**** QUENTIN GERMAIN : "Sous la surface"

 

"   Immergé dans les fonds marins, Quentin Germain invite dans les abysses, dans des paysages oubliés ou imaginaires. Une matérialité face à des contenus profonds, conceptuels et émotionnels, une portée philosophique et narrative.

   Quentin Germain nous emmène en 2124 ou tout simplement demain. C’était peut-être aussi hier. Dans l’Atlantique, ou près de la fosse des Mariannes, dans le Pacifique Nord, ou au pied d’Etretat, l’artiste nous met face à nos traces, à nos ruines. Insufflant une éternité à ces paysages aquatiques, il étend son monde mystérieux et joue avec les matières : béton, acier, acide, métaux et traces du vivant pour raconter l’ombre de l’activité humaine effrénée. Son regard nous entraine loin, face au ternissement de l’œuvre océanique millénaire. Il questionne notre engagement de la préservation des profondeurs insondables.

   Le regard de Quentin élève notre conscience à la grandeur et à la vulnérabilité des natures. Il nous replace en face de notre devoir sacré, de notre mission pour sauver la tragédie des vagues et des chefs-d’œuvres éphémères, invisibles, des océans et de nos terres.

Tout ce voyage, dans un mystère absolu, nous questionne sur le fond de ce que nous voyons, sur l’engagement que nous en faisons, tout simplement aussi sur les formes qui sont posées devant nos yeux. Victor Hugo dans Utilité du beau déclame : « Ce qu’on nomme le fond, ce n’est que la surface, et que le vrai fond c’est la forme, cette forme éternelle qui, dans le mystère insondable du Beau, se rattache à l’absolu » (1860).

À vous, Sous la surface." Rémi Heintz 

 

Exposition jusqu'au 20 avril 2024.

**** LARS FREDERIKSON / ANASTASIA AX / CHRISTINE ÖDLUND : "Suivre les ondes"

 

"Au printemps 2024, l’Institut suédois présente une sélection d’œuvres de Lars Fredrikson, en dialogue avec deux artistes contemporaines, Anastasia Ax et Christine Ödlund. Toutes deux ont une pratique polyvalente qui évolue librement dans un large et riche champ d’expressions : la sculpture et diverses formes d’images, la performance, le mouvement et le son. Elles partagent aussi avec Lars Fredrikson une grande fascination pour la façon dont l’énergie circule et se transforme à travers différents matériaux et pour la manière dont la communication opère entre diverses formes de vie et d’états. Ainsi, dans l’exposition se côtoient les larges feuilles en inox martelé et plié, sculptures électro-mécaniques, toiles motorisées, pièces sonores et « écritures subversives » de Lars Fredrikson, les aquarelles ésotériques et installations électro-acoustiques de plantes de Christine Ödlund, et les plâtres lacérés et installations performatives d’Anastasia Ax." (NDLG)

 

Exposition du 8 mars au 16 juin 2024.

**** STEPHANE ASHPOOL 

 

 " Cette saison célèbre la puissance du collectif et la nécessité de la transmission, l’une des valeurs clé du 19M. Elle propose de découvrir la façon dont l’habillement des sportifs peut être un art, une approche non seulement technique — qui répond aux besoins impérieux du corps de bouger avec aisance dans une quête de performance — mais aussi une célébration visuelle mettant le corps à l’honneur par le choix d’étoffes, de tissus et d’ornementations célébrant la prouesse. En écho à l’exposition, la Galerie du 19M programme des ateliers pratiques de découverte des Métiers d’art, des conférences avec des temps forts les weekends, réunissant artistes, artisans et performeurs qui travaillent sur le mouvement.

Autodidacte et touche-à-tout, inventeur d’un monde singulier qui prend racine dans les rues populaires du nord de Paris qui l’ont vu grandir, Stéphane Ashpool évolue depuis deux décennies dans un univers où convergent le sport, la mode et la musique. Lauréat du Grand Prix de l’ANDAM en 2015, il a bénéficié pendant deux ans d’un mentorat de Bruno Pavlovsky, président de CHANEL SAS et président du 19M qui l’a conduit dans les Maisons d’art. Un travail préliminaire à celui mis en œuvre pour l’exposition pluridisciplinaire « Figure libre. Stéphane Ashpool » où se dessine en creux, un portrait intime du créateur.

Les tenues sportives comme les costumes de performance conçus par le designer convoquent virtuosité technique et célébration visuelle. Ils répondent aux besoins impérieux des corps d’être en mouvement avec aisance et confort, mais aussi à une dimension spectaculaire par le choix des matières, des motifs, des ornements. En mettant en tension les échelles macro et micro, les volumes ouverts ou clos, sensibilité et technicité, amplitude et précision… l’exposition présente un territoire de mode où se croisent les mouvements d’un sportif sur le terrain et ceux d’un performer sur la scène, une exposition qui convoque aussi, la gestuelle minutieuse et les savoir-faire des artisans d’art du 19M." (NDLG)

 

Exposition du 27 mars au 16 juin 2024.

**** FRANCES GOODMAN "Red runs through"

 

"Née en 1975 et vivant à Johannesburg, Frances Goodman est aujourd’hui une artiste majeure de son pays. Pour cette première exposition à la galerie, elle réunit des œuvres issues de diverses séries : portraits brodés en sequins, installation monumentale en crochet, sculptures élaborées à partir de faux ongles serpentant sur les murs, totems de pilules et de cachets en céramique.

La pièce monumentale intitulée Comforter est le point d'orgue de l'exposition. Le visiteur s’immerge dans un univers visuel et tactile où le rouge et le matériau enveloppant façonne une expérience singulière ; l’œuvre invite à la compassion et l’empathie. Comforter incarne une déclaration puissante au sein de l'exposition à travers le prisme vibrant du rouge.

 Frances Goodman intègre le sequin dans son répertoire artistique, un matériau souvent associé à l'industrie de la mode pour la confection de tenues de soirée. Elle le détourne en créant des portraits chatoyants et scintillants, exploitant l'effet festif pour insuffler une dimension merveilleuse à ses compositions. (NDLG)

 

Exposition du 12 mars au 20 avril 2024.

**** THOMAS LEVY-LASNE : "L'impuissance" 

 

" Après « L’asphyxie » il y a quatre ans, je propose ma deuxième exposition personnelle à la galerie des Filles du Calvaire dans leur nouvel espace : « L’impuissance », à la recherche d’une esthétique adaptée au temps de la dérive climatique, désanthropocentré et sensible à la perte tragique de ce qui est encore là. 

Dans le cadre de la fin du banal1, il s’agira d’une exposition aux thématiques éclatées, en lambeau, avec un titre faisant office de parfum. Celui-ci renvoie encore aujourd’hui de manière symptomatique à une problématique sexuelle alors qu’il sera ici question d’impuissance politique et existentielle ainsi que de peinture, par des expériences limites. Mais aussi d’une impuissance désirée : moins de puissance dans la dévastation, dans l’accaparement, dans l’emprise, plus de soin, plus de douceur, plus d’attention humble et de dignité au trésor quotidien qu’est le monde des apparences.  

On retrouvera ainsi des policiers allemands virilistes embourbés dans la gadoue, un coucher de soleil sur la mer que contemple une poubelle plastique, la plage d’Ostende ultra urbanisée rendue caduque par une montée des eaux, un mur frontal de briques couvertes de tags amoureux comme autant de traces publique d’une existence étroite. 

« Dans la serre », une peinture qui m’a pris deux ans à élaborer représente une foule faisant la queue dans un jardin artificiel. En pleine contre-productivité humaine et disharmonie du biotope, le traitement picturale du fourmillement des plantes est aussi précis que celui des humains2.

La multitude des sujets et la variété des vitesses d’exécution permet également un déploiement de texture ; peau, poil, gluant, visqueux, poisseux, il ne s’agit pas d’abandonner la joie de peindre. En témoigne un bestiaire comme un cul de vache, une coccinelle, un coq, un papillon. 

L’exposition sera de plus ponctuée de petits formats à échelle 1 de plantes saxicoles, cette verdure sans nom, trésor de vitalité, qui pousse vaillamment dans les interstices minéraux de nos villes et les rafraîchit. 

On retrouvera, par ailleurs, ma série des « distanciels ». Des portraits au fusain exécutés par zoom pendant la pandémie, des visages rétro-éclairés par leur écran d’ordinateur dans l’ambiance et la qualité de connexion de leur confinement. 

Aveu de fragilité, démonstration du travail derrière l’efficacité du résultat, certains tableaux ne sont terminés. Ils se développeront au long de l’exposition comme des enfants, des plantes, ou des cancers. 

Au sous-sol, une vidéo conceptuelle anxiogène « Vous êtes ici » contaminera l’ensemble de l’accrochage. Une réflexion frontale sur notre mode de vie présent, la part de violence et de poisson qu’elle nécessite. 

Enfin dans l’attitude qui est la mienne depuis trois ans, chaque samedi de l’exposition à 17h, j’animerai en public, un épisode hors-série des « apparences » une chaîne YouTube et Twitch autour de la vitalité de la peinture contemporaine sur la scène française". Thomas Lévy-Lasne

 

Exposition jusqu'au 11 mai 2024.

**** LEVI VAN VELUW : "We do not remember"

 

"Pour l'exposition intitulée We do not remember (Nous ne nous souvenons pas), l'artiste néerlandais Levi van Veluw transforme la vitrine de la galerie en une œuvre d'art. Il remplit l'espace avec 120 répliques de sa propre effigie. La disposition des têtes est chaotique, elles se pressent et s’entrechoquent les unes contre les autres, offrant une vision perturbante et aliénante de la foule. Au centre de la galerie, un objet cylindrique de 6 mètres de haut traverse les deux étages. L'espace devient carcéral, l'œuvre ne laisse aucun moyen d'évasion. Sur les murs de cette pièce, d'innombrables étagères sont saturées du haut jusqu'en bas de centaines de têtes. S'agit-il d'un entrepôt, d'une usine ? Ou peut-être de l'intérieur du cerveau de l'artiste ?

En plus des installations, Van Veluw montre des sculptures, des dessins et des films autobiographiques qui s'inspirent de ses souvenirs d'enfance. Depuis les profondeurs de sa mémoire, l'artiste fait surgir des images qui suscitent des émotions universelles et remettent en question notre logique humaine. Van Veluw joue avec des éléments d'ordre et de chaos, posant au spectateur des questions : entre obsession du contrôle et recherche d’infini à travers la juxtaposition de l’harmonie des lignes et les cassures brutales. (NDLG)

 

Exposition du 2 mai au 8 juin 2024.

**** Katinka Lampe & Janine van Oene : "Crossed Wires"

 

"Qu'est-ce qu'une peinture en réalité ? Dans le sens le plus simple, c'est de la matière sur toile. Cependant, de manière compréhensible, pour la plupart des personnes, l'acte de peindre en lui-même n'est pas aussi significatif que ce que l'œuvre évoque. À travers la peinture, on accède à de nouveaux mondes – des compositions de formes et de couleurs qui n'existaient pas auparavant, Katinka Lampe et Janine van Oene présentent toutes deux leur propre réalité picturale. Une ressemblance avec la réalité, l’évocation d'une sensation, voilà qui pourrait être une première définition de la peinture.

L’acte de peindre en lui-même est extrêmement important. Le mouvement, la manière dont la peinture est manipulée, la vitesse, la quantité, le mélange, le médium, le geste, la taille, tout cela pourrait s'appeler la technique, mais pourtant la technique c’est la prise de décision. À chaque étape, la peinture pose des questions qui attendent une intervention ou une réponse, une prise de risque. La matière elle-même semble vouloir quelque chose. Chaque coup de pinceau change l'ensemble. Une peinture est finalement le résultat de toutes les solutions trouvées dans les formes, les couleurs et les superpositions.

À travers le dialogue que nouent les œuvres des deux artistes, le spectateur accède avec plus de profondeur à tout ce qui a précédé l'exposition. En s'attardant sur les processus créatifs, les similarités apparaissent. 

Le travail de Katinka Lampe est figuratif. Il traite de l’humain, de la manière dont nous nous regardons les uns les autres et sommes regardés. Lampe ne peint pas un modèle qui pose mais réalise dans un premier temps des séances photo avec lui. Ces images lui servent de point de départ. L'acte pictural la conduit finalement vers une nouvelle représentation inconnue. On pourrait l'appeler un semblant de réalité. 

Le travail de Janine van Oene allie abstraction intuitive et lyrisme. Alors que dans ses œuvres antérieures, des éléments clairement figuratifs émergeaient, son travail devient résolument abstrait." (NDLG)

 

Exposition du 16 mai au 15 juin 2024.

**** GHISLAINE ET SYLVAIN STAELENS : "Paris tribal".

 

VOIR AUSSI : STAËLENS Ghyslaine et Sylvain : ENTRETIEN AVEC JEANINE RIVAIS : RETOUR SUR LE PRINTEMPS DES SINGULIERS 2003.  Entretien http://jeaninerivais.fr Festivals Ancien site IIe Biennale Lyon 2007. ET AUSSI : TEXTE : " http://jeaninerivais.jimdo.com/ QUAND S'OUVRE LE COCON, dans l'œuvre de SYLVAIN et GHISLAINE STAELENS, sculpteurs" : ART SINGULIER

 

Vernissage le mardi 23 avril de 11h à 21h.

Exposition du 23 au 28 avril 2024.