**** Le Musée du Gévaudan change de tempo !

 

3 Laisser place à la diversité, décloisonner, faire vibrer ! Les équipes du Musée et du Pays d’art et d’histoire ont concocté une riche programmation, ponctuée par des temps forts et des rendez-vous réguliers.

Des temps forts

Le Musée ouvre sa saison 2023 le week-end du 1er  avril, avec une Grande Fiesta placée sous le signe du partage. Ateliers, visites, surprises au fil de la journée, apéro musical avec le Sillon Lauzé et concert swing-jazz manouche en soirée avec les Tire-Bouchons, groupe toulousain. Tout pour voir la vie en rose et 100% gratuitement à cette occasion ! Ensuite, deux dates à noter pour ce printemps : la Nuit des Musées le samedi 13 mai et les Journées européennes de l’archéologie du 16 au 18 juin. Puis bien sûr les Journées européennes du patrimoine en septembre. Sur ces temps forts, l’ensemble de l’offre est gratuite.

Des rendez-vous réguliers tout public sont proposés : atelier le 1er mercredi du mois, visite coup de cœur le dernier jeudi du mois, visite commentée un dimanche par mois, et plus encore en haute saison. Ces animations, ainsi que l’offre hors temps forts, sont proposés selon une palette de tarifs permettant à tous d’en profiter. L’entrée du Musée reste bien sûr gratuite ! Les visites et ateliers, selon formats et durée, sont proposés de 2€ à 10€ pour le public individuel. Certains publics sont exonérés (titulaires des minimas sociaux, enfants jusqu’à 5 ans) et des tarifs réduits sont proposés (6-18 ans, +65 ans, demandeurs d’emploi, personnes en situation de handicap...). Les visites pour groupes (10 à 15 personnes) sont organisées sur réservation (museepatrimoine@mende.fr) à partir de 40€. À noter : toutes les écoles maternelles et primaires de Lozère sont accueillies gratuitement

en visite ou en atelier §

Enfin l’exposition temporaire, présentée au 2e étage, est renouvelée tous les ans. Pour le lancement du Musée, lumière sur les dessous du chantier et l’histoire des collections et du musée ! L’exposition « En mode recette pour un musée » présente une formule enrichie, et notamment des œuvres prêtées par le Musée des beaux-arts de Nancy. Surprise... L’année 2024 offrira au public une exposition autour de l’art brut, avec une portée départementale, régionale et plus ! Un projet porté en partenariat avec les Abattoirs, Musée-FRAC de Toulouse. On vous en dit davantage très bientôt !" (NDM)

" La Coopérative-Musée Cérès Franco vient de baisser le rideau, dimanche 30 octobre sur la saison 2022 et son 

exposition “Féminin Plurielles”. Une belle saison qui a été symboliquement close lors du chaleureux hommage rendu à Cérès Franco une semaine plus tôt. Nous remercions les amis, les artistes et la famille pour avoir participé à la réussite de ce moment, ainsi que l’Association pour la valorisation de la collection Cérès Franco.

L’exposition de la commissaire Michela Alessandrini clôt ainsi un cycle de huit années d'expositions, de conférences, de rencontres de personnalités du monde de l'art, de reportages et d’articles de presse et de dizaines de milliers de visiteurs et d'élèves de la région Occitanie dans le cadre de la médiation mise en place par le musée.

Depuis 2015, et son ouverture au public, La Coopérative-Musée Cérès Franco s’est installée dans le paysage culturel de Montolieu, Carcassonne Agglo, le Département de l’Aude et la Région Occitanie. Des liens forts ont été créés avec de nombreux autres lieux culturels, établissements scolaires et partenaires qui font aujourd’hui du musée, un acteur culturel majeur du territoire. Une structure qui a reçu aussi la reconnaissance de nombreux observateurs du monde de l’art, commissaires d’exposition comme Jean-Hubert Martin, artistes mais aussi journalistes spécialisés dans les journaux et magazines nationaux.

Une nouvelle ère s’ouvre ! Elle va débuter par plusieurs mois de travaux. Un projet porté par les collectivités (Région Occitanie, Département de l'Aude, Carcassonne Agglo et commune de Montolieu) réunies au sein du GIP. Le musée s'engage aussi dans une procédure afin d'obtenir le label Musée de France et l’équipe travaillera pour étudier, conserver et valoriser la collection et les archives ainsi que pour préparer la réouverture du nouveau musée.

Les travaux d'agrandissement et de rénovation visent à faire de ce lieu, ancienne cave coopérative datant de 1939 qui avait été transformée en galerie au début des années 2000, un véritable musée. Le cabinet Passelac & Roques, qui a été associé à RCR arquitectes pour le projet du musée Soulages à Rodez, a dessiné le nouveau musée Cérès Franco. Un projet ambitieux qui permettra de créer des réserves pour accueillir les 1651 œuvres ayant fait l'objet de la donation. L'espace d'exposition sera agrandi et seront aussi créés un espace de médiation – plus de 2000 enfants et jeunes sont accueillis chaque année dans le cadre de visites pédagogiques -, un lieu de documentation et d'archives mais aussi des nouveaux bureaux pour le personnel. Et bien sûr, les travaux permettront l'accès aux personnes en situation de handicap". (NDM)

 

**** JEPHAN DE VILLIERS : 

 

"Né Jean-François Le Jolis de Villiers de Saintignon au Chesnay prés de Versailles, le 4 avril 1940. BAC Philo -Lycée Janson de Sailly, Paris. Service militaire pendant 28 mois : Allemagne, école de Saumur, Sous-lieutenant de Cavalerie en Algérie. De retour d’Algérie, après une période de réadaptation difficile, il commence ses premières peintures et sculptures. « Aussi singulier et incomparable que soit son univers, Jephan de Villiers fait partie de cette famille d’artistes que réunit une commune affinité avec la perception archaïque du monde, une commune attirance pour les matières, les techniques, la sensibilité des réalités antérieures, sociétés primitives de la civilisation agricole détrônée par l’industrie, voire tribus paléolithiques des origines. Une nostalgie en somme des époques où l’homme, encore noyé dans la pensée sauvage ou venant tout juste d’inventer l’écriture, semblait faire corps avec son environnement naturel, dont la société des laboratoires, des usines et des bureaux l’a irrémédiablement éloigné depuis.

À l’époque où disparaissent les dernières sociétés primitives, il est significatif que certains artistes éprouvent lebesoin d’en réinventer d’autres, purement imaginaires, de magnifier aussi, comme Jephan de Villiers, le microcosme quasi subliminal d’une nature qui ici ou là paraît tomber en ruines ; ces artistes s’attachent en somme à recycler dans leurs rêves les fragments des mondes engloutis. Par l’excès même de ses succès technologiques, la révolution industrielle triomphante réactive aujourd’hui la nostalgie des civilisations défuntes et de leurs technologies disparues.

Ce n’est pas un hasard si, au moment précis où l’homme accède à l’immortalité de la réalité virtuelle, s’impose,

symétriquement, le retour symbolique à la terre, aux feuilles et aux racines, comme dans l’univers poétiquearchaïsant de Jephan de Villiers. »Laurent Danchin Ecrivain et Critique d’art

 

VOIR AUSSI : DE VILLIERS JEPHAN : Texte Critique parisienne N°34.  TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "LES COSMOGONES DE JEPHAN DE VILLIERS, SCULPTEUR" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ ART CONTEMPORAIN.

 

Exposition du 2 mai au 31 août 2024

**** Cécile Bart & Ode Bertrand : "Dialogue avec la collection Albers-Honegger"

 

"L’eac. présente un nouveau cycle de relecture de sa collection permanente, et choisit de mettre à l'honneur deux artistes essentielles de la scène abstraite française : Cécile Bart et Ode Bertrand, qui, invitées en tandem de cette édition 2023, vont dialoguer non seulement entre elles mais également avec une sélection d'œuvres issues de la Donation Albers-Honegger, avec des artistes tels que : Bernard Aubertin, Marcelle Cahn, Antonio Calderara, Jean-François Dubreuil, Gottfried Honegger, Frantisek Kupka, Verena Loewensberg, Aurélie Nemours, Vera Molnar, François Morellet, David Rabinovitch...

Cécile Bart et Ode Bertrand expérimentent la notion de trame et de maillage en jouant avec l'œil du spectateur et également avec l'échelle même de leurs oeuvres, allant de l'infiniment petit pour l'une à la monumentalité pour l'autre. La question du rythme traverse également leurs démarches respectives. Intime du cercle de l'art concret, Cécile Bart a côtoyé depuis les années 80 le couple Albers-Honegger. Quant à Ode Bertrand, après une carrière dédiée à la danse, éclairée par la pratique de sa tante, Aurélie Nemours, qu'elle a assisté dans son travail, elle se consacre aussi à l'art abstrait géométrique"..(NDM)

**** ALFRED BOUCHER : "De l'ateloer au musée"

 

" Le musée Camille Claudel propose de (re)découvrir le sculpteur Alfred Boucher (1850-1934) à travers sa collection personnelle. Artiste célébré en son temps, professeur, collectionneur et philanthrope, il fut tour à tour le premier maître de Camille Claudel, le fondateur de La Ruche à Paris et celui du musée de Nogent-sur-Seine.

Réunissant plus de 130 œuvres, l’exposition met en lumière la donation faite par le sculpteur à la ville de ses débuts, Nogent-sur-Seine, et témoigne de son rôle fondamental dans la création du musée. Sortie des réserves du musée et restaurée pour l’occasion, la donation est constituée de sculptures réalisées par Alfred Boucher mais aussi de nombreuses œuvres exécutées par d’autres artistes. Peintures, dessins et objets d’art, appartenant à des styles et des époques variés, révèlent les sources d’inspiration et les goûts du sculpteur, empreints de ceux de son époque.

L’accrochage foisonnant – murs recouverts de tableaux et de dessins, sculptures perchées sur des sellettes – s’inspire librement de l’atelier d’Alfred Boucher et plonge le public dans l’atmosphère d’un salon d’exposition du XIXe siècle. (NDM)

 

Exposition du 30 mars au 28 juillet 2024.

**** CAMILLE CLAUDEL A L'ŒUVRE : SAKOUNTALA

 

" l’exposition « Camille Claudel à l’œuvre : Sakountala » propose d’entrer au cœur de la création de ce chef-d'œuvre à l’histoire très mouvementée. Rassemblant près de 100 objets, l’exposition revient sur le processus créatif de Sakountala, l’histoire de sa réception mais aussi sa source d’inspiration littéraire ou encore les nombreuses variations que Camille Claudel en a proposées à la fin de sa carrière. Bénéficiant de prêts exceptionnels du musée Rodin, de la Bibliothèque nationale de France et du musée d’Orsay, cette exposition a reçu le label « Exposition d'intérêt national » du ministère de la Culture.

Sakountala : élaboration, succès et polémique

 

En 1888, Camille Claudel n’a que 21 ans lorsqu’elle expose Sakountala, un couple d’amoureux inspiré de la littérature indienne. C’est cette œuvre qui la fait connaître du public et de la critique et la seule qui lui vaut une récompense au Salon au cours de sa carrière. Pourtant, elle n'obtient pas la commande de l'État qui lui aurait permis de tailler un marbre monumental. Camille Claudel donne alors le plâtre de Sakountala au musée de Châteauroux, en 1895. Au moment de son installation, le pied gauche de Douchanta est brisé. Puis, l’œuvre est décriée pour son caractère érotique, sa taille, sa massivité, sa fragilité ou encore sa patine par la bourgeoisie locale qui peine à apprécier son travail. L’œuvre se dégrade ensuite progressivement dans les réserves du musée. Elle n’en sort que dans les années 1980 à la suite de la redécouverte de l'artiste.

Du mythe hindou à la sculpture intemporelle

La Reconnaissance de Sakountala, drame écrit par le poète hindou Kâlidâsa, probablement au IVe ou au Ve siècle, raconte l'histoire du roi Douchanta qui rencontre Sakountala pendant une partie de chasse. Après avoir épousé Sakountala, Douchanta est victime d’une malédiction et l’oublie. Si ce mythe a rarement été traité en peinture ou en sculpture, il a fait l'objet de plusieurs traductions en français, d'un ballet et de pièces de théâtre. Dans l’exposition, maquette de décor, projets de costumes ou encore photographies offrent un aperçu du décorum mis en œuvre pour impressionner et dépayser les spectateurs lors de ces représentations. Les visiteurs sont invités à comparer les mises en scènes très marquées par l'orientalisme et la surenchère décorative avec le traitement du thème par Camille Claudel, dépouillé, sobre et hors du temps.

Les avatars de Sakountala

Ce n'est qu'en fin de carrière que Camille Claudel parvient à traduire Sakountala en matériau noble. En 1905, elle en sculpte une version réduite en marbre pour la comtesse de Maigret, sous le titre Vertumne et Pomone. Prêtée par le musée Rodin pour l’évènement, celle-ci témoigne de la virtuosité de la sculptrice et du degré de perfection qu'elle a atteint. Le bronze, édité par son fidèle soutien et ami Eugène Blot, est présenté la même année au Salon d’automne sous le titre L’Abandon. Dénuée de référence mythologique, cette appellation charge l’œuvre d’une dimension plus allégorique, tout en répondant aux besoins de sa commercialisation. L'année suivante, l'État commande à Camille Claudel une statue de femme dérivant de Sakountala. Désormais seule et blessée, elle est représentée en fille de Niobé succombant à une flèche décochée par Apollon ou Artémis". (NDM)

 

Exposition du 14 septembre 2024 au 12 janvier 2025.

**** LA FABULOSERIE : Génies insolites et artistes hors-les-normes.

 

 

**** NATSUKO UCHINO : "Fiction Théorie Pabier"

 

"Au printemps, le musée invite l’artiste Natsuko Uchino à investir les espaces du château à l'occasion de sa première exposition personnelle dans une institution muséale française. Fiction Théorie Panier rassemble de nombreuses productions récentes marquées par le réinvestissement des techniques traditionnelles et l'expérience collective et démontre la volonté de l’artiste à construire une nouvelle voie face à l’accélération de la transformation mécanique et digitale du monde." (NDM)

 

Exposition du 1er mars au 15 septembre 2024.

**** PELAGIE GBAGUIDI : Tapisseries : "Murmurations"

 

L’équipe du musée vous convie au vernissage de l’exposition Murmurations le 29 juin dès 17h30. Pour l’occasion, une performance menée par Pélagie Gbaguidi et Clotide van Dieren (mezzo-soprano) vous fera découvrir les différents espaces du château et les œuvres exposées lors d’une déambulation. 

Née en 1965 à Dakar (Sénégal), Pélagie Gbaguidi est une artiste d’origine béninoise qui vit et travaille à Bruxelles en Belgique. Elle déploie une pratique aux multiples facettes, explorant la peinture, le dessin, la performance et l’installation. L’œuvre de Pélagie Gbaguidi se concentre sur l’histoire coloniale et postcoloniale. L’artiste se décrit volontiers comme une médiatrice entre la mémoire individuelle et les récits méconnus. Pour sa première exposition muséale en France, l'artiste a souhaité regrouper un ensemble d'œuvres picturales et graphiques récentes ainsi que plusieurs productions inédites. Sous le titre "Murmurations", l'exposition nous entraîne dans un parcours organique et poétique où le sublime cohabite inlassablement avec la cruauté du monde. (NDM)

 

Vernissage le samedi 29 juin à 17h30.

Le Musée d’Art Moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole invite tous les publics à venir (re)découvrir ses expositions en cours, consacrées à Marcelle Cahn, Marc Camille Chaimowicz ou encore aux collections avec l’accrochage The House of Dust.

Pendant 35 ans, les centrales de traitement d’air du bâtiment ont maintenu le climat assurant la bonne conservation des œuvres. Pendant 35 ans, les murs et cimaises ont été peints, percés, colmatés, repeints des centaines de fois pour présenter au public près de 400 expositions. Pendant 35 ans, plus de deux millions de visiteurs ont arpenté les 3000 m² de salles d’expositions. Première étape de l’avenir ambitieux du MAMC+, les sols, les cimaises et les centrales climatiques du bâtiment signé Didier Guichard, doivent aujourd’hui être réhabilités ou remplacés.

Alors que, dans les murs, les ouvriers s’affaireront pour donner une nouvelle jeunesse aux salles d’exposition, l’équipe du MAMC+ fera vivre l’équipement hors de ses murs. Une offre de médiation nomade sera ouverte à tous les publics habituellement accueillis au musée : scolaires, étudiants, seniors, personnes hospitalisées… Chaque action de médiation permettra d’activer des œuvres de la collection avec pour objectif d’intervenir dans les 53 communes de la métropole.

Les visiteurs retrouveront également le musée sur le site de la Cité du Design dans le bâtiment de la Platine. Le temps des travaux, cette installation éphémère permettra au MAMC+ de maintenir une programmation artistique et culturelle et de redéployer sa librairie.

À la réouverture, prévue au printemps 2024, les visiteurs bénéficieront d’une meilleure circulation dans les salles reconfigurées et retrouveront une œuvre, cachée depuis longtemps aux yeux du public, d’un certain Jean-Pierre Raynaud…" (NDM)

 

**** 60 ANS ! 

 

" Première fondation d’art moderne et contemporain en France, la Fondation Maeght fêtera son soixantenaire à l’été 2024. Créée en 1964 par le couple de marchands d’art, éditeurs et lithographes Marguerite et Aimé Maeght, elle fut inaugurée par André Malraux et immédiatement reconnue d’utilité publique. Cet anniversaire sera marqué par une grande exposition estivale « Amitiés, Bonnard-Matisse », l’inauguration de nouvelles salles d’exposition consacrées cette année à la collection permanente et un mois de célébrations composé de concerts, représentations de danse, projections de films, lectures...

En 60 ans et plus de 150 expositions de grands artistes du XXe et XXIe siècles, la Fondation Maeght a fortement marqué l’histoire et la diffusion de l’art par son regard si particulier. Ce prisme de l’amitié qui unit la famille Maeght, la Fondation et les artistes, permet en effet de raconter l’art loin des traditionnelles approches livresques : l’art et la vie en permanence liés, d’expositions en Nuits de la Fondation (danse, théâtre, musique...), en pique-niques, grandes tablées et sorties en bateau... Mais n’est-ce pas les artistes eux-mêmes qui avaient poussé le couple Maeght à dépasser la douleur de la perte de leur deuxième fils par un long voyage aux États-Unis dans les années 1950 ? Puis par la création de la Fondation inspirée des grandes références américaines alors visitées ? Barnes, Guggenheim, Phillips... En 60 ans et plus de 150 expositions de grands artistes du XXe et XXIe siècles, la Fondation Maeght a fortement marqué l’histoire et la diffusion de l’art par son regard si particulier. Ce prisme de l’amitié qui unit la famille Maeght, la Fondation et les artistes, permet en effet de raconter l’art loin des traditionnelles approches livresques : l’art et la vie en permanence liés, d’expositions en Nuits de la Fondation (danse, théâtre, musique...), en pique-niques, grandes tablées et sorties en bateau... Mais n’est-ce pas les artistes eux-mêmes qui avaient poussé le couple Maeght à dépasser la douleur de la perte de leur deuxième fils par un long voyage aux États-Unis dans les années 1950 ? Puis par la création de la Fondation inspirée des grandes références américaines alors visitées ? Barnes, Guggenheim, Phillips...

Pour célébrer cet anniversaire, la Fondation Maeght présente une exposition imaginée pour l’occasion « Amitiés, Bonnard-Matisse pour les 60 ans de la Fondation Maeght ». Du 29 juin au 6 octobre, l’exposition met l’accent sur la relation amicale et respectueuse entre Pierre Bonnard et Henri Matisse et retrace leurs liens avec la famille Maeght pour qui les deux artistes-amis incarnaient deux génies du XXe siècle, tout en partageant avec eux les grands – et plus anodins – moments de la vie.

Différentes thématiques cernent le propos avec de nombreuses œuvres et documents rares, prêts exceptionnels accordés pour l’occasion. L’exposition explore les caractères spécifiques des deux maîtres mais aussi, par effet miroir, les particularités de chacun dans leur approche de mêmes sujets : les autoportraits, la rue, la lumière du Midi, le peintre et son modèle...

Cet été, la Fondation Maeght inaugure également les nouveaux espaces réalisés en 2023 et 2024, avec l’accrochage d’une sélection d’œuvres emblématiques de sa collection. L’architecte Silvio d’Ascia, invité à concevoir cette extension, a imaginé quatre nouvelles salles dont deux offrent une vue unique sur la vallée par de larges baies vitrées, sous la Cour Giacometti et la Courette Miró. La Fondation Maeght pourra dorénavant proposer de manière concomitante une exposition temporaire, thématique ou monographique, et un accrochage de sa collection permanente dans des espaces dédiés. Cette extension du bâtiment a été conçue dans le plus grand respect du site arboré et du bâtiment historique de Josep Lluís Sert.

La Fondation, dont l’histoire nous rappelle que toutes les disciplines artistiques se croisent, prévoit enfin un mois de célébrations de son soixantenaire, de fin juin jusqu’au 28 juillet, date anniversaire de son inauguration en 1964 qui fut marquée par un concert mémorable : Ella Fitzgerald et Yves Montant. En 2024, la Fondation Maeght programme à nouveau de la danse, des concerts, des lectures, des films documentaires sur Bonnard et Matisse, des conférences, des ateliers pour enfants... (NDM)

 

**** EXPOSITION COLLECTIVE "MYTHOLOGIES, D'ACHILLE A BATMAN :

 

Un parcours d'Art contemporain dans la ville.

" la ville de Saint-Raphaël invite le public à un voyage initiatique aux confins de l’imagination avec l’exposition MythologieS. Du sommet du Mont Olympe aux ruelles sombres de Gotham City, MythologieS explore ces récits épiques qui attisent l’imaginaire collectif depuis la nuit des temps. Composée d’une centaine de peintures, sculptures, dessins et autres installations, cette exposition est à découvrir dans trois lieux symboliques de la Ville : le Centre culturel, le Musée archéologique et le Jardin Bonaparte.

MythologieS s’inscrit dans la continuité de l’exposition monumentale ExodeS, présentée à Saint-Raphaël durant l’été 2022. Cette année, la Ville fait de nouveau appel à Simone Dibo-Cohen, présidente de l’Union Méditerranéenne pour l’Art Moderne (UMAM), pour l’organisation de cette exposition multidisciplinaire. Ville pétrie d’histoire et de culture, Saint-Raphaël se transforme durant quatre mois en un carrefour de réflexions et de productions artistiques.

Plus de 40 artistes de tous horizons se sont en effet emparés de ce thème central dans l’histoire de l’art moderne. Leurs œuvres, aux inspirations iconographiques et aux matériaux divers, sont essaimées dans différents lieux : des sculptures monumentales habillent le Jardin Bonaparte, des photographies, des toiles et des dessins parent les murs de la salle d’exposition Raphaël, tandis que des vestiges du passé et des créations contemporaines s’entremêlent au cœur du Musée archéologique.

Liberté d’expression, éclectisme et singularité : tels sont les maîtres-mots de cette exposition accessible aux néophytes comme aux amateurs d’art les plus chevronnés. Dans la lignée de la réflexion de Roland Barthes dans son ouvrage Mythologies, cette manifestation est une invitation à réfléchir aux narrations qui nous entourent de toutes parts, à en gratter le fard pour en dévoiler les profondeurs parfois obscures.

MythologieS fait cheminer, au gré des envies et des étonnements, sur un parcours qui transcende toutes les frontières temporelles, spatiales, culturelles et artistiques. Miroir des aspirations, des peurs et des rêves des êtres humains, cette exposition rappelle le rôle essentiel des mythologies dans la construction des identités, des valeurs et des sociétés. Elle est une ode à la curiosité et à la réflexion, invitant chacun à se plonger dans les méandres de sa propre imagination.

« MythologieS, d’Achille à Batman s'attache à explorer l'écho intemporel des mythes dans notre société actuelle, s'inspirant des « métamorphoses » de Carl Gustav Jung pour qui les mythes éclairent nos rêves et dictent nos conduites inconscientes. En tissant des liens entre des figures mythologiques comme Achille, Aphrodite, Hercule, David et Goliath, et des héros actuels comme Batman ou Superman, l’exposition se fait le miroir de notre humanité. Elle nous convie à une réflexion sur la manière dont les mythes façonnent notre compréhension d’un monde moderne régi par la publicité, les réseaux sociaux et les fake-news. Elle enrichit, grâce à l’art contemporain, notre perception entre le réel et l’imaginaire. » Frédéric Masquelier

 

Exposition jusqu'au 12 octobre 2024.

**** Pierre Albasser, Pierre Amourette, Babahoum, Frédéric Bruly-Bouabré, Charles Boussion, Guy Brunet, Jean Crié, Darédo, Curzio Di Giovanni, Paul Duhem, Marie Espalieu, Didier Estival, Giovanni Galli, Daniel Gonçalves,Jean-Yves Gosti, Guyodo, Kurt Haas, Joseph Kurhajec, Alain Lacoste, Fernand Michel, Mina Mond,Masao Obata, Steve Moseley, Marion Oster, Heinrick Reinsenbauer, Gerard Sendrey, Henry Speller,

Mose Tolliver, Jean-François Veillard, Anna Zemankova,

Paul Amar et la Construction Insolite.

 

VOIR AUSSI : 

DAREDO: TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "DAREDO ET SES POUPEES" : FESTIVALS http://jeaninerivais.jimdo.com/ SINGULIEREMENT VOTRE MONTPELLIER 2015

PAUL DUHEM : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "LES PORTRAITS de PAUL DUHEM" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ Art brut

JEAN-YVES GOSTI : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "LES SCULPTURES ANTHROPOMORPHES DE GOSTI" :  http://jeaninerivais.jimdo.com/ Art contemporain

KURT HAAS: TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "SOUS LES TROPIQUES ENSOLEILLES" BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA N° 56 de décembre 1995. 

Et IDEART N° 46 DE MAI 1995. Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ FESTIVALS RETOUR SUR PRAZ-SYR-ARLY 1995

JOSEPH HURHAJEC: TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "LE BESTIAIRE FANTASMAGORIQUE DE JOSEPH KURHAJEC" : " BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA : N° 55 de juillet 1995 et N° 71 DE JANVIER 2002. Et aussi TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "LE BESTIAIRE FANTASMAGORIQUE DE JOSEPH KURHAJEC, SCULPTEUR" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ ART SINGULIER

ALAIN LACOSTE (1935-2022): ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : http://jeaninerivais.jimdo.com/  Rubrique RNTRETIENS. Et TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "QUOTIDIENS ET FANTASMAGORIES DANS L'ŒUVRE D'ALAIN LACOSTE, PEINTRE ET SCULPTEUR" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ ART SINGULIER.

MINA MOND: TEXTE DE JEANINE RIVAIS : " LES EX-VOTO DE MINA MOND" : http://jeaninerivais.jimdo.com/ FESTIVALS : BIZ'ART FESTIVAL : HAN-SUR-LESSE :  Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ART CONTEMPORAIN 2017. Pages des Nouveaux

MARION OSTER LUCRECE : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "MARION HANNA, AUX PRECIEUX BIJOUX" :  Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ART CONTEMPORAIN

GERARD SENDREY : TEXTES DE JEANINE RIVAIS : "GERARD SENDREY PEINTRE ET MUSEOGRAPHE " : BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA N° 53 d'OCTOBRE 1994. Et "HISTOIRES DE CREATION FRANCHE" : BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA N° 64 de Juin 1999. http://jeaninerivais.jimdo.com Retour sur un quart de siècle d'écritures NS. TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "PROPOS A BATONS ROMPUS ENTRE RAAK ANDRE-PILLOIS, DANIELLE LE BRICQUIR, JEANINE RIVAIS" : ENTRETIENS. Et TEXTE DE JEANINE RIVAIS HOMMAGES.

 

Exposition jusqu'au 22 septembre 2024.

**** THIERRY LEFORT : "California"

 

"Thierry Lefort, la peinture et son ombre.

Sont exposées pour la première fois les encres réalisées à Los Angeles l'hiver dernier.

Elles sont accompagnées de peintures emblématiques de son œuvre où les palmiers et la jungle urbaine font écho aux buildings et aux poteaux électriques si caractéristiques de la Californie.

Hermétique aux modes et aux tendances de l’art, Thierry Lefort poursuit avec une rare fidélité une certaine idée de la peinture, celle qui poussait, déjà, Cézanne à revenir inlassablement au motif avec l’obstination du moine concentrant son regard vers le dieu unique. En fervent admirateur du maître d’Aix, Thierry Lefort perpétue le geste de sortir la peinture de l’atelier. Ne la fait-il pas descendre dans la rue, en puisant le matériau de ses futures toiles in situ au sein des espaces urbains de Paris ou de Los Angeles ?

Ne confère-t-il pas ainsi une dignité esthétique à des lieux aussi anodins qu’un parking, une gare de triage, une friche industrielle ou un simple coin de rue ? N’apporte-t-il pas un soin tout particulier à des motifs plastiques généralement minorés, comme ces ombres portées qui finissent par envahir la surface de la toile ? Souvent surchargés de détails en apparence inutiles, à l’instar de l’écheveau de lignes téléphonique, de poteaux, et de poutrelles que le peintre s’évertue à détailler avec la patience d’un Morandi cernant le contour d’une carafe, les tableaux de Thierry Lefort semblent délivrer une métaphysique de ces objets urbains insignifiants. Les poteaux électriques d’une place de San Francisco prennent même, parfois, l’allure d’un tripalium pour de futures crucifixions…Sans doute, l’absence de personnage contribue-t-elle à donner une consistance plastique insolite à ces rues désertes que l’artiste s’évertue à priver de toute narration". Philippe Godin

 

Vernissage le 17 juin à 17h.

**** NOUVEL ACCROCHAGE : 

 

Exposition novembre 2023.

 

**** Liliana Porter, le jeu de la réalité. Des années 1960 à aujourd’hui.

 

Première rétrospective en France, mêlant des travaux historiques et récents, à travers un corpus d’une centaine d’œuvres…

"Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image." (NDM)

**** Tabita Rezaire. Fusion élémen.terre

 

Première exposition personnelle en France pour découvrir un ensemble d’œuvres inspirées des cultures mégalithiques (Monument préhistorique formé d'un ou de plusieurs blocs de pierre) sénégambiennes et du Brésil.

Les Abattoirs présentent la première rétrospective en France de l’artiste Liliana Porter (née en Argentine en 1941, résidant à New-York depuis 1964). À travers une centaine d’œuvres, l’exposition est conçue comme une traversée de son art. Mêlant œuvres historiques et travaux récents, elle met en évidence une nouvelle généalogie d’artistes femmes qui ont redéfini les limites de l’art conceptuel et ont transformé la poesié de l'installation.

 

Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours

de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image.

Pour sa première exposition monographique en France, l’artiste Tabita Rezaire (née en 1989, vit et travaille en Guyane, France) présente un ensemble d’œuvres à la croisée des nouvelles technologies et des rituels ancestraux. À la fois artiste, agricultrice, professeure de yoga, doula (personne accompagnant les femmes enceintes), Tabita Rezaire propose de faire l’intercesseur entre nous et d’autres voies d’accès au monde. À travers ses installations vidéo, elle réinvente les technologies contemporaines à l’aune des sciences ancestrales pour repenser notre relation au cosmos, en réinvestissant la mémoire corporelle, séculaire comme digitale.

 

À l’heure du post-Internet elle imagine de nouvelles technologies du lien en invoquant les éléments naturels que sont l’eau, l’air et la terre nourricière, ainsi que les arts de la guérison. Dans ses œuvres, elle apparaît comme une incarnation digitale d’un être cosmique jouant des codes d’Internet et combinant des réalités numérique, corporelle, scientifique et spirituelle à des savoirs traditionnels dans un contexte postcolonial. Parmi ses projets récents, elle a créé le site d’AMAKABA dans la forêt amazonienne en Guyane, conçu comme un espace pluriel où les énergies de la terre (à travers la culture du cacao), du corps (avec les doula et le yoga) et du ciel (observatoire astronomique) fusionnent et donnent naissance à de nouveaux scénarios d'être-au-monde. L’exposition est ainsi pensée comme un voyage multidimensionnel où chaque installation devient un portail par lequel chacun et chacune est invité à restaurer une connexion à l’Univers. (NDM)

**** CATHARES : Toulouse dans la croisade. 

 

Vernissage le vendredi 5 avril à 18h30.

Exposition du 5 avril 2024 au 5 janvier 2025.

 

Yana Mlynkova, directrice artistique de ETAC

 Je vous ai accompagnés dans la découverte des artistes durant ces 3 dernières saisons à ETAC en exerçant le rôle de directrice artistique, dans cette belle église St. Valérien à Tournus. Ce furent pour moi des moments inoubliables et je remercie tous les artistes qui ont fait vivre ce lieu et l'ont investi avec enthousiasme et une grande liberté.

 

Nous avons accueilli plus de 25 000 visiteurs et partagé avec beaucoup d'entre eux des émotions fortes et émouvantes.

Maintenant l'église a été vendue à une entreprise de travaux publics et devient un lieu privé. Nous ne savons pas ce qu'elle deviendra demain...

 

Mais notre aventure ne s'arrête pas là. Atelier Sepharos (association qui a été l'organisateur de ces expositions) travaille à un nouveau projet. Celui-ci sera très différent, mais toujours autour de l'Art Contemporain, avec de nouveaux partenaires.

Vous serez bien évidemment informés de ses avancées.

 En attendant, vous pouvez encore re-découvrir  ces saisons d'expositions sur le site de ETAC.(NDM)

Au plaisir de vous retrouver

**** JULIEN MAGRE : "En vie" et ARINA ESSIPOWITSCH "Déplier l'image

 

Vernissage le jeudi 22 juin à 18h.

 

**** BRICE LASO : "Décoller-Atterrir"

**** YVES ZURSTRASSEN : Peintures

 

" Yves Zurstrassen peint comme on compose de la musique. Il fait entendre la musique de chaque toile dans toutes ses fulgurances, ses variations, ses silences, ses ajouts et ses retraits, quand le tableau fini est le résultat graphique d’un dispositif pictural longtemps expérimenté et qu’on y perçoit aussi l’influence qu’a eue « sa musique à peindre », ce jazz qui l’accompagne toujours quand il travaille.

C’est donc à une polyphonie silencieuse qu’il nous invite, quasi mémorielle, quand il nous faudra tendre l’oreille et écouter, dans ce parcours de sept toiles monumentales qui se répondent au cœur même de la Halle des bouchers, le free jazz d’Evan Parker, la contrebasse de Joëlle Léandre, les accords de John Coltrane, de Miles Davis, d’Archie Shepp ou d’Ornette Coleman.

L’artiste utilise en effet un dispositif qui permet de « jouer la peinture » : « Les papiers que je découpe aux formes choisies ne sont pas collés, ils sont déposés sur la toile pour former la composition. Ils sont ensuite retirés très soigneusement pour laisser apparaître leurs motifs dans le tableau terminé qui reprend exactement les formes visibles du papier décollé ». Il utilise en effet des papiers comme pochoirs qui, une fois retirés, déposent sur la toile leurs signes. Et c’est précisément ce récit que Yves Zurstrassen fait de sa pratique qui laisse entendre l’orchestration expressive de son travail, jusqu’à la répétition des motifs qui sont autant ornementaux que musicaux. 

On est alors tenté de voir dans cette répétition, dans ce protocole de travail invarié, les signes d’un rituel, et dans l’abstraction obtenue « le glissement vers le religieux dès lors que s’estompe le sujet » comme le souligne Bernard Ceysson dans le texte du catalogue publié à l’occasion de l’exposition du peintre en 2023 au Musée Picasso d’Antibes. Une part de sacré peut-être, que ne renierait pas le peintre qui a réalisé pour Vienne ces sept tableaux disposés comme en fond de chapelle sur les cimaises en arches de la Halle ou en autel. On pense au chiffre 7 symbole de sagesse spirituelle qui invite à la méditation et si présent dans tant de religions, au choix des tonalités de couleur pour que seuls les signes et la blue note puissent vibrer.

Des couches de peinture apposées sur le support, des trames, des papiers perforés au cutter numérique dirigé par ordinateur, un pointillisme de répétition qui laisse entrevoir, par soustraction, des apparitions d’autres couches antérieures. C’est ce processus qui suit le temps sédimenté de la réalisation de la peinture qui fait naître ce jeu d’occultation puis de révélation avant que l’œuvre finie montre la totalité des strates déposées, une polyphonie subtile qu’enfin nous entendons.

Une musique de grande liberté, free jazz inventif et joyeux, une musique de « temps libre » au rythme intuitif et fluide, presque jubilatoire. La peinture d’Yves Zurstrassen est de cet ordre, celui d’un jeu très libre dans un rêve éveillé, comme celui de la vie elle-même. Bernard Collet

 

Exposition jusqu'au 18 août 2024.

 

 **** MARISA MERZ : "ascoltare la spazio, écouter l'espace"

 

Vernissage le 2 mai à 19h.

Exposition du 3 mai au 22 septembre 2024.

 

 

**** GUY BRUNET : "Le cinéma de mon père"

 

Vernissage le 2 mai à 19h.