Parcours d'artistes au Centre d'Art Fantastique

Dans le cadre du Parcours d'Artistes de Saint-Gilles, le Centre d'Art Fantastique accueillera une exposition collective qui invitera le visiteur à découvrir des couvertures de romans fictifs de Jules Verne, réalisées par de nombreux artistes belges et internationaux. Entrée gratuite.

Exposition Collective les nouveaux voyages de Jules Verne

Du 13 au 21 avril / Au Centre d'Art Fantastique / 18 rue de la glacière – 1060 – Bruxelles

Nocturne le vendredi 12 avril / 20h30 – 00h00

Exposition Trolls & Bestioles 2024

Cette année l’exposition Trolls & Bestioles revient pour une nouvelle édition qui se déroulera exceptionnellement au BIFFF ! Du 9 au 21 avril venez découvrir les œuvres fantasques de nombreux artistes belges et internationaux et rentrez dans un univers unique peuplé de créatures hors du commun.

**** PIERRE DE PEET : 

"Pierre De Peet (1929-1999) est l’un des artistes phares des ateliers du Créahm Bruxelles, où il a œuvré pendant près de trente ans, d’août 1990 jusqu’à sa mort, survenue en novembre 2019. Issu d’un milieu relativement modeste, une grande fragilité psychique lui ferme très tôt les chemins de l’école. Il aide aux champs, comme il l’explique dans son autobiographie, puis rejoint son frère dans la boulangerie familiale, où il travaille comme ouvrier pendant plusieurs années. En 1988, il est accueilli dans le centre d’hébergement « Les Chataîgnes », à Woluwe-Saint-Pierre. Il y réside jusqu’à la fin de ses jours. En août 1990, à l’âge de 60 ans, il intègre les ateliers du Créahm. Il y développe peu à peu une œuvre plastique d’une bouleversante intensité, dessins, peintures et gravures. La sûreté parfaite du trait, l’intelligence des couleurs, le sens inné de la narration et une poétique incomparable de l’écart constituent les éléments principaux d’un langage pictural où l’expressionisme, en ses dimensions parfois les plus tragiques, ne cesse de dialoguer avec une manière de douceur et de tendresse à nulles autres pareilles. Pierre De Peet porte sur le monde un regard à la fois sans concession et d’une extrême bienveillance. Il feuillette magazines et livres d’art, constellations d’images, d’émotions et d’événements, la trame d’une chronique élective de la vie telle qu’elle va, pour le meilleur et parfois pour le pire, les gens et les corps comme saisis dans la nudité d’exister et qui renvoient, transparents, à nos propres douleurs et à nos propres espérances." (NDM)

**** SARA-VIDE ERICSON : « Desire of the trail ».

Artiste peintre parmi les plus influents de sa génération, Sara-Vide Ericson expose pour la première fois en France à l’automne 2023. Ses grandes toiles figuratives, inspirées de la nature qui l’entoure et de son propre vécu, subliment l’histoire personnelle en mythe universel. L’exposition Desire of the Tail présente une vingtaine d’œuvres produites spécialement pour l’Institut suédois.

Une femme drapée d’une longue jupe et d’un ample châle est assise sur une marée de bernacles contre ce qui ressemble à une falaise, vaste paroi aux tons bruns et crayeux peinte en larges touches expressives, quasiment abstraite. Elle nous confronte du regard, motif assez rare dans l’œuvre de Sara-Vide Ericson. La nature du paysage comme sa localisation sont difficiles à identifier. Sommes-nous sur une plage, près d’une mer, sur la berge d’une rivière à la lisière d’une forêt ? Qui est cette pythie contemporaine et quel message souhaite-t-elle nous délivrer ?

L’œuvre de Sara-Vide Ericson se caractérise par de grandes peintures à l’huile figuratives inspirées de son environnement proche. Parmi les motifs récurrents de son travail, des objets-souvenirs liés à diverses histoires et expériences, ses propres chevaux ou encore la nature qui l’entoure, soit les forêts, les rivières et les marécages du Hälsingland, région sauvage du Nord de la Suède dans laquelle elle a grandi et où elle s’est réinstallée avec sa famille il y a près de 10 ans. Ses toiles ne sont ni des autoportraits nombrilistes ni des paysages naturalistes pour autant. Boycottant le vert tendre qui signe chaque année l’arrivée du printemps, se pressant même de collecter du matériel avant que la saison fatidique ne démarre, Sara-Vide Ericson ne peint pas la « belle nature », cette nature carte postale dont les artistes, suédois entre autres, ont souvent fait cliché.

Caverneuse, boueuse, dangereuse voire dévorante, la nature est une force indomptable avec laquelle l’artiste compose plus qu’elle ne cherche à la représenter. Se fondant sur son propre vécu et bien qu’elle s’y mette en scène, les tableaux de Sara-Vide Ericson ne dévoilent que peu de choses sur elle. Ouverts à de multiples interprétations, ses paysages intérieurs demeurent d’intrigants mystères. En quête d’une forme d’archétype, ils entrent en résonance avec les mythes archaïques, renvoient à un hors-temps primitif et originel. Ils constituentainsi autant de toiles de projection dans lesquelles chacun est invité à se plonger afin d’y explorer sa propre connexion au monde, à la nature, à l’animal, à soi-même, au vivant.  

Sara-Vide Ericson est peintre, ce dont témoigne un travail de la matière particulièrement maîtrisé, soigné et innovant. Jouant des effets de relief par la texture, elle a pour la présente exposition mis au point la méthode de la poche à douille, lui permettant de projeter la peinture sur la toile suivant des lignes précises plus ou moins épaisses et d’élaborer, comme on le ferait en pâtisserie, des ornements en trois dimensions. Ces zones très texturées, qui lui servent à rendre avec plus d’authenticité broderies comme bernacles, contrastent avec d’autres zones où la toile est presque laissée à nu.

Son processus créatif repose aussi sur une forme de performativité. Tout commence par une chasse au motif, en dehors de l’atelier. Se considérant elle-même comme une chasseuse-cueilleuse, Sara-Vide Ericson chasse, collecte, rapporte chez elle puis, le temps venu, sélectionne objets-souvenirs, expériences ou morceaux de paysage et les assemble en peinture dans l’atelier. Mais quand l’artiste a une image en tête, il faut d’abord qu’elle la réalise « en vrai ». Elle s’attèle alors à des mises en scène au sein desquelles elle interprète le personnage, genre de performances dont elle conserve une trace photographique et surtout une mémoire corporelle. Il faut pouvoir ressentir dans son corps, incarner l’image pour parvenir à la peindre. Est-ce la raison pour laquelle les œuvres de Sara-Vide Ericson ont une si forte présence, un si fort pouvoir d’envoûtement? (NDM)

Exposition du 17 octobre 2023 au 18 février 2024.

**** Lars Fredrikson en dialogue avec les artistes contemporaines Anastasia Ax et Christine Ödlund : "Suivre les ondes".

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Au milieu des années 1940, Lars Fredrikson, jeune ingénieur radio, tente avec un ami de réaliser des sculptures à l’explosif sur une plage en Suède. La démarche artistique est pour le moins sensationnelle pour son temps et ouvre la voie à une œuvre singulière et variée. Bientôt, Lars Fredrikson se rend à Paris pour étudier l’art et restera en France jusqu’à la fin de sa vie. Principalement installé dans le sud, il crée une œuvre que l’on peut qualifier de révolutionnaire dans les domaines de la sculpture cinétique, de l’image, du son et des nouvelles technologies. Une œuvre qui implique de nombreuses collaborations novatrices à la croisée du son et de la poésie, de la sculpture et du mouvement, ainsi que d’importantes avancées technologiques au service de l’art. Devenu professeur à la Villa Arson de Nice, il consacre également une grande partie de sa vie à la pédagogie innovante, en tant que fondateur et directeur du premier département de son et de recherches électro-acoustiques et visuelles. Malgré ces percées importantes, Lars Fredrikson est pratiquement inconnu en Suède et guère plus connu en France, à l’exception d’un petit cercle d’historiens de l’art, de conservateurs et d’artistes.

Au printemps 2024, l’Institut suédois présente une sélection d’œuvres de Lars Fredrikson, en dialogue avec deux artistes contemporaines, Anastasia Ax et Christine Ödlund. Toutes deux ont une pratique polyvalente qui évolue librement dans un large et riche champ d’expressions : la sculpture et diverses formes d’images, la performance, le mouvement et le son. Elles partagent aussi avec Lars Fredrikson une grande fascination pour la façon dont l’énergie circule et se transforme à travers différents matériaux et pour la manière dont la communication opère entre diverses formes de vie et d’états. Ainsi, dans l’exposition se côtoient les larges feuilles en inox martelé et plié, sculptures électro-mécaniques, toiles motorisées, pièces sonores et « écritures subversives » de Lars Fredrikson, les aquarelles ésotériques et installations électro-acoustiques de plantes de Christine Ödlund, et les plâtres lacérés et installations performatives d’Anastasia Ax.

L’exposition est activée par un riche programme de performances, concerts, rencontres et lectures dans l’esprit de Lars Fredrikson. Deux concerts sont organisés avec les compositeurs Tarek Atoui et Hampus Lindwall et en collaboration avec l’EMS (Elektronmusikstudion, ou Studio de musique électronique) à Stockholm qui, depuis soixante ans, constitue un important point de rencontre entre musique électronique contemporaine et art sonore. Il y aura aussi des événements autour de la poésie sonore, une forme d’art que Lars Fredrikson, ami et collaborateur de nombreux poètes, affectionnait particulièrement.

Suivre les ondes est la première d’une série d’expositions de l’Institut suédois qui se propose de mettre en dialogue des artistes historiquement importants et des artistes contemporains, afin de faire valoir l’impact des premiers sur les seconds, de même que leur pertinence actuelle.(NDLG)

Exposition du 8 mars au 16 juin 2024

****  Art Brut dans la collection Decharme

**** De Ferdinand de Médicis à Édouard Manet : le citron, objet de toutes les passions

**** Guglielmo Castelli - Art Club #38 

" L'Académie de France à Rome - Villa Médicis présente trois expositions : la première, consacrée à l'Art Brut, rassemble une sélection de 180 œuvres de la collection de Bruno Decharme, la seconde met à l'honneur Le Citron d'Édouard Manet, prêt exceptionnel du Musée d'Orsay à l'occasion des 150 ans de l'impressionnisme, enfin, le peintre italien Guglielmo Castelli est invité dans les jardins pour le prochain rendez-vous du cycle Art Club. 

Epopées Célestes : Art Brut dans la collection Decharme

 La Villa Médicis présente l'exposition Épopées Célestes. Art Brut dans la collection Decharme, qui rassemble une sélection de 180 œuvres de la collection de Bruno Decharme, véritable panorama de l'art brut. Le concept d’art brut est attribué au peintre français Jean Dubuffet (Le Havre, 1901 – Paris, 1985) qui constitue à partir de 1945 une collection d’objets et de productions réalisés par des patients d’hôpitaux psychiatriques, des détenus, des personnes marginales, solitaires, « hors système ». Ces créateurs autodidactes produisent sans se préoccuper du regard d’autrui et participent à la formation de langages nouveaux, d’inventions ou de techniques.  

De Ferdinand de Médicis à Édouard Manet : le citron, objet de toutes les passions

 Agrume iconique du paysage méditerranéen, le citron est mis à l'honneur dans la programmation printanière de la Villa Médicis grâce au prêt exceptionnel du musée d'Orsay de l'œuvre Le Citron peinte par Édouard Manet en 1880, exposée pendant trois mois dans les chambres historiques du Cardinal de Médicis, point culminant du parcours de visite guidée de la Villa Médicis. La présence silencieuse du Citron, qui semble convoquer tous les sens, sera l’occasion d’une résidence d’écriture de l’autrice et philosophe Vinciane Despret en avril, à l’affût de ce que le fruit pourrait lui conter. 

Guglielmo Castelli - Art Club #38 

Pour le prochain rendez-vous du cycle Art Club, la Villa Médicis invite l'artiste peintre turinois Guglielmo Castelli. Puisant son inspiration dans la littérature, le théâtre et l'histoire de l'art, Guglielmo Castelli développe un univers où se mêlent figures humaines et animales, fragments de paysage, éléments naturels et scènes du quotidien. À travers une peinture figurative aux aplats magmatiques et aux sujets fluides, il installe des récits en perpétuel mouvement, presque cinématographiques. Le cadre qui accueille ces récits est celui des jardins de la Villa Médicis :  cinq œuvres de Guglielmo Castelli y sont présentées dans l’Atelier Balthus, le Studiolo de Ferdinand de Médicis et la gypsothèque. Il s’agit de quatre huiles sur toile : le diptyque I Believe in The Nights (2021) ; Buon Vento (2023) ; Le Jardin des Refusés et The mutiny's space (2022), ainsi qu’une tapisserie réalisée à partie de plastique recyclé et de fils naturels, Dorofoco. Bonotto for A collection (2020). Cet ensemble d’œuvres propose aux visiteurs un voyage chromatique où, au fil de la déambulation, chaque pièce semble contenir une énigme à résoudre. " (NDLG)

Exposition du 19 mars au 1er mai 2024.

**** RAOUL DUFY : Manifesto Expo : "Colourful symphony. Masterpieces from Edmond Henrard Collection"

"Passionné par l’œuvre de Raoul Dufy depuis plus de quarante ans, Edmond Henrard a constitué une collection désormais représentative de l’art de cet artiste phare du XXe siècle. Régulièrement enrichie de pièces nouvelles, la collection Henrard a déjà été exposée dans divers musées en France, aux Etats-Unis et au Japon.

Le commissaire de l’exposition, Eric Blanchegorge, actuellement directeur des Musées de Troyes, explore ici l’influence de la musique et de la mode sur les œuvres de Raoul Dufy, au début du XXe siècle. Une période dynamique où les domaines du design, de l’art et de la musique fusionnent pour la création d’une œuvre totale.

Imaginée en plusieurs chapitres, l’exposition présente la carrière composite de l’artiste à travers peintures, dessins et aquarelles inspirés de ses thèmes de prédilection : les paysages, les courses hippiques, les régates et la vie parisienne. L’exposition comprend aussi une importante sélection de pièces textiles (vêtements et accessoires) réalisées par Dufy pour - entres autres - le créateur français Paul Poiret, qui a révolutionné la scène de la haute couture à cette époque, et l’historique manufacture lyonnaise de soierie Bianchini-Férier.

Enfin, un chapitre est dédié aux « Grands Décors » qui présente un ensemble de dix lithographies originales gravées par Charles Sorlier, tirées de la fresque La Fée Electricité, complétée par l’artiste pour le Pavillon de l’Electricité et de la Lumière dans le cadre de l’Exposition internationale de 1937 à Paris, aujourd’hui conservée au Musée d’Art Moderne de Paris." (NDM)