**** MAINTENANT SUR NOTRE MUR

Notre 25ème anniversaire !

 

Exposition du 14 mai au 21 juin 2025

 

**** Chantal Akerman, Tolia Astakhishvili (avec Zurab Astakhishvili, Simon Lässig et Maka Sanadze), Cudelice Brazelton, Rosa Joly, Harilay Rabenjamina, Rosemarie Trockel et Sebastian Wiegand : « Férocité à domicile »

 

« À travers les œuvres de sept artistes, "Férocité à domicile" explore l'ambivalence du lien maternel. Avec des approches et sensibles contrastés, ces artistes appréhendent intimement la manière dont cette relation complexe construit notre présence au monde. » (NDLG)

 

Vernissage jeudi 15 mai à 18h.

Exposition du 16 mai au 19 juillet 2025

FRENCH

fête ses 10 ans !

 

10 Ans de Succès au service de l'Art Français ; 10 ans d'audace, de passion et de découverte artistique ! 10 ans de rencontres fantastiques…

Depuis une décennie, French Arts Factory s'impose comme une galerie incontournable, mettant en lumière des artistes français talentueux et créant une véritable communauté d'amateurs et de collectionneurs passionnés.

10 raisons du succès de French Arts Factory

- Une vision curatoriale exigeante avec la sélection d'artistes au talent unique, alliant innovation et excellence technique.

- Un engagement pour les artistes français en mettant en avant la création contemporaine nationale et accompagnant les artistes dans leur évolution.

- Une diversité artistique exceptionnelle : Peinture, sculpture, photographie, street art… une galerie où chaque sensibilité trouve sa place.

- Une expérience immersive pour les visiteurs avec des expositions scénographiées, des rencontres avec les artistes, des événements exclusifs.

- Une galerie de confiance : Transparence, authenticité et qualité garantissent aux collectionneurs un achat en toute sérénité.

- Une accessibilité pensée pour tous : Œuvres pour collectionneurs confirmés et amateurs souhaitant refuser leur première pièce.

- Des lieux vivants et dynamiques avec un renouvellement constant des expositions, mettant en avant les tendances et les nouvelles générations d'artistes.

- Une forte présence numérique : Site web, réseaux sociaux, plateformes spécialisées… French Arts Factory connecte l'art aux collectionneurs du monde entier.

- Un réseau d'acheteurs fidèles : Collectionneurs, entreprises, décorateurs et amateurs d'art se trouvent chez French Arts Factory des œuvres qui marquent

- Une fondatrice passionnée et visionnaire : Véronique Moulin, une galeriste engagée qui a su faire de French Arts Factory une référence dans le monde de l'art.

10 ans, et ce n'est que le début !

 

**** EXPOSITION COLLECTIVE :

 

Exposition jusqu’au 21 juin 2025.

 

**** JOHN URHO KEMP : « Un triangle des Bermudes 2 »

 

Exposition jusqu’au 21 juin 205.

 

**** STEPHANE EDITH CONRADIE : 

 

« Grandissant dans un pays dont elle n'a pas la culture, Stephané Edith Conradie a inscrit ses réflexions identitaires au cœur de sa pratique artistique. Elle termine : « Je suis du lieu mais pas entièrement indigène du pays. (…) Mes lots ou assemblages viseront à réfléchir sur l'idée d'être à la fois étranger et indigène à un lieu. ». Elle se reconnaît dans la descendance des Rehoboth Basters qui quittent la colonie du Cap en 1868 pour s'installer en Namibie actuelle. Sa présence dans ce pays est donc le fruit de déplacements historiques, la restitution ni étrangère, ni autochtone. Dès lors, le concept de foyer apparaît comme un espace fictif que l'on s'approprie par besoin d'appartenance, une zone mouvante et instable en proie à des forces historiques et politiques.

Pour l'artiste, la domesticité se construit à travers les petits objets accessibles et mobiles que les classes populaires accumulent souvent pour décorer leurs intérieurs, pouvant être emportés lorsqu'on est contraintes de partir. Conradie les intègre dans ses assemblages, juxtaposant bibelots en porcelaine, figurines et ornements de pacotille. Collectés dans des marchés de seconde main ou des intérieurs oubliés, ces petits trésors populaires témoignent d'histoires intimes et collectives. Leur valeur n'est pas monétaire, mais affective. Ils consolent, rassemblent, apaisent. Véritable archéologue de l'intime, Conradie insuffle une nouvelle vie à ces fragments de mémoire éparpillés, les réassemblant et les accumulant, doublant le kitsch apparent d'une forte portée symbolique.

Ce principe prend une nouvelle résonance dans l'usage récent, par l'artiste, du verre à l'uranium, dont la luminescence sous lumière UV évoque une lueur surnaturelle.

Inoffensif sous cette forme, ce matériau contient des traces d'un minéral hautement toxique, extrait en profondeur — notamment en Namibie, qui en assure à lui seul 6 % de la production mondiale. Minéral extraterrestre né d'une supernova, devenu source d'énergie ou de destruction, il est ici ramené à l'échelle intime, décorative, presque innocente. Mais ce verre lumineux porte une histoire de dépossession. En Namibie, comme ailleurs, l’extraction d’uranium est entre les mains de puissances étrangères et ne profite pas aux populations locales. Elle ravive l'héritage colonial du pillage des ressources africaines, sans compensation. L'uranium devient dès lors une matière hantée : celle d'un fantôme colonial, d'une violence invisible, toujours à l'œuvre.

Vecteur d'une mémoire trouble, son travail prolonge une interrogation sur l'appropriation, les circulations coloniales, et les formes silencieuses de dépossession, en s'inscrivant dans une réflexion plus vaste menée par l'artiste sur la création d'une esthétique créole." (NDLG)

 

Exposition du 15 mai au 21 juin 2025.

**** JACQUES ROUBY (1953-2019)

 

Vernissage jeudi 15 mai 18h à 21h

Exposition du 15 mai au 28 juin 2025

 

**** MARC TANGUY : « Conversation dans l’atelier ».

 

« Peintre installé à Paris, Marc Tanguy nous ouvre les portes de son univers sensible et coloré. Au fil de cet échange, il revient sur ses débuts, ses inspirations, ses expériences à l'international, et partage sa vision de la peinture comme un espace poétique, vivant et accessible à tous. L'artiste évoque également son rapport intime à la création, la manière intuitive dont il laisse la peinture tracer son propre chemin.

Depuis plusieurs années, Marc Tanguy développe une œuvre ancrée dans la couleur, le paysage et la nature, à la croisée d'une tradition coloriste et d'une recherche contemporaine de liberté. Nourri aussi bien par les maîtres anciens que par les avant-gardes du XXe siècle, il cultive une peinture affranchie des codes sociaux, ouverte et perceptive, où l'espace émerge dans la fluidité du geste, les superpositions transparentes et l'acceptation de l'imprévu.

Entre pigments purs, paysages intérieurs et liberté picturale, l'artiste affirme une pratique ouverte, enracinée dans la sensation plus que dans le discours. Un échange vibrant, qui donne à voir la peinture comme un acte vivant, poétique et profondément humain. » (NDLG)

 

**** Photographies de Fabrice Domenet , Olivia Lavergne et Thomas Jorion ; œuvres sur papier de Jérôme Festy et Guacolda ; et sculptures de Sadko et Béatrice Bizot .

Les après-midis dans la cour :

 

Jeudi 24 avril / Mercredi 30 avril / Mercredi 7 mai / Mercredi 21 mai / Mardi 27 mai 2025

 

**** LUCIO FANTI « Retour à la source » : Peintures »

 

Récemment revenu sur le devant de la scène, notamment à l'occasion de l'achat et de l'accrochage de l'œuvre collective La Datcha au Centre Pompidou, Lucio Fanti est à l'honneur à la galerie à travers une exposition panoramique, de 1968 à 2025.

Cet évènement s'inscrit dans le cadre du vaste et ambitieux programme de promotion des avant-gardes figuratives sur la scène parisienne des années 1960-1970, que nous développons pas-à-pas.

C'est justement pour rafraîchir les mémoires que Marie Deniau a décidé de lui consacrer cette mini-rétrospective allant de seize œuvres datées de 1968 – dont l'un de ses premiers tableaux, intitulé Santa Famiglia –, à ses aquarelles les plus récentes, datées de 2025. De l'ensemble ici réuni émergent quelques sujets récurrents, notamment ce regard ironique sur l'imagerie de la Russie soviétique de l'époque (ses parents étaient communistes) ; ce clins d'œil à Maïakovski (et son fameux vers qu'il reformule ainsi « la barque de la poésie s'est brisée contre la vie quotidienne »); et bien sûr la barque qui traverse quasiment toute son œuvre. »Article de Henri-François Debailleux, extrait.

 **** Gianluca Pacchioni, Pinton et Perrin & Perrin

 

« la Galerie Negropontes, en collaboration avec Heritage Asset Management, présente à Venise « Architectural Landscapes », une exposition qui invite à explorer un paysage architectural unique. Les œuvres de Gianluca Pacchioni, Pinton et Perrin&Perrin dialoguent avec les espaces emblématiques de la Palazzina Masieri, chef-d’œuvre du maître Carlo Scarpa. Cette nouvelle exposition a été conçue en écho à la 19e  Biennale d’Architecture de Venise. Elle met en lumière le lien subtil entre création contemporaine et héritage historique, transformant la Palazzina en une scène où l’art et l’architecture dialoguent pour raconter une histoire de formes, de matières et de continuité.

Au rez-de-chaussée, l’exposition recrée un jardin imaginaire où les sculptures monumentales de Gianluca Pacchioni côtoient une tapisserie foisonnante réalisée par la manufacture Pinton. Ce paysage étonnant, où la matière trouve son équilibre entre l’œuvre et son contexte, évoque un chapitre méconnu de l’histoire du lieu. Les sculptures de Pacchioni nous parlent de désirs abstraits et d’intentions organiques et nous emmènent dans un monde sensoriel complexe où la beauté nous maintient en vie contre toutes les formes de contrôle et d’autorité.

Le concept de ce jardin s’inspire d’un article paru le 10 avril 1954 dans l’hebdomadaire Minosse, où l’architecte vénitien Duilio Torres répond aux critiques adressées au projet de Frank Lloyd Wright proposant une « greffe contemporaine » sur le Grand Canal. Contrairement à l’approche monumentale de Wright, Torres imagine alors une « pause architecturale » : un espace soustrait plutôt qu’ajouté, qu’il nomme « Giardino Masieri » dans son interview. 

Soixante-dix ans plus tard, cinq sculptures en bronze de Gianluca Pacchioni jaillissent de blocs en béton armé et s’imposent face au Grand Canal. Cette scénographie réinterprête la forêt imaginée par Torres et dialogue avec la tapisserie de la manufacture Pinton représentant un paysage luxuriant d’après un carton du peintre Roger Mühl.

Au premier étage, l’exposition invite les visiteurs à découvrir un dialogue subtil entre la matérialité du verre et l’héritage architectural de Carlo Scarpa. Les sculptures en verre de Perrin & Perrin, représentent des fragments de villes et des parcelles urbaines qui sont mises en valeur par une présentation des géométries et des graphismes de Carlo Scarpa.

Connu pour leur travail original du verre, le duo Perrin & Perrin explore les limites entre transparence, opacité et fragilité. Ils donnent naissance à des compositions architecturales miniatures. Ces œuvres trouvent un écho puissant dans une installation texturée et inspirée des motifs de Carlo Scarpa. Les lignes géométriques et les détails subtils des sculptures sont réinterprétés dans un langage contemporain créant un paysage immersif.

L’œuvre de Perrin & Perrin, par son équilibre entre modernité et intemporalité, s’inscrit parfaitement dans cet hommage à Scarpa. Leurs sculptures établissent une continuité esthétique avec les tracés précis et les lignes architecturales du maître. Elles offrent une réflexion sur la manière dont les paysages, qu’ils soient naturels ou bâtis, évoluent et interagissent avec leur environnement. Ce niveau de l’exposition constitue un carrefour où se rencontrent architecture, design et urbanité, transformant la matière en un langage universel, chargé d’émotion et de mémoire.

Le troisième niveau de la Palazzina accueillera plusieurs expositions. Dans un premier temps, les photos de l’artiste Garo Minassian viendront illustrer le concept du jardin imaginaire.

Ensuite, en collaboration avec l’IUAV, une nouvelle exposition occupera l’espace de mai à juillet. « Scarpa- Zanon, Dialoghi » rend hommage à l’alliance exceptionnelle entre l’architecte vénitien et les artisans Gino, Paolo et Francesco Zanon. Cette collaboration unique, née d’une rencontre fortuite, a donné naissance à certains des détails les plus emblématiques de chefs-d’œuvre architecturaux tels que la Gypsothèque Antonio Canova de Possagno, la boutique Olivetti, les salles de la Fondation Querini Stampalia ou encore le complexe funéraire Brion. En septembre, de nouvelles installations prendront place à la Palazzina à l’occasion de la Venice Design Biennale et de la Venice Glass Week. Ces dernières mettront à l’honneur des objets de design ainsi que des bijoux d’artistes. » (NDLG)

 

Exposition du 17 avril au 22 novembre 2025.

**** ERIC DE DORMAEL ET MAISON MATISSE : « Magie des couleurs- Magie du trait »

 

« la Galerie Negropontes à Paris, présente le travail du sculpteur Éric de Dormael et l'héritage artistique porté par la Maison Matisse, poursuivant ainsi un cycle d'expositions consacré aux dialogues entre différentes expressions artistiques. L'exposition s'articule autour d'un double axe : celui des différences, opposant l'usage d'une large palette de couleurs à celui d'un trait monochrome et structuré ; et celui des similitudes, réunissant ces deux langages dans une interprétation sculpturale à travers des formes libres et organiques. Au fil de ce parcours, Éric de Dormael expose ses créations architecturales et structurées où la rigueur du trait se conjugue avec la liberté de création. De son côté, la Maison Matisse, ambassadrice de l'œuvre du peintre, propose, avec la collaboration de designers de renom tels Alessandro Mendini, Jaime Hayon et les frères Bouroullec, une interprétation de l'univers fauve de Matisse » (NDLG)

 

Exposition du 22 mai au 10 septembre 2025

**** PAYSAGES ARCHITECTURAUX 

 

« la Galerie Negropontes, en collaboration avec Heritage Asset Management, présente à Venise « Architectural Landscapes », une exposition qui invite à explorer un paysage architectural unique. Les œuvres de Gianluca Pacchioni, Pinton et Perrin & Perrin dialoguent avec les espaces emblématiques de la Palazzina Masieri, chef-d'œuvre du maître Carlo Scarpa. Cette nouvelle exposition a été conçue en écho à la 19e Biennale d'Architecture de Venise. Elle met en lumière le lien subtil entre création contemporaine et héritage historique, transformant la Palazzina en une scène où l'art et l'architecture dialoguent pour raconter une histoire de formes, de matières et de continuité." (NDLG)

 

Exposition jusqu’au 22 novembre 2025.

**** NATHALIE BOURDREUX : « Suaire d’un oiseau »

 

« Nous retrouvons dans cette nouvelle exposition de Nathalie Bourdreux des corps empreints de beauté et de solitude. Les drapés, comme à l’antique, dissimulent la tête, le visage pour étouffer la voix du corps ; à ne plus entendre seulement les bavardages de son écho. Le médium à l’huile, parfaitement maîtrisé, leur donne vie. Le rouge-gorge sera-t-il révélateur de couleur ? Marie Vitoux Une Ophélie, encore des crânes, toujours, comme résurgence d’une vie que je retiens, dans l'échafaudage d’une peinture que l’hiver prolonge en sentiment d’isolement. De ce même hiver découlait pourtant une lueur toute particulière, que le rouge-gorge brandissait d’un poitrail inoffensif et valeureux. Je le voyais comme il distinguait mon visage ébloui de notre rencontre, à envisager une nouvelle peinture, dont l’onctuosité de l’huile reflète les possibles. Nathalie Bourdreux

 

Vernissage jeudi 20 mars à 18h.

Exposition du 20 mars au 28 mai 2025.

**** FAMAKAN MAGASSA : « La vie est un compte ». 

 

En 2018, Famakan Magassa (né à Kita, au Mali) est diplômé du Conservatoire des arts et métiers multimédias Balla Fasséké Kouyaté, à Bamako, où il obtient une licence en arts plastiques. Dès le départ, le jeune peintre s'émancipera d'un art descriptif et réaliste pour marquer sa différence et apporter à son univers un style qui lui est propre. Observateur de la société, son travail évoque certains aspects de l'histoire africaine, comme lorsqu'il peint la société secrète des «korèdougas» dans une série de tableaux peuplés de personnages costumés, énigmatiques et désarticulés. Libre et énergique, le style de Naré Famakan Magassa relève d'une hybridation entre culture africaine et traditions européennes. À 22 ans à peine, Famakan Magassa était déjà considéré comme le grand espoir de la peinture malienne. Depuis sa première grande exposition à l'Institut français du Mali avec le célèbre designer Cheick Diallo, son travail a été montré dans de nombreuses expositions collectives, aux côtés d'artistes de renommée internationale. 

[…] Le projet « Soifs » conçu à la Cité Internationale des Arts à Paris sera présenté à New-York ce qui permettra à l'artiste de conquérir les USA et de lui donner une visitabilité internationale. Depuis que l'artiste ne cesse de surprendre en apportant à ses œuvres une touche où la démesure n'a d'égale qu'une critique sociale remettant en cause l'ordre établi. 

[…] En 2023 il est le premier artiste africain francophone à obtenir le 1er prix de la Fondation Norval en Afrique du Sud. Cette prestigieuse récompensera le propulsera à un autre niveau. Il participera ainsi à deux résidences artistiques en Suisse et en Autriche.  Extrait du texte de Floréal Duran, critique d'art et commissaire

 

Vernissage le 15 mai à 17h.

Exposition du 15 mai au 14 juin 2025.

**** PRUNE NOURRY 

 

Le projet Vénus est né d’une rencontre de Prune Nourry avec Ghada Hatem, gynécologue obstétricienne, fondatrice de la Maison des femmes de Saint-Denis, un centre d’aide et d’accompagnement pour les femmes victimes de violences. Rattachée à un hôpital, la Maison propose aux femmes en difficulté en Seine-Saint-Denis une prise en charge pluridisciplinaire. À travers leurs ateliers (alphabétisation, théâtre, danse…), l’artiste a rencontré huit femmes qui ont accepté de poser nues, en dépassant avec courage les tabous sociétaux liés à leur culture, ou ceux personnels liés à leurs traumas. Comme pour Projet Phenix en 2021, Prune Nourry renoue avec la tradition du portrait et a sculpté ici dans un contexte encore plus intime, entre une femme sculpteure et une femme modèle. À partir de leur histoire unique - chaque femme partageant si elle le souhaitait son parcours durant les séances de pose - et de leur forme de corps variés, l’artiste a modelé en terre leur buste à la manière des vénus préhistoriques. Leurs mots, autant que les détails de leur corps, inspirant chaque œuvre. Réalisé en taille humaine ou en petit format, le portrait a ensuite été moulé, puis tiré en bronze recouvert d’une peau de terre, ou tiré en terre cuite.  

Forte de ses recherches et rencontres (dont Catherine Schwab, conservatrice en chef du patrimoine, chargée des collections du Paléolithique et du Mésolithique au musée d’Archéologie nationale de Saint-Germain-en-Laye, qui est originaire de Seine-Saint-Denis) autour des vénus du Paléolithique (période gravettienne) entamées fin 2022 pour la réalisation de son œuvre en tandem avec Kengo Kuma pour la gare de Saint-Denis - Pleyel, Prune Nourry a demandé aux femmes modèles de prendre les mêmes poses, debout et statique, que les vénus du passé. 

Un lien fort entre le passé et le présent, entre le personnel et l’universel, opère dans ce projet ; ce thème fait partie des élans d’inspiration de la sculpteure, comme cela a pu être remarqué dans son exposition au Musée national des arts asiatiques - Guimet à Paris en 2017. Les mythes de création et la matière terre sont également au cœur du travail de Prune Nourry. En 2023, elle inaugure au Château La Coste l’installation permanente Mater Earth qui évoque la racine latine de « mère », de « maternité », mais aussi la matière (en anglais, « matter ») de l’argile. En parallèle, depuis 2022, elle travaille sur un projet collaboratif Statues Also Breathe, avec l’Université d’Ile-Ife au Nigéria, inspiré du mythe de création yoruba. Ce mythe oral, antérieur aux religions monothéistes écrites, raconte que l’humain a été créé à partir de l’argile d’Ife. À partir de 2011, elle développe aussi son projet Terracotta Daughters, une armée de petites filles réalisées en terre cuite à taille humaine enfouie dans un lieu secret en Chine jusqu’en 2030. » (NDLG)

**** IVAN NAVARRO

 

« Alors que son projet du Grand Paris Express concocté pour la ville lumière depuis près de dix ans s'apprête à voir le jour en 2026, l'artiste chilien Iván Navarro célèbre pour ses œuvres électriques investit ce printemps pour la première fois l'espace parisien du grenier-Saint-Lazare. Pour « Cyclops », il choisit de dévoiler un ensemble éclectique d'une dizaine de sculptures transformant l'espace par de subtils jeux d'optique, autour de thèmes variés des phénomènes célestes à la question du pouvoir.

La pièce phare de l'exposition, un cyclope monumental de plusieurs mètres de haut, resplendissant de sa multitude de néons aux couleurs explosives et de tailles variées sous la verrière de l'espace du Grenier-Saint-Lazare. Pour la première fois, Navarro a travaillé une sculpture destinée à être montrée sous la lumière du jour. « Le cyclope est une créature fantastique, présente dans presque toutes les mythologies du monde » explique-t-il. « Lorsque j'ai commencé à m'intéresser aux phénomènes astraux, j'ai croisé le chemin de ce véritable symbole des forces de la nature. Il représente la puissance brute. Dans les écrits légendaires, c'est lui qui provoque les éclairs et le tonnerre… Il s'inscrit dans la continuité de mon exploration des phénomènes naturels ». » (NDM)

**** JEANNE VICERIAL

 

De retour de sa résidence à la Villa Kujoyama au Japon, Jeanne Vicerial dévoile à la Galerie Templon ses dernières créations. Avec « Nymphose », elle déploie son univers de fil noir, aboutissement de deux ans de réflexion autour de la métamorphose et des représentations du corps féminin.

Jeanne Vicerial revisite l'espace historique de la rue Beaubourg pour le transformer en chambre ; chambre de naissance, au coucher ou de veillée funéraire, « Nymphose » met en scène ses sculptures de fil noir, crocheté ou lissé, si caractéristiques de sa pratique. Entre installation, dessin dans l'espace et costume, sa statuaire noir ébène évoque des coquilles hybrides d'où émergent des figures féminines entre extraterrestres et guerrière. Pour l'artiste, il s'agit d'évoquer les différentes étapes de la vie d'une femme, de la première étreinte amoureuse au dernier souffle en passant par la maternité. « Tout au long de sa vie », explique l'artiste, « une femme se voit en transformation permanente. De jeune fille à femme, elle devient mère ou créatrice, puis matriarche au crépuscule de sa vie. Elle est capable d'accueillir un nombre important de changements corporels, se renouvelle partiellement chaque mois, transmettre un peu de ses cellules et de son patrimoine génétique à chaque mise au monde alors qu'elle en a hérité elle-même de ses propres ancêtres à sa naissance. En soi, le corps de la femme est un lien intergénérationnel. »(NDLG)

 

« Exposition du 17 mai au 19 juillet 2025

**** 1 ● Regard2moi - L'art au service de l'autisme

 

« J'ai eu la chance de croiser des enfants autistes qui reviennent régulièrement à la galerie. À travers eux, j'ai appris autrement, j'ai découvert une autre façon d'appréhender l'art.

Très fier de soutenir l'association Regar2moi avec les œuvres de Chris Morin-Eitner. Des éditions, catalogues et cartes postales seront offerts lors de la soirée de soutien. » (NDLG)

 

Vernissage le 2 avril 2025