**** PAULINE HEGARET : "Les nuées"

 

"Pauline HEGARET artiste visuelle et sonore présente "LES NUÉES", projet en partie développé lors de sa Résidence au Sémaphore de la pointe du Grouin en juin 2023. Originaire de Lanmodez, Pauline HEGARET se situe au croisement de l’art et de la science. Les récits anciens donnent une place prépondérante à la perception sonore des événements naturels: les brumes, les grandes marées, les tempêtes.. De nouvelles pratiques d'écoute contemporaine sont proposées par l'artiste par l'intermédiaire notamment des enregistrements sonores, de l'objet-artefact et de l'observation des phénomènes de Nuées contemporaines" (NDM)

 

Vernissage le 20/09 à 17h 

Exposition du 20 septembre au 27 novembre 2023.

**** Le Musée du Gévaudan change de tempo !

 

3 Laisser place à la diversité, décloisonner, faire vibrer ! Les équipes du Musée et du Pays d’art et d’histoire ont concocté une riche programmation, ponctuée par des temps forts et des rendez-vous réguliers.

Des temps forts

Le Musée ouvre sa saison 2023 le week-end du 1er  avril, avec une Grande Fiesta placée sous le signe du partage. Ateliers, visites, surprises au fil de la journée, apéro musical avec le Sillon Lauzé et concert swing-jazz manouche en soirée avec les Tire-Bouchons, groupe toulousain. Tout pour voir la vie en rose et 100% gratuitement à cette occasion ! Ensuite, deux dates à noter pour ce printemps : la Nuit des Musées le samedi 13 mai et les Journées européennes de l’archéologie du 16 au 18 juin. Puis bien sûr les Journées européennes du patrimoine en septembre. Sur ces temps forts, l’ensemble de l’offre est gratuite.

Des rendez-vous réguliers tout public sont proposés : atelier le 1er mercredi du mois, visite coup de cœur le dernier jeudi du mois, visite commentée un dimanche par mois, et plus encore en haute saison. Ces animations, ainsi que l’offre hors temps forts, sont proposés selon une palette de tarifs permettant à tous d’en profiter. L’entrée du Musée reste bien sûr gratuite ! Les visites et ateliers, selon formats et durée, sont proposés de 2€ à 10€ pour le public individuel. Certains publics sont exonérés (titulaires des minimas sociaux, enfants jusqu’à 5 ans) et des tarifs réduits sont proposés (6-18 ans, +65 ans, demandeurs d’emploi, personnes en situation de handicap...). Les visites pour groupes (10 à 15 personnes) sont organisées sur réservation (museepatrimoine@mende.fr) à partir de 40€. À noter : toutes les écoles maternelles et primaires de Lozère sont accueillies gratuitement

en visite ou en atelier §

Enfin l’exposition temporaire, présentée au 2e étage, est renouvelée tous les ans. Pour le lancement du Musée, lumière sur les dessous du chantier et l’histoire des collections et du musée ! L’exposition « En mode recette pour un musée » présente une formule enrichie, et notamment des œuvres prêtées par le Musée des beaux-arts de Nancy. Surprise... L’année 2024 offrira au public une exposition autour de l’art brut, avec une portée départementale, régionale et plus ! Un projet porté en partenariat avec les Abattoirs, Musée-FRAC de Toulouse. On vous en dit davantage très bientôt !" (NDM)

" La Coopérative-Musée Cérès Franco vient de baisser le rideau, dimanche 30 octobre sur la saison 2022 et son 

exposition “Féminin Plurielles”. Une belle saison qui a été symboliquement close lors du chaleureux hommage rendu à Cérès Franco une semaine plus tôt. Nous remercions les amis, les artistes et la famille pour avoir participé à la réussite de ce moment, ainsi que l’Association pour la valorisation de la collection Cérès Franco.

L’exposition de la commissaire Michela Alessandrini clôt ainsi un cycle de huit années d'expositions, de conférences, de rencontres de personnalités du monde de l'art, de reportages et d’articles de presse et de dizaines de milliers de visiteurs et d'élèves de la région Occitanie dans le cadre de la médiation mise en place par le musée.

Depuis 2015, et son ouverture au public, La Coopérative-Musée Cérès Franco s’est installée dans le paysage culturel de Montolieu, Carcassonne Agglo, le Département de l’Aude et la Région Occitanie. Des liens forts ont été créés avec de nombreux autres lieux culturels, établissements scolaires et partenaires qui font aujourd’hui du musée, un acteur culturel majeur du territoire. Une structure qui a reçu aussi la reconnaissance de nombreux observateurs du monde de l’art, commissaires d’exposition comme Jean-Hubert Martin, artistes mais aussi journalistes spécialisés dans les journaux et magazines nationaux.

Une nouvelle ère s’ouvre ! Elle va débuter par plusieurs mois de travaux. Un projet porté par les collectivités (Région Occitanie, Département de l'Aude, Carcassonne Agglo et commune de Montolieu) réunies au sein du GIP. Le musée s'engage aussi dans une procédure afin d'obtenir le label Musée de France et l’équipe travaillera pour étudier, conserver et valoriser la collection et les archives ainsi que pour préparer la réouverture du nouveau musée.

Les travaux d'agrandissement et de rénovation visent à faire de ce lieu, ancienne cave coopérative datant de 1939 qui avait été transformée en galerie au début des années 2000, un véritable musée. Le cabinet Passelac & Roques, qui a été associé à RCR arquitectes pour le projet du musée Soulages à Rodez, a dessiné le nouveau musée Cérès Franco. Un projet ambitieux qui permettra de créer des réserves pour accueillir les 1651 œuvres ayant fait l'objet de la donation. L'espace d'exposition sera agrandi et seront aussi créés un espace de médiation – plus de 2000 enfants et jeunes sont accueillis chaque année dans le cadre de visites pédagogiques -, un lieu de documentation et d'archives mais aussi des nouveaux bureaux pour le personnel. Et bien sûr, les travaux permettront l'accès aux personnes en situation de handicap". (NDM)

 

**** ALAIN KIEFFER : Sculptures.

 

"Alain Kieffer crée des sculptures en terre cuite en écoutant son cœur et c’est en ce sens qu’il se considère comme un artiste intuitif.

Né en 1970 à Amnéville, en Lorraine, il est pétri de plusieurs cultures : Italie, Allemagne, Mexique et France. Il a mis les mains dans la terre en 1995, comme ses ancêtres ont mis les mains dans le charbon, et il a décidé de faire naître de cette passion la lumière. Il pose d'abord un pied, puis un second, comme un arbre prend racine. Jamais d'esquisse réalisée au préalable, pas de projet de création défini à l'avance. Lorsqu’il crée une

sculpture, il vit le moment présent. Ce qui l’intéresse dans l'acte de création, c'est d’être surpris par le chemin que la sculpture va emprunter. Comme tout être humain, il n’a pas de certitudes, en ce qui concerne le chemin... Il ne connaît que deux étapes de vie et de création : la naissance, celle d'une œuvre qui plante ses racines dans le sol avec la force vitale qui anime chaque être vivant. Et, comme l'a chanté Jean Gabin « Je sais », il sait que l'on ne sait jamais d'avance ce qui se passera entre ces deux étapes. Alors il reste souple, tout au long du parcours, et chaque incident est à célébrer, magnifique, comme les cicatrices et les rides témoignent de la vie d'un homme. Car, pour Alain Kieffer, chaque incident de parcours est l'occasion d'apprendre, de grandir et de se surpasser. Chaque chemin de création d'une œuvre est comme un parcours de vie, le témoignage d'une évolution. Le tout lui apparaît comme une somme d'expériences, un parcours jalonné par la joie de vivre pleinement chaque instant.

La rencontre avec la lumière est, pour lui, la dernière étape d'une sculpture et également celle d'une vie. Juste au-dessus de la tête, il y a ce fil qui relie à l'univers... C'est la rencontre avec l'invisible. Il ressent le moment où la sculpture est arrivée à terme. Tout est là, elle est belle, équilibrée. Elle est complète. Faire une sculpture avec le cœur, c'est l'assurance d'être toujours surpris du résultat, et c'est vivre la joie de la surprise. Ses sculptures sont paisibles et sereines, elles portent la joie qu’il a eu à les faire, la foi et la confiance qu’il a en la vie. Elles sont en parfaite adéquation avec une autre facette de sa personnalité, de sa spiritualité. Alain Kieffer est également thérapeute énergétique et passeur d'âme." (NDM)

 

VOIR AUSSI : ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : FESTIVAL CERAMIQUES INSOLITES, SAINT-GALMIER 2005. ENTRETIEN "CERAMIQUES INSOLITES :  Festivals SAINT-GALMIER 2006, http://jeaninerivais.jimdo.com/

Et Texte de Jeanine Rivais : "LE MONDE ENTRE DEUX ZOOS D'ALAIN KIEFFER, SCULPTEUR". http://jeaninerivais.jimdo.com/ART SINGULIER. Et ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : FESTIVALS. RETOUR SUR BANNE 2003

 

Exposition du 4 septembre au 31 décembre 2023.

****Dove Allouche, Marc Chevalier, Cornelia Hesse, Sarah Illouz & Marius Escande, Vincent Malassis, Angelika Markul, Flore Saunois, Eulalia De Valdenebro : "Impact"

 

"L’eac. invite, dans la continuité de sa transition écologique débutée en 2021, une dizaine d’artistes qui questionnent les enjeux environnementaux.

 Au-delà des actes mis en place par l’eac. (recyclage, tri sélectif, réemploi des matériaux, éco-conception de la scénographie), il semblait essentiel que le centre d'art dans sa vocation et ses missions d'engagement auprès des artistes et du public mette ces enjeux fondamentaux au coeur de son projet artistique. L’exposition IMPACT révélera comment certains artistes nous incitent à déplacer notre point de vue sur l’environnement pour faire évoluer notre impact sur la biodiversité, favoriser sa restauration et la valorisation des écosystèmes. Au-delà d'une approche qui pourrait paraître de prime abord comme restrictive ou moralisatrice, il est avant tout question de ne jamais s'arrêter de « penser culture » selon les mots d'Alice Auduin* en pensant dans la durée et en abordant ces sujets de manière plus philosophique et politique que matérielle. *Alice Auduin est fondatrice et présidente d’Art of Change 21 et cofondatrice de COAL

 

Exposition du 25 juin 2023 au 7 janvier 2024.

**** Cécile Bart & Ode Bertrand : "Dialogue avec la collection Albers-Honegger"

 

"L’eac. présente un nouveau cycle de relecture de sa collection permanente, et choisit de mettre à l'honneur deux artistes essentielles de la scène abstraite française : Cécile Bart et Ode Bertrand, qui, invitées en tandem de cette édition 2023, vont dialoguer non seulement entre elles mais également avec une sélection d'œuvres issues de la Donation Albers-Honegger, avec des artistes tels que : Bernard Aubertin, Marcelle Cahn, Antonio Calderara, Jean-François Dubreuil, Gottfried Honegger, Frantisek Kupka, Verena Loewensberg, Aurélie Nemours, Vera Molnar, François Morellet, David Rabinovitch...

Cécile Bart et Ode Bertrand expérimentent la notion de trame et de maillage en jouant avec l'œil du spectateur et également avec l'échelle même de leurs oeuvres, allant de l'infiniment petit pour l'une à la monumentalité pour l'autre. La question du rythme traverse également leurs démarches respectives. Intime du cercle de l'art concret, Cécile Bart a côtoyé depuis les années 80 le couple Albers-Honegger. Quant à Ode Bertrand, après une carrière dédiée à la danse, éclairée par la pratique de sa tante, Aurélie Nemours, qu'elle a assisté dans son travail, elle se consacre aussi à l'art abstrait géométrique"..(NDM)

**** UN MONDE A GUERIR : "160 ans de photographie à travers les collections de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge".

 

"Omniprésente dans l’actualité, l’image humanitaire est entrée dans notre quotidien il y a plus d’un siècle. Elle nous paraît souvent immédiate et univoque. La photographie cadre une scène et en offre une interprétation. Or la réalité du terrain est toujours plus complexe que sa représentation. 

Avec plus de 600 images de 1850 à nos jours, Un monde à guérir est le fruit de plus de deux ans de recherche menée au sein des collections du Musée international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge (MICR), du Comité international de la Croix-Rouge (CICR) et de la Fédération internationale des Sociétés de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge (FICR). Le projet est coproduit en partenariat avec les Rencontres de la photographie d’Arles.

Entre images publiques, conçues pour communiquer l’urgence de l’action humanitaire, et images plus confidentielles, l’exposition révèle, sur une très grande variété de supports, un patrimoine resté peu exploré à ce jour.

Réunissant de grands noms de la photographie, notamment de l’agence Magnum Photos tels que Werner Bischof, Susan Meiselas ou encore Raymond Depardon, Un monde à guérir présente aussi des images prises par des collaborateurs et collaboratrices du Mouvement international de la Croix-Rouge et du Croissant-Rouge et par des personnes directement affectées par les crises." (NDM)

 

Exposition du 27 octobre 2023 au 7 janvier 2024.

**** DE LA PLUME AU CISEAU. CORRESPONDANCE DE CAMILLE CLAUDEL".

 

"l'exposition « De la plume au ciseau » présente pour la première fois au public six lettres de Camille Claudel à son éditeur, Eugène Blot. Ces lettres, qui viennent d’entrer dans les collections du musée de Nogent-sur-Seine, sont exposées à l’occasion de la commémoration des quatre-vingts ans de la mort de l’artiste, le 19 octobre 1943.

Aux côtés des lettres à Blot, les prêts consentis par le musée Rodin et le musée d’Orsay permettent d’évoquer le réseau de critiques et de commanditaires qu’elle a su constituer pour soutenir la réalisation et la diffusion de ses œuvres : le critique Gustave Geffroy, l’industriel Maurice Fenaille ou encore le banquier Joanny Peytel. Des lettres à Florence Jeans et à Auguste Rodin évoquent le cercle intime de la jeune femme.

Dans sa correspondance, qui court ici de 1895 à 1909, Camille Claudel évoque ses projets en cours et les œuvres qu’elle s’apprête à exposer. On y découvre notamment ses hésitations à accepter la commande d’un monument à Auguste Blanqui (1805-1881), inclassable et irréductible révolutionnaire qui passa plus de 33 ans en prison pour ses idées, et les raisons pour lesquelles elle finit par y renoncer. On suit aussi les différentes étapes de l’édition en bronze de La Joueuse de flûte ou encore les détails de la fonte de L’Âge mûr pour Louis Tissier. La sculptrice s’ouvre enfin à Blot de sa détresse financière et, sans relâche, elle lui demande de l’argent, avec une franchise qui témoigne de la solide confiance qui la liait à son éditeur. 

Ces lettres révèlent l’attention de l’artiste à tous les détails de la réalisation matérielle de ses sculptures, jusqu’à intervenir parfois directement dans la réalisation des bronzes. On découvre ainsi pourquoi la ciselure du Buste de Rodin est si particulière et pour quel contexte l’artiste a conçu Persée et la Gorgone. Placées aux côtés des œuvres qu’elles évoquent, les lettres nous éclairent sur leur genèse et les conditions de leur réalisation. Elles nous rappellent que, si les sculptures sont conçues dans l’esprit de leur créateur, leur réalisation dépend d’une commande et de la maîtrise par l’artiste de toute une chaîne de fabrication.

L'exposition de la correspondance de Camille Claudel permet de commémorer les quatre-vingts ans de la mort de l'artiste, le 19 octobre 2023. Plusieurs temps forts sont ainsi programmés tout au long du mois d’octobre." (NDM)

 

Exposition jusqu'au 7 janvier 2024.

**** LA FABULOSERIE : Génies insolites et artistes hors-les-normes.

 

 

**** ALEX CECCHETTI : "Je suis un monstre marin".

 

 « Je suis un monstre marin » nous invite, dans une célébration de la nature et de sa préservation, à revenir à une dimension primordiale, « à redevenir forêt, à redevenir vague » selon les propres mots de l’artiste. A travers une série de nouvelles œuvres spécialement réalisées pour le musée, l’exposition dessine un jardin, une forêt, un océan et trace un cercle magique où nos corps deviennent méduses et astres, nos voix se meuvent en chant d’oiseaux ou en poèmes. Jouant des rites, sortilèges et croyances universelles, Alex Cecchetti nous transporte ainsi dans un univers poétique et énigmatique, où les frontières entre l’humain et le non-humain s’estompent. Le vernissage sera accompagné d’une performance d’Alex Cecchetti avec la soprano Mathilde Barthélémy." (NDM)

 

Exposition du 1er juillet au 15 décembre 2023.

**** MARTIN BARRÉ : Figure majeure de la peinture abstraite d’après-guerre.

 

"Peintes entre 1956 et 1967, les quatorze œuvres présentées dans l’exposition illustrent la décennie décisive au cours de laquelle l’artiste procède à une réduction-concentration des moyens picturaux. L’artiste s’engage ainsi dans une déconstruction des codes de la peinture abstraite alors en vigueur pour atteindre le minimalise auquel il aspire. Parmi les solutions explorées pour épurer sa peinture, l’artiste limite sa palette à quelques tonalités de noirs et de bruns. Il concentre ou agglomère les formes qui traversent les fonds blancs de ses tableaux et privilégie un emploi parcimonieux de la matière.

À partir des années 1960, succèdent aux toiles peintes à la brosse et au couteau, les œuvres exécutées directement aux tubes de couleur, puis à la bombe aérosol, technique dont l’artiste fait un usage pionnier entre 1963 et 1967. De cette période radicale, l’exposition présente pour la première fois depuis 1967 la maquette pour le rideau d’avant-scène de la grande salle de la Maison de la Culture de Grenoble dessinée par l’architecte André Wogenscky, ancien collaborateur de Le Corbusier.

Martin Barré (Nantes, 1924 – Paris, 1993) est un artiste dont la pratique est restée en mutation constante sur quarante années de carrière. Comme le souligne Bertrand Dumas, commissaire de l’exposition et conservateur des collections beaux-arts à la Fondation Gandur pour l’Art, « pas de palier ou de suspension chez Martin Barré, tout n’est que recherches et permanentes remises en cause. Cette exigence personnelle, conjuguée à une véritable audace formelle, est particulièrement créatrice au tournant des années 60 ».

À l’occasion de l’exposition, un catalogue regroupant toutes les œuvres du peintre dans la collection de la Fondation Gandur pour l’Art, sera publié." (NDM)

 

Exposition du 10 février au 18 septembre 2023.

 

au Musée des Beaux-Arts de Rouen

au Musée de la céramique à Rouen

au Musée de la Corderie Vallois à Notre-Dame-de-Bondeville

au Musée Pierre Corneille à Rouen

 

**** Alioune Diagne, Jean-Arneau Filtness, Baptiste Carluy, Natalia Jaime Cortez, Sandrine Reisdorffer, Céline Tuloup : LA RONDE : "Fleuves".

 

" Pour sa septième édition, La Ronde s’articulera autour de la thématique des Fleuves*, que les visiteurs découvriront sous toutes leurs formes et leurs usages grâce aux visions des six artistes d’horizon et de techniques variées qui ont été sélectionnés par la RMM à l'issue d'un appel à projets et dont les œuvres dialogueront avec les collections de 4 des musées de la RMM (11 musées au total).

Fleuve chimérique ou métaphorique. Fleuve que l’on traverse, que l’on suit ou que l’on dompte. Fleuve où l’on se noie, où l’on renait. Chaque artiste proposera sa vision du cours d’eau et créera un dialogue avec les collections des musées, le territoire et/ou ses habitants. Avec la Seine comme complice, mais aussi avec le soutien de la commissaire, Florence Calame-Levert, des conservateurs, chargés de collections, médiateurs et techniciens de la RMM.

Alors que le reconnu Alioune Diagne (représentant du Sénégal à la Biennale d’art de Venise 2024) emmènera le public au pouls du fleuve Sénégal en pleine activité, Jean-Arneau Filtness campera des cours d’eau de verre et de couleur et le jeune Baptiste Carluy ouvrira une partie de pêche réjouissante. Et bien sûr, les femmes ne seront pas en reste dans cette saison. Natalia Jaime Cortez connaît bien la thématique de l’eau et joue avec depuis des années avec ses compositions de papier tandis que Sandrine Reisdorffer joue avec le ruissellement de l’eau et le visage dans un questionnement du rapport à l’image. Céline Tuloup, quant à elle, invitera le public au voyage sur le fleuve antique qu’est le Styx pour dresser une réflexion sur nos enjeux contemporains.

*la thématique des fleuves sera explorée tout au long de l’année par la RMM, qui y consacre également son programme de fin d’année, LTDC (Le Temps des collections). Cette thématique fluviale fait écho à l’identité propre de la métropole rouennaise avec la Seine. Artère commerciale, lieu de culture, d’habitation ou de passage, cet axe majeur relie les femmes et les hommes du territoire. Elle s’inscrit également dans le cadre de la candidature de la métropole au titre de Capitale Européenne de la Culture 2028, dont la Seine représente un élément central en structurant le territoire, irriguant l’imaginaire et l’ouverture vers ailleurs.

 

Exposition du 15 septembre 2023 au 5 mars 2024

**** Alioune Diagne, Jean-Arneau Filtness, Baptiste Carluy, Natalia Jaime Cortez, Sandrine Reisdorffer, Céline Tuloup

 

" Pour sa septième édition, La Ronde s’articulera autour de la thématique des Fleuves*, que les visiteurs découvriront sous toutes leurs formes et leurs usages grâce aux visions des six artistes d’horizon et de techniques variées qui ont été sélectionnés par la RMM à l'issue d'un appel à projets et dont les œuvres dialogueront avec les collections de 4 des musées de la RMM (11 musées au total).

Fleuve chimérique ou métaphorique. Fleuve que l’on traverse, que l’on suit ou que l’on dompte. Fleuve où l’on se noie, où l’on renait. Chaque artiste proposera sa vision du cours d’eau et créera un dialogue avec les collections des musées, le territoire et/ou ses habitants. Avec la Seine comme complice, mais aussi avec le soutien de la commissaire, Florence Calame-Levert, des conservateurs, chargés de collections, médiateurs et techniciens de la RMM.

Alors que le reconnu Alioune Diagne (représentant du Sénégal à la Biennale d’art de Venise 2024) emmènera le public au pouls du fleuve Sénégal en pleine activité, Jean-Arneau Filtness campera des cours d’eau de verre et de couleur et le jeune Baptiste Carluy ouvrira une partie de pêche réjouissante. Et bien sûr, les femmes ne seront pas en reste dans cette saison. Natalia Jaime Cortez connaît bien la thématique de l’eau et joue avec depuis des années avec ses compositions de papier tandis que Sandrine Reisdorffer joue avec le ruissellement de l’eau et le visage dans un questionnement du rapport à l’image. Céline Tuloup, quant à elle, invitera le public au voyage sur le fleuve antique qu’est le Styx pour dresser une réflexion sur nos enjeux contemporains.

 

*la thématique des fleuves sera explorée tout au long de l’année par la RMM, qui y consacre également son programme de fin d’année, LTDC (Le Temps des collections). Cette thématique fluviale fait écho à l’identité propre de la métropole rouennaise avec la Seine. Artère commerciale, lieu de culture, d’habitation ou de passage, cet axe majeur relie les femmes et les hommes du territoire. Elle s’inscrit également dans le cadre de la candidature de la métropole au titre de Capitale Européenne de la Culture 2028, dont la Seine représente un élément central en structurant le territoire, irriguant l’imaginaire et l’ouverture vers ailleurs. 'NDM)

 

Exposition du 15 septembre 2023 au 5 mars 2024.

**** Le Musée de la Ferronnerie, Le Secq des Tournelles, à Rouen, qui présente la plus importante collection publique de ferronnerie ancienne au monde au sein d’un lieu patrimonial remarquable du XVe siècle,  s'enrichit de la collection Dunod | « Le sens de la mesure". 

 

 Exposition à partir du  2022.

 

Le Musée d’Art Moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole invite tous les publics à venir (re)découvrir ses expositions en cours, consacrées à Marcelle Cahn, Marc Camille Chaimowicz ou encore aux collections avec l’accrochage The House of Dust.

Pendant 35 ans, les centrales de traitement d’air du bâtiment ont maintenu le climat assurant la bonne conservation des œuvres. Pendant 35 ans, les murs et cimaises ont été peints, percés, colmatés, repeints des centaines de fois pour présenter au public près de 400 expositions. Pendant 35 ans, plus de deux millions de visiteurs ont arpenté les 3000 m² de salles d’expositions. Première étape de l’avenir ambitieux du MAMC+, les sols, les cimaises et les centrales climatiques du bâtiment signé Didier Guichard, doivent aujourd’hui être réhabilités ou remplacés.

Alors que, dans les murs, les ouvriers s’affaireront pour donner une nouvelle jeunesse aux salles d’exposition, l’équipe du MAMC+ fera vivre l’équipement hors de ses murs. Une offre de médiation nomade sera ouverte à tous les publics habituellement accueillis au musée : scolaires, étudiants, seniors, personnes hospitalisées… Chaque action de médiation permettra d’activer des œuvres de la collection avec pour objectif d’intervenir dans les 53 communes de la métropole.

Les visiteurs retrouveront également le musée sur le site de la Cité du Design dans le bâtiment de la Platine. Le temps des travaux, cette installation éphémère permettra au MAMC+ de maintenir une programmation artistique et culturelle et de redéployer sa librairie.

À la réouverture, prévue au printemps 2024, les visiteurs bénéficieront d’une meilleure circulation dans les salles reconfigurées et retrouveront une œuvre, cachée depuis longtemps aux yeux du public, d’un certain Jean-Pierre Raynaud…" (NDM)

 

**** JEAN-PAUL RIOPELLE : "Parfums d'ateliers"

Dans le cadre de « Riopelle 100 »,

année du centenaire de la naissance de l’artiste

 

"À l’été 2023, la Fondation Marguerite et Aimé Maeght proposera une exposition monographique consacrée à Jean Paul Riopelle (1923-2002), artiste canadien qui a profondément marqué l’histoire de l’art. Du 1er juillet au 5 novembre 2023, l’exposition « Jean Paul Riopelle - Parfums d’ateliers » explorera l’Œuvre de l’artiste comme il n’a jamais été vu grâce au commissariat de sa fille, Yseult Riopelle, et à de nombreux prêts exclusifs publics et privés.

Quand il arrive à Paris en 1947, Riopelle découvre le travail d’artistes internationaux tous avides comme lui de liberté et d’expérimentation. Rapidement, ses œuvres sont exposées à Paris, Londres, New York, Ottawa, Montréal et Québec. En 1962, Riopelle représente le Canada à la Biennale de Venise et reçoit un des trois prix de l’UNESCO. Dès lors, sa renommée internationale est immense pour un artiste aussi jeune. Pendant quarante ans, entre ses ateliers au Québec, à Paris, Vétheuil, Meudon, Saint-Cyr-en-Arthies, ou dans le Sud de la France et son retour au Canada en 1990, Riopelle, toujours débordant d’idées et ouvert à toutes les techniques, s’avérera un artiste unique.

Après deux expositions monographiques consacrées à Riopelle en 1970 et 1990, la Fondation Maeght propose avec « Jean Paul Riopelle - Parfums d’ateliers » une approche nouvelle, un voyage au cœur des œuvres de l’artiste, réalisées au sein des différents ateliers qu’il occupa des deux côtés de l’Atlantique. L’exposition présentera ainsi plus de 180 œuvres de Riopelle, des travaux phares aussi bien qu’inédits, proposant un cheminement à travers les techniques utilisées par l’artiste.

Si l’une des salles de la Fondation Maeght [salle Giacometti] proposera un parcours historique, l’exposition n’est cependant pas une rétrospective. Dans les salles suivantes seront en effet développés des thèmes n’ayant jamais été dévoilés avec une telle ampleur dans une même exposition : les collages, le bestiaire, les « jeux de ficelle », les pastels, fusains ou tapisseries, puis les inspirations nordiques et l’influence de Matisse. Dans la salle dite « de la Mairie » à la Fondation seront présentées neuf imposantes lithographies originales de la série Suite et, pour la première fois depuis des années, Chevreuse, le plus grand tableau peint par Riopelle sera accessible au public grâce au prêt exceptionnel du Centre Pompidou.

 

Cette exposition sera l’occasion d’une programmation estivale dédiée à l’artiste : concerts, projections de films en plein air, ateliers pour enfants... Elle marquera aussi le grand retour de la danse à la Fondation Maeght avec « Passages » de Noé Soulier, dans des décors que Riopelle avait imaginés pour Merce Cunningham en 1967. Les carnets de dessins de Riopelle permettant d’en produire pour la première fois un des ensembles en grandes dimensions, ils seront activés par le chorégraphe et ses danseurs à la Fondation Maeght.

 

Exposition du 3 juin au 1er octobre 2023.

**** Saint-Sever abrite de nombreux créateurs qui travaillent souvent dans l'ombre. Une fois n'est pas coutume, le Musée des Arts Buissonniers a décidé de mette en lumière ces "bricoleurs de l'imaginaire" locaux dans une exposition spéciale intitulée « Dans le buisson ». Dessins, peintures, broderies, tissages, sculptures, taille de pierre... Les formes présentées par ces hommes et ces femmes de tous âges sont diverses. Ils ont pour point commun de poser avec leur création un regard sensible et poétique. L'exposition compte avec les œuvres de la famille Camilli (Agathe, Félix, Louise, Martin et Pierre), Cisco, Aurélie Fourrier, Gabrielle Henric, Pierre-Joseph Kurhajec et Boyka Todorova. Une œuvre complètement locale, la fresque collective en canevas réalisée sur le territoire par 70 personnes, exposée à Brusque les 16 et 17 septembre… (NDM)

 

Vernissage le samedi 16 septembre à 18h.

Exposition du 16 septembre au 5 novembre 2023.

**** THIERRY LEFORT : "California"

 

"Thierry Lefort, la peinture et son ombre.

Sont exposées pour la première fois les encres réalisées à Los Angeles l'hiver dernier.

Elles sont accompagnées de peintures emblématiques de son œuvre où les palmiers et la jungle urbaine font écho aux buildings et aux poteaux électriques si caractéristiques de la Californie.

Hermétique aux modes et aux tendances de l’art, Thierry Lefort poursuit avec une rare fidélité une certaine idée de la peinture, celle qui poussait, déjà, Cézanne à revenir inlassablement au motif avec l’obstination du moine concentrant son regard vers le dieu unique. En fervent admirateur du maître d’Aix, Thierry Lefort perpétue le geste de sortir la peinture de l’atelier. Ne la fait-il pas descendre dans la rue, en puisant le matériau de ses futures toiles in situ au sein des espaces urbains de Paris ou de Los Angeles ?

Ne confère-t-il pas ainsi une dignité esthétique à des lieux aussi anodins qu’un parking, une gare de triage, une friche industrielle ou un simple coin de rue ? N’apporte-t-il pas un soin tout particulier à des motifs plastiques généralement minorés, comme ces ombres portées qui finissent par envahir la surface de la toile ? Souvent surchargés de détails en apparence inutiles, à l’instar de l’écheveau de lignes téléphonique, de poteaux, et de poutrelles que le peintre s’évertue à détailler avec la patience d’un Morandi cernant le contour d’une carafe, les tableaux de Thierry Lefort semblent délivrer une métaphysique de ces objets urbains insignifiants. Les poteaux électriques d’une place de San Francisco prennent même, parfois, l’allure d’un tripalium pour de futures crucifixions…Sans doute, l’absence de personnage contribue-t-elle à donner une consistance plastique insolite à ces rues désertes que l’artiste s’évertue à priver de toute narration". Philippe Godin

 

Vernissage le 17 juin à 17h.

**** JOHN M. ARMLEDER : "Yakety yak"

 

" Peintre, performer, curateur, éditeur, galeriste, John M Armleder est une figure majeure de l’art contemporain. L’exposition « Yakety Yak » est l’occasion de parcourir son travail depuis les Furnitures Sculptures des années 1980 (œuvres hybrides associant peinture et mobilier) jusqu’aux œuvres les plus récentes dont plusieurs produites spécialement pour l’exposition. Sa démarche brouille les hiérarchies, affirme la valeur décorative de l’art et rejoue avec humour l’abstraction du XXe siècle." (NDM)

 

Vernissage le 14 avril 

Exposition du 15 avril au 24 septembre 2023.

 

**** Petra Mrzyk et Jean-François Moriceau : "Meilleurs Vœux de la Jamaïque"

 

Adepte du dessin le duo d’artistes propose une installation immersive dans laquelle se croisent dessins sur papier, céramiques, vidéos, wall-drawings mais aussi l’installation d’une centaine de paravents découpés et peints. Dans leurs dessins à la ligne claire tout mute et se transforme, le duo aime faire vaciller les normes et les usages, dévoiler la nature ambiguë des choses, toujours en essayant de diversifier les supports." (NDM)

 

 Exposition du 15 avril au 24 septembre 2023.

**** KATINKA BOCK "Silver"

 

"Les sculptures de Katinka Bock, en céramique, pierre, bois ou métal entretiennent toujours des liens profonds avec les sites dans lesquels elle expose, l’architecture du lieu qui l’accueille ou même parfois le contexte culturel, historique ou social d’une ville. À Sète elle intègre entre autres la présence de l’eau et des canaux autour du Crac, certains usages liés aux joutes marines qui sont présents en filigrane dans un nouveau film, produit pour l’occasion.

 Dans le travail de Katinka Bock, il est question de disparition, d’absence, de lien entre les corps et les espaces, de seuil et de limite. La précarité, l’impermanence, l’équilibre ou le déséquilibre de ses sculptures mettent en jeu les points de rupture et les états limites de la matière tout comme leur poésie intrinsèque.

 Après plusieurs expositions d’envergure, en 2018 et 2019, dans diverses institutions européennes (Institut d’Art Contemporain, Villeurbanne ; Mudam, Luxemburg ; Kunstmuseum Winterthur, Suisse, Lafayette Anticipations et Centre Pompidou à Paris), cette nouvelle exposition d’ampleur, dans une institution française, est l’occasion de découvrir un corpus d’œuvres important de Katinka Bock, produites au cours des cinq dernières années, ainsi que de nouvelles productions (films et sculptures)". (NDM)

 

Exposition du 1er juillet 2023 au 7 janvier 2024.

REOUVERTURE DU MUSEE

 

**** ANDRE ROBILLARD

 

VOIR AUSSI : TEXTE DE JEANINE RIVAIS : "ANDRE ROBILLARD, SES FUSEES ET SES FUSILS ou COMMENT UNE ŒUVRE PEUT BOUTER UN CREATEUR HORS DE CHEZ LUI…" CE TEXTE A ETE PUBLIE DANS LE N° 73 TOME 1 DE MARS 2003 DU BULLETIN DE L'ASSOCIATION LES AMIS DE FRANCOIS OZENDA. Et http://jeaninerivais.jimdo.com/ ART brut.

 

Exposition du 25 mars au 24 septembre 2023.

 

**** Liliana Porter, le jeu de la réalité. Des années 1960 à aujourd’hui.

 

Première rétrospective en France, mêlant des travaux historiques et récents, à travers un corpus d’une centaine d’œuvres…

"Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image." (NDM)

**** Tabita Rezaire. Fusion élémen.terre

 

Première exposition personnelle en France pour découvrir un ensemble d’œuvres inspirées des cultures mégalithiques (Monument préhistorique formé d'un ou de plusieurs blocs de pierre) sénégambiennes et du Brésil.

Les Abattoirs présentent la première rétrospective en France de l’artiste Liliana Porter (née en Argentine en 1941, résidant à New-York depuis 1964). À travers une centaine d’œuvres, l’exposition est conçue comme une traversée de son art. Mêlant œuvres historiques et travaux récents, elle met en évidence une nouvelle généalogie d’artistes femmes qui ont redéfini les limites de l’art conceptuel et ont transformé la poesié de l'installation.

 

Liliana Porter explore différents médiums, gravure, peinture, sculpture, photographie, vidéo dans lesquels s’inscrit une recherche au long cours sur la perception de la réalité et les notions de temps et d’espace. Sa pratique de la gravure, qu’elle contribue à renouveler dès les années 1960 avec la création du New York Graphic Workshop, est au cœur de son travail. Cette technique redécouverte par les artistes du Pop Art et plébiscité en Amérique latine et du sud pour sa dimension politique, lui permet de porter un regard critique sur la notion d’auteur et de travail collectif, et d’offrir de nouvelles formes de narration. À partir des années 1970 elle se met à la photographie et intègre des images de son propre corps à des dessins notamment muraux, en écho aux préoccupations des artistes féministes de cette époque. La première partie de l’exposition retrace ce parcours tout en proposant une relecture du contexte historique, artistique et social de cette période, à l’aune de l’engagement de Liliana Porter et de la communauté d’artistes dans laquelle elle évolue. La seconde partie de l’exposition présente ses installations, dont deux produites spécialement pour les Abattoirs. Présentes dans son art depuis une vingtaine d'années, ces saynètes sont réalisées à partir de figurines populaires et d'objets du folklore contemporain glanés dans les marchés aux puces et au cours

de ses voyages, qui se déclinent aussi en peintures et en vidéos. Poursuivant son exploration poétique du réel, Liliana Porter bouscule les codes de la représentation et remet sans cesse en question les processus de création et le pouvoir surréaliste de l’image.

Pour sa première exposition monographique en France, l’artiste Tabita Rezaire (née en 1989, vit et travaille en Guyane, France) présente un ensemble d’œuvres à la croisée des nouvelles technologies et des rituels ancestraux. À la fois artiste, agricultrice, professeure de yoga, doula (personne accompagnant les femmes enceintes), Tabita Rezaire propose de faire l’intercesseur entre nous et d’autres voies d’accès au monde. À travers ses installations vidéo, elle réinvente les technologies contemporaines à l’aune des sciences ancestrales pour repenser notre relation au cosmos, en réinvestissant la mémoire corporelle, séculaire comme digitale.

 

À l’heure du post-Internet elle imagine de nouvelles technologies du lien en invoquant les éléments naturels que sont l’eau, l’air et la terre nourricière, ainsi que les arts de la guérison. Dans ses œuvres, elle apparaît comme une incarnation digitale d’un être cosmique jouant des codes d’Internet et combinant des réalités numérique, corporelle, scientifique et spirituelle à des savoirs traditionnels dans un contexte postcolonial. Parmi ses projets récents, elle a créé le site d’AMAKABA dans la forêt amazonienne en Guyane, conçu comme un espace pluriel où les énergies de la terre (à travers la culture du cacao), du corps (avec les doula et le yoga) et du ciel (observatoire astronomique) fusionnent et donnent naissance à de nouveaux scénarios d'être-au-monde. L’exposition est ainsi pensée comme un voyage multidimensionnel où chaque installation devient un portail par lequel chacun et chacune est invité à restaurer une connexion à l’Univers. (NDM)

**** LE TEMPS DE GIACOMETTI : 

 

" Les Abattoirs, Musée - Frac Occitanie Toulouse sont heureux de consacrer à Alberto Giacometti (1901-1966), à partir du début de l’automne prochain, une très importante exposition qui réunira non moins d’une centaine d’œuvres. En collaboration avec la Fondation Giacometti, celle-ci explorera de manière inédite l'art et la vie de l'artiste dans le contexte de l'après-guerre jusqu'à son décès en 1966. 

Le cheminement d’Alberto Giacometti (1901-1966), artiste emblématique du XXe siècle, est d’une grande singularité. Avant la Seconde Guerre mondiale, il absorbe la fin du mouvement cubiste, puis incarne le sculpteur surréaliste par excellence. En revanche, après-guerre, alors que les abstractions triomphent de part et d’autre de l’Atlantique, il affirme un choix qui lui est propre, à lui et à quelques autres : celle de la figuration. Très apprécié pour ses représentations emblématiques d’une humanité à la fois meurtrie et en mutation, faisant dans son art l’écho des temps récents de guerre, de massacres et de l’angoisse nucléaire, apparemment en phase avec la pensée existentialiste, il trace une voie unique.

Humaniste, parfois solitaire, c’est aussi un homme dans son temps, un être sociable, dont la création doit être relue dans les différents contextes qui furent les siens, comme le cercle des artistes, écrivains et philosophes qu'il fréquente, la jeune génération qui lui rend visite, celles et ceux qui le photographient, les galeries dans lesquelles il expose et pour lesquelles il peut imaginer lui-même des scénographies, comme à la galerie Maeght en 1950. Loin d’isoler l’œuvre, cette exposition entend faire ressortir tous ces aspects qui répondent aux grandes questions artistiques et philosophiques qui furent celles de son époque, du surréalisme finissant à l’engagement existentialiste. Mêlant chefs-d’œuvre, sculptures, peintures, gravures, photographies et aussi archives, elle fera pénétrer le public dans ces années 1950 élargies, essentielles pour la compréhension des mutations artistiques et intellectuelles des années 1960. Composée essentiellement grâce à la collection de la Fondation Giacometti, venue de l’artiste, l'exposition rassemble une centaine d'œuvres dont Le Chariot (1945), La Cage (1950), L’homme qui marche (1960), une Grande Femme ou encore un ensemble remarquable de peintures, afin de brosser une vaste fresque de l’artiste comme un acteur du monde de l’après-guerre, par ses créations, ses liens avec le monde intellectuel et artistique, ses expositions et ses écrits. 

À la fin de l’exposition, une partie contemporaine provoquera des rencontres entre Giacometti et des artistes d'aujourd'hui autour de la survivance de la figure de « l’Homme qui marche », interrogeant ses chutes et ses espoirs actuels." (NDM)

 

Exposition du 22 septembre 2023 au 21 janvier 2024.

Embarquez dans notre machine à remonter le temps ! Neuf troupes de reconstitution historique prennent possession des Arènes romaines de Toulouse-Purpan. Vous pourrez découvrir, échanger et partager l’enthousiasme de ces passionnés qui redonnent vie à l’Antiquité celte et romaine ainsi qu’au Moyen Âge. (NDM)

****  Amer Albarzawi, Basma al-Sharif, Ella Altman, Jésus Baptista, Julia Borderie & Eloïse Le Gallo, Alisa Berger, Ferdinand Campos, Alexandre Cornet, Guy Cassiers, Yue Cheng, Lou Chenivesse, Patric Chiha, Lea Collet, Jérôme Cortie, Bianca Da Costa, Charline Dally, Sarah-Anaïs Desbenoit, Ale Dicu, Emilien Dubuc, Vadim Dumess, Ana Edwards, Cécile B. Evans, Louise Ernandez, Eléonore Geissler, Anton Henne, Elina Kastler, Gonçalo Lamas, Lucas Leffler, Pierre Lefrançois Vérove, Ange Lempaszak, Quentin L’helgoualc’h, Ethel Lilienfeld, Chongyan Liu, Benoit Martin, Antoine Mayet, Lou Morlier, Fredj Moussa, Marcel Mrejen, Norman Nedellec, Domenico Singha Pedroli, Vivianne Perelmuter et Isabelle Ingold, Hugo Pétigny, Charlotte Pouyaud, Julien Prévieux, Jules Ramage, Mathilde Reynaud, Chayarat Ritaram, Julia Tarissan, Aliha Thalien, Robin Touchard, Victor Villafagne, Amir Youssef, Caroline Zorea, Jisoo Yoo : "Panorama 25"

"  Plus qu’allégoriques, ces productions artistiques transcendent la séparation entre la nature et la culture à l’œuvre dans nos sociétés occidentales. Des courts métrages narratifs aux jeux vidéo, des films expérimentaux aux documentaires, de l’écran de cinéma à la tablette d’ordinateur, et de la projection extra-large aux vignettes. » - Chris Dercon.

 

« Le mot “musée” semble toujours associé à la lumière du jour, tout comme on s’attend toujours à une salle obscure dans un cinéma. Toutefois, dès sa création, le musée a visé l’universel – et un tel espace se doit de répondre à la fois aux exigences du jour et de la nuit. Ainsi devrait-il aussi y avoir des salles obscures dans les musées. Peut-être devrait-on scinder les musées en ailes solaires et lunaires. » - Jeff Wall.

Le théoricien du cinéma Edwin Carels nous rappelle sans cesse que la question d’André Bazin : « Qu’est-ce que le cinéma ? » est moins pertinente que : « Où est le cinéma ? ». La réponse est : partout, et naturellement, dans les musées d’art aussi. Cette année, au Fresnoy, j’ai été frappé par de nombreux films et installations qui revitalisent des choses et des idées qui souvent ne survivent pas dans notre esprit : contextes familiaux et amicaux, histoires locales et communautés oubliées. Même lorsque les préoccupations exclusives des protagonistes-auteurs de ces films ne dépeignent pas de toile de fond plus large, ils nous causent malgré tout divers traumatismes et outrages qui prennent soudain sens si nous pensons aux responsabilités personnelles que le projet exprime. En revanche, d’autres productions cherchent à nous faire entendre qu’il est possible, comme l’a dit Bruno Latour, de défendre la démocratie par l’écologie et de mélanger les affects politiques aux affects écologiques, comme le font l’écologie décolonisatrice ou le Plantationocène. En cela, je songe aux préoccupations documentaristes des images sensuelles photographiques et cinématographiques des « water bodies » de Jean Painlevé.

Ces productions redéfinissent les approches aux oppositions binaires traditionnelles comme celle de l’humain et du non-humain, qu’il soit naturel ou digital, à la manière de l’hydroféminisme ou du glitch feminism.

On retrouve dans ces œuvres et le statut qu’elles prennent une indigénéité qui se distingue de la logique capitaliste, comme une forme d’hétérotopie différenciée. Après tout, n’était-ce pas Jean-Louis Comolli qui nous disait que le cinéma comme utopie est le foyer d’un monde meilleur ?

Afin de véritablement transmettre l’héritage du cinéma au futur, nous devons continuer à accepter sa constitution génétique impure, et c’est précisément ce dont nous avons été témoins au cours des vingt-quatre derniers Panoramas, depuis leur première édition à l’instigation de Dominique Païni en 1997.

L’introduction du premier Panorama par Alain Fleischer est toujours d’actualité : « La proposition que Païni formula aussitôt était d’une évidente justesse. On constate aujourd’hui à quel point elle rassemble de façon exemplaire les enjeux qui sont au cœur du projet du Fresnoy : des œuvres émancipées des classifications traditionnelles interrogent le sort de ces images voyageuses, fugitives, évanescentes, immatérielles que sont les projections cinématographiques, photographiques et vidéographiques, circulant non seulement dans des espaces et vers des surfaces pervertis, mais d’un langage à un autre. ».

La vingt-cinquième édition de Panorama ne déroge pas à la règle. Les types de cinéma et leurs diffusions en expositions des plus variés sont présents, et visiblement, ils ont pris leurs quartiers." Chris Dercon

 

Exposition du 22 septembre au 31 décembre 2023.

Yana Mlynkova, directrice artistique de ETAC

 Je vous ai accompagnés dans la découverte des artistes durant ces 3 dernières saisons à ETAC en exerçant le rôle de directrice artistique, dans cette belle église St. Valérien à Tournus. Ce furent pour moi des moments inoubliables et je remercie tous les artistes qui ont fait vivre ce lieu et l'ont investi avec enthousiasme et une grande liberté.

 

Nous avons accueilli plus de 25 000 visiteurs et partagé avec beaucoup d'entre eux des émotions fortes et émouvantes.

Maintenant l'église a été vendue à une entreprise de travaux publics et devient un lieu privé. Nous ne savons pas ce qu'elle deviendra demain...

 

Mais notre aventure ne s'arrête pas là. Atelier Sepharos (association qui a été l'organisateur de ces expositions) travaille à un nouveau projet. Celui-ci sera très différent, mais toujours autour de l'Art Contemporain, avec de nouveaux partenaires.

Vous serez bien évidemment informés de ses avancées.

 En attendant, vous pouvez encore re-découvrir  ces saisons d'expositions sur le site de ETAC.(NDM)

Au plaisir de vous retrouver

**** YVES PAQUET "Emergence"

 

Vernissage le jeudi 25 mai à 19h.

Exposition du 27 mai au 17 septembre 2023.

 

**** JULIEN MAGRE : "En vie" et ARINA ESSIPOWITSCH "Déplier l'image

 

Vernissage le jeudi 22 juin à 18h.

 

**** L'UNIVERS SANS L'HOMME 

 

"L’exposition L’Univers sans l’Homme qui sera présentée au printemps-été 2023 au musée de Valence relève le défi de montrer comment les artistes ont développé, du 18e siècle à aujourd'hui, des visions d’une humanité expulsée de chez elle, ébranlée dans ses certitudes de centralité, relativisée au profit d’autres composantes du monde : le vivant, qu’il soit végétal, animal, minéral, etc.

On doit l’expression « l’univers sans l’homme » à Charles Baudelaire en 1859. Le poète désignait et déplorait ainsi la tendance qu’avaient certains artistes de son temps à se concentrer exclusivement sur la nature et ses éléments – végétaux, mers, ciels, bêtes... Dans son viseur, les réalistes comme Gustave Courbet, mais encore Troyon ou Daubigny, ainsi que les pionniers de la photographie : autant d’acteurs que l’on retrouvera dans l’exposition grâce à des prêts exceptionnels, notamment du Musée d’Orsay.

De manière plus générale, l’exposition raconte un décentrement du regard en rassemblant des tableaux, dessins, films et installations, du 18e siècle à nos jours, qui s’écartent de la représentation, de la focale, de l’échelle humaines. On y verra donc des catastrophes spectaculaires (L’Eruption du Vésuve de Pierre-Henri de Valenciennes), des expéditions dans des espaces inexplorées (Les Glaciers, mer de Kara d’Alexandre Borisoff), des villes dépeuplées (Nicolas Moulin), des galaxies abstraites (Hans Hartung) ou encore des fantaisies robotiques (Gloria Friedman).

L’exposition s’attache à des thématiques contemporaines et leurs angoisses afférentes comme le contexte pandémique et ses confinements, les risques nucléaires et la cause environnementale. Néanmoins, elles cherchent aussi à offrir des perspectives nouvelles et des « vallées futures », à la fois inaccessibles et prometteuses, avec un final cosmique, tellurique et poétique autour de Claude Monet, Anna-Eva Bergman, Joan Mitchell et Cécile Beau" NDM)

 

Exposition du 11 mai au 17 septembre 2023.

**** MOHAMED BOUROUISSA : "Attracteur étrange" 

**** ANSELM KIEFER : "La photographie du commencement"

 

Vernissage le jeudi 5 octobre à 19h.

Exposition du 6 octobre 2023 au 3 mars 2024.

 

**** Aletheia (Hugo Dumont, Anthony Vernerey), Alexis Foiny, Alice Brygo, Anaïs-Tohé Commaret, Anne Brégeaut, Anne-James Chaton, Aurélie Ferruel et Florentine Guédon, Aurélien Mauplot, collectif 1.0.3, Esther Ferrer, Etienne Charry, Farès Hadj Sadok, Hippolyte Hentgen, Jean-Charles de Quillacq, Jordan Roger, Katia Kameli, Kenny Dunkan, Kent Monkman, Laura Bottereau & Marine Fiquet, Marie Losier, Mary sibande, Mehryl Levisse, Olivier Nottellet, Pejvak, Regine Kolle, Romain Kronenberg, Sam Moore, Sebastien Loghman, Suzanne Husky, SMITH, Sylvie Ruaulx, Véronique Hubert, Vincent Volkart, Virginie Barré, Yan Tomaszewski, Youri Johnson…

 

"Prolongeant les recherches, autour de la construction du Sujet, développées dans les expositions temporaires depuis 2005, « Histoires vraies » prend la suite de l’exposition collective « Lignes de vies (une exposition de légendes) » (2019) qui explorait les passages poreux entre art et autobiographie, entre réel et fictions. Ce nouveau volet poursuit cette idée que tout est fiction, le réel étant superposition, feuilletage tissé de d’histoires diverses et variées en s’attachant cette fois moins aux effets d’aller-retour entre l’art et le monde, mais en proposant des approches parallèles des réalités.

Ces différents artistes ont en commun le recours à des stratégies et postures fictionnelles qui s’ancrent néanmoins, dans des tentatives de description du monde, teintées, entre autres, de narration spéculative voire de documentaire.

Histoires vraies… Un titre pour le moins paradoxal. Qu’en est-il de la vérité ? De la véracité ? Doit-on croire ce que les artistes nous racontent ? Le réel existe-t-il en dehors de sa formulation ?

De la fiction pour mettre en crise, en questions, déconstruire, faire apparaitre ; de la fiction pour conjurer, éloigner ; de la fiction pour réparer, raconter autrement ; aider, accompagner, transmettre ; mais aussi creuser les apparences, interroger les faits, leur véracité, les modes de narrations mêmes ; de la fiction pour proposer des alternatives aux « grands récits » enfermants, de la fiction pour le simple et joyeux plaisir de fabuler. Pour paraphraser Sarah Ilher Meyer dans une des notices du catalogue, l’exposition propose « Autant de tragi-comédies minimalistes et de micro-récits aux multiples niveaux de lectures. Chaque regardereuse est invité.e à composer sa propre narration, entre cauchemar et rêve. » L’exposition se prolongera par un programme de films et performances." (BDM)

Exposition du 4 février au 17 septembre 2023

**** NINA CHILDRESS : Frapper du pied Ou l’autre sens d’estampiller : Estampes

 

Dernière-née de cette commande de référence, l’œuvre Karen Pop fait partie de la série des tableaux de deux Karen batteuses : Karen Chéryl et Karen Carpenter. La sérigraphie reprend au plus près les couleurs du tableau en adaptant les contrastes. Cette peinture, quasiment en aplats, est la première couche apposée par Nina Childress sur la toile. La couleur verte devait mettre en valeur les roses de la chair, mais l’artiste a préféré s’arrêter là. La batterie devient un motif abstrait très gai, pop, qui contraste avec l’air soucieux de la batteuse. Une femme virtuose de la batterie cela n’est pas commun, ce thème évoque en ricochet la difficulté qu’ont eu les femmes à s’imposer en peinture.

Chaque année, le Département du Val-de-Marne commande une estampe à un ou une artiste, en hommage à la Journée internationale des droits des femmes, et dont le premier tirage entre dans les collections du MAC VAL. À partir de ce 8 mars 2023, le MAC VAL donne à voir à ses visiteurs l’ensemble des estampes réalisées depuis plus de 30 ans à cette occasion, sous l’intitulé de Frapper du pied (Ou l’autre sens d’estampiller), par des artistes phares tels que : Élisabeth Ballet, Taysir Batniji, Claude Closky, Sylvie Fanchon, Françoise Pétrovitch, Judith Reigl, Tatiana Trouvé, Nobuko Watanabe, et bien d’autres...dont l'édition 2023 réalisée par la franco-américaine Nina Childress*. 

Un papier peint conçu par l’artiste Mehryl Ferri Levisse accueille les estampes présentées pour Frapper du pied (Ou l’autre sens d’estampiller). Intitulé Les pieds aux divas nues, le papier peint imaginé par l’artiste se compose de deux dégradés de nuances de peaux allant des peaux les plus claires aux peaux les plus foncées ou des peaux les plus foncées aux peaux les plus claires en fonction du sens de circulation du public. Le papier peint est omniprésent dans la pratique artistique de Merhyl Ferri Levisse, utilisé projet après projet sous des formes différentes ; qu’il s’agisse d’arrière-plan dans ses captations photographiques, de collectes et d’archives avec lesquelles l’artiste constitue une immense banque de motifs qui lui sert de référence pour ses différents projets." (NDM)

 

D’autres projets de l’artiste sont également à découvrir dans l’exposition Histoires vraies, visible au MAC VAL actuellement et jusqu’au 17 septembre 2023.