de tous les horizons, ont approché, vécu et participé à cette bataille hors norme. Pourtant, la méconnaissance de leurs histoires a longtemps centré le conflit sur les seuls destins des soldats français et allemands. Tel est l’objectif de l’exposition Des mondes dans la bataille : Verdun 1916 : mettre en lumière des vécus et des points de vue différents, afin d’enrichir le grand récit de la bataille de Verdun.

En parallèle du destin des soldats enrôlés dans l’Empire colonial français, originaires du Maghreb, d’Afrique de l’Ouest ou d’Asie du Sud-Est, l’exposition invite à découvrir les itinéraires de vie d’autres acteurs de la bataille : les Danois engagés dans l’armée allemande ; les prisonniers de guerre, civils et militaires, belges et russes ; les personnels des services de santé américains et britanniques ; les Alsaciens-Mosellans et les Polonais partagés entre les deux armées ; ou encore des individus aux parcours atypiques, venus de différentes régions du monde. 

Cette exposition rend hommage aux parcours de vie de ces hommes, à ces destins personnels enchevêtrés dans la grande Histoire, révélateurs de toute une humanité plongée dans la guerre. » (NDM)

 

Exposition du 2 avril au 31 décembre 2026

**** KANDINSKY FACE AUX IMAGES

 

« Le LaM rouvre ses portes le 20 février !

Après une rénovation complète de ses bâtiments et de son jardin de sculptures, le LaM vous invite à célébrer sa réouverture avec une exposition exceptionnelle consacrée à Vassily Kandinsky, coorganisée avec le Centre Pompidou.

Plongez dans l’univers fascinant de l'un des artistes majeurs du XXe siècle et découvrez une sélection unique d’œuvres qui explore le rapport de l'un des pionniers de l'abstraction aux images.(NDM)

 

Exposition du 20 février au 14 juin 2026.